Joseph Benson Mauldin Jr., affectueusement appelé Joe B., s'est imposé comme l'un des véritables pionniers de la contrebasse et de la basse dans l'univers naissant du rock 'n' roll. Évoluant au sein des légendaires Crickets aux côtés de Buddy Holly, il a contribué à façonner le son d'une époque charnière, instaurant le format canonique du groupe de rock (deux guitares, une basse, une batterie). Mauldin commence la musique très jeune dans sa ville natale de Lubbock, au Texas. Après s'être essayé au piano et à la trompette, il jette son dévolu sur une contrebasse empruntée à son collège à l'âge de 14 ans. En 1957, il intègre officiellement les Crickets en remplacement de Larry Welborn. Son jeu percussif à la contrebasse — et plus tard à la Fender Precision Bass — propulse des hymnes intemporels comme That'll Be the Day, Oh, Boy! ou encore Not Fade Away. En studio, il participe activement au processus créatif, allant jusqu'à co-écrire des morceaux emblématiques comme Well... All Right. Après la mort tragique de Buddy Holly en 1959, Mauldin continue de faire vibrer les lignes de basse des Crickets pour accompagner notamment les Everly Brothers en tournée internationale. Installé par la suite à Los Angeles, il devient un ingénieur du son prisé aux mythiques Gold Star Studios (le laboratoire du fameux "Wall of Sound" de Phil Spector), tout en ne lâchant jamais son instrument. Il a logiquement été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2012, reconnaissance d'une empreinte indélébile sur le rôle du bassiste moderne.

Figure tutélaire de la contrebasse classique en France, Jean-Marc Rollez commence son apprentissage musical par le piano avant de se tourner vers la contrebasse à l'âge de 14 ans. Après avoir obtenu un Premier Prix au Conservatoire de Roubaix, il intègre le Conservatoire National Supérieur de Musique (CNSM) de Paris où il décroche un Premier Prix en seulement deux ans. Sa carrière de musicien d'orchestre le mène successivement à l'Orchestre de Monte-Carlo, à l'Orchestre de Radio-France, puis au poste très convoité de contrebasse solo au Théâtre National de l'Opéra-Comique et à l'Orchestre de l'Opéra de Paris. Outre ses talents d'interprète, Jean-Marc Rollez a profondément marqué l'histoire de l'instrument par ses recherches sur la technique de l'archet. Il a étudié la tenue allemande pour en faire une synthèse avec la tenue française, modifiant cette dernière afin d'utiliser au mieux le poids naturel du bras et de l'épaule. Cette évolution a permis d'accroître la puissance sonore de la contrebasse tout en conservant la souplesse inhérente à la prise française. En 1978, il est nommé professeur au CNSM de Paris, où il forme jusqu'en 1996 toute une génération de contrebassistes d'excellence.

Figure incontournable du jazz français, Louis Vola a marqué l'histoire de la musique en tant que contrebassiste fondateur du légendaire Quintette du Hot Club de France. Issu d'une famille d'origine italienne installée dans le Var, il a commencé par étudier le violon et la percussion avant de se tourner vers la contrebasse, instrument qui deviendra son compagnon de route privilégié. Après avoir fait ses armes dans les bals-musettes parisiens et dirigé des orchestres de tango, sa rencontre avec Django Reinhardt et Stéphane Grappelli a radicalement transformé sa carrière. Au sein du quintette, il apportait une assise rythmique indéfectible, essentielle à la réussite de cette formation sans batterie, soutenant les improvisations virtuoses de ses partenaires avec une précision et un sens du swing rares. Son influence dépasse largement le cercle des amateurs de jazz, car il a contribué à définir les fondations du jazz manouche, un genre aujourd'hui reconnu et pratiqué à travers le monde.

Comment le fils de « L'homme sans nom » est devenu, sans un coup de feu, l'un des bassistes-compositeurs les plus discrets et les plus élégants du jazz européen.

Formé pendant le confinement par Harry Hanson et Greg Lonsdale, le sextet de Leeds Adult DVD s'apprête à sortir son premier album complet, sobrement intitulé Adult DVD, chez Fat Possum Records. Depuis leurs débuts en 2021, le groupe a bâti sa réputation sur scène — Glastonbury, Green Man, End of the Road — avant de signer sur ce label indépendant américain début 2026.

Troisième album en leader pour le contrebassiste et compositeur melbournien Sam Anning, Earthen n'est pas un disque comme les autres : c'est un hommage. Pendant les trois dernières années de sa vie, Anning a été le bassiste d'Archie Roach, figure tutélaire de la musique aborigène australienne, chanteur-compositeur dont l'œuvre a porté la mémoire des Stolen Generations. Roach s'est éteint en 2022, et c'est de cette proximité, de cette dette artistique et humaine, qu'est né ce septet. L'anecdote qui donne son titre au disque en dit long sur la place de la basse dans ce projet. Au chevet de Roach à l'hôpital, alors qu'Anning et le guitariste Stephen Magnusson jouaient doucement pour lui, le chanteur aurait désigné leurs instruments en disant : « ceci est de la poterie, cela vient de la terre, la musique vient de la terre, et ces instruments la portent, avant qu'elle n'y retourne. » Une contrebasse comme argile façonnée, comme vase qui contient et transmet : difficile de trouver plus belle définition du rôle de l'instrument dans un ensemble. Neuf titres, une tonalité élégiaque assumée du premier au dernier morceau, et une basse qui, sans jamais chercher la lumière, se fait la mémoire du disque : c'est peut-être la plus juste façon de rendre hommage à un compagnon de route.

Nicholas Edward O'Malley, né à Sheffield, s'est imposé comme l'une des figures rythmiques majeures du rock alternatif britannique du XXIe siècle. Ayant commencé la basse à l'âge de 16 ans, il rejoint les Arctic Monkeys en 2006, remplaçant au pied levé le bassiste originel Andy Nicholson juste avant une importante tournée nord-américaine. La légende veut qu'il ait appris l'intégralité du premier album du groupe en seulement deux jours de pratique acharnée en isolement total. Son intégration définitive marque un tournant pour le son du groupe, O'Malley apportant une assise mélodique et un groove distinctif, particulièrement influencés par la scène stoner rock et le jeu puissant de Queens of the Stone Age. En termes d'équipement, O'Malley a construit son grain sonore en utilisant principalement des basses Fender Precision et des Rickenbacker 3000 (notamment lors de ses débuts post-punk), avant d'élargir son arsenal à des modèles comme l'Epiphone Jack Casady ou la Burns Sonic Bass pour obtenir la rondeur et la chaleur nécessaires aux albums plus récents comme Tranquility Base Hotel & Casino ou The Car. Côté amplification, il a souvent fait rugir des têtes Ampeg SVT-CL Classic et des amplis à lampes Ashdown CTM. Son attaque vigoureuse au médiator, couplée à l'utilisation stratégique de pédales d'effet telles que la ZVEX Woolly Mammoth (qui donne toute sa lourdeur au riff iconique de Do I Wanna Know?), a largement contribué à l'évolution sonore des Arctic Monkeys, passant d'un indie-rock frénétique à des textures beaucoup plus lourdes, moites et sophistiquées.

Harvey Brooks (né Harvey Goldstein à Manhattan) est une figure incontournable de la scène musicale new-yorkaise des années 1960. Bassiste prolifique, il s'est imposé comme l'un des musiciens de studio les plus prisés de sa génération. Il commence sa carrière en plein cœur du mouvement folk et blues, se démarquant rapidement par sa capacité à fusionner les genres avec fluidité. Sa notoriété explose lorsqu'il est invité à jouer sur l'album culte Highway 61 Revisited de Bob Dylan en 1965. Cette collaboration fondatrice marque le début d'une carrière exceptionnelle où il enchaîne les sessions prestigieuses. Il participe notamment à l'album The Soft Parade des Doors, apportant une ligne de basse mémorable et charnue sur des titres comme "Touch Me", et fonde le groupe The Electric Flag avec Michael Bloomfield et Buddy Miles. L'étendue de son talent et son approche très ouverte de l'instrument l'amènent également à explorer le jazz fusion, enregistrant sur l'album légendaire Bitches Brew de Miles Davis. S'étant installé en Israël à la fin des années 2000, il continue d'écrire et de jouer, publiant en 2021 son premier album solo, Elegant Geezer, Jerusalem Sessions, témoignant de sa passion intacte pour la création musicale.

Considéré comme l'un des prodiges de la basse rock britannique, Andy Fraser a posé les fondations du hard rock et du blues rock dès la fin des années 1960. Son jeu très mélodique, aéré et rythmiquement inventif a redéfini le rôle de la basse électrique dans un format power trio et quatuor, laissant un héritage technique et créatif immense à la sphère musicale.

Trois ans après leur retour, les pionniers de l'acid jazz britannique n'ont visiblement rien perdu de leur foi dans la groove. Acid Jazz Revenge, pressé en exclusivité pour le marché japonais via P-Vine, prolonge le disque Unreliable Memories Of Contested Conversations (WoozyWu, janvier 2026) en lui adjoignant quatre inédits. Une manière de rappeler que, chez Galliano, le disque n'a jamais été qu'une étape entre deux scènes. Enregistré aux Boogie Back Studios du nord de Londres, l'album tisse la même étoffe que le précédent : récits de la culture londonienne de la fin des années 80 dont le groupe est issu, mis en regard de l'époque numérique où l'on se débat aujourd'hui. Le titre Boogie For Brains résume l'esprit du disque — un funk crasseux à la James Brown, cuivres et flûte signés Finn Peters, sur fond d'interrogation grinçante : l'expérience numérique était-elle vraiment le futur qu'on nous avait promis ? Ailleurs, Children Of The Sun emprunte à Roy Ayers son soleil et à Gil Scott-Heron une première ligne empruntée à Winter in America. Difficile de parler de Galliano sans revenir au socle rythmique. Depuis les origines, la basse est tenue par Ernie McKone — « The Great Ernesto » — pilier de la scène rare groove britannique, patron du label Boogie Back et complice de longue date du batteur Crispin Taylor. C'est cette paire basse-batterie, rodée depuis la fin des années 80 (et parallèlement au sein de Push), qui donne au disque son assise élastique et dansante. Le studio même, Boogie Back, porte la marque du bassiste. Sur Acid Jazz Revenge, McKone assure basse et guitare : un ancrage jazz-funk que les habitués de son travail avec Incognito, Sister Sledge ou Seal reconnaîtront au premier walking.

Baigné très tôt dans la scène musicale florissante de Los Angeles, Joe Puerta a forgé son identité sonore en autodidacte, après avoir échangé une paire d'enceintes contre sa toute première vraie basse, une Fender Jazz Bass de 1963. Fortement influencé par le sens de la mélodie de Paul McCartney et le groove fondamental de James Jamerson, il a développé un jeu à la fois complexe et hautement chantant. En cofondant le groupe Ambrosia dans les années 70, il a su trouver le point d'équilibre parfait entre la sophistication technique du rock progressif et l'accessibilité de la pop, soutenant des arrangements denses avec des lignes de basse mouvantes et des harmonies vocales impeccables. Plus tard, lorsqu'il devient membre fondateur de Bruce Hornsby and the Range, il adapte son jeu pour offrir une assise plus fluide et profonde, frôlant parfois l'expressivité d'une basse fretless sur des classiques comme The Way It Is. Aujourd'hui également producteur et propriétaire d'un studio d'enregistrement, il conserve cette oreille absolue pour le placement des basses fréquences dans un mix, prouvant que le rôle du bassiste est avant tout d'être l'architecte invisible du morceau.

Avant d'être un catalogue de standards repris par la moitié du rock mondial, Willie Dixon était d'abord une contrebasse. Le pouls, l'ancre, la basse fondamentale du Chicago blues — celui qu'on entend sans jamais le voir en couverture.

William James Dixon est une figure fondatrice du Chicago blues, non seulement en tant que contrebassiste au groove inimitable, mais aussi comme compositeur, producteur et arrangeur. Originaire de Vicksburg dans le Mississippi, il s'installe à Chicago et se fait d'abord remarquer par son impressionnante carrure qui le mène vers une brève carrière de boxeur. Cependant, la musique prend rapidement le dessus. Sa maîtrise de la contrebasse devient l'épine dorsale des enregistrements du label Chess Records dans les années 1950. Son style de jeu percussif, ancré dans le blues acoustique mais parfaitement adapté à l'électrification naissante, donne une assise redoutable aux morceaux de Muddy Waters, Howlin' Wolf et Bo Diddley. Plutôt que de multiplier les notes, Dixon privilégie l'espace et le rebond, créant un balancement lourd et entraînant qui définit le son du blues urbain. Ses lignes de basse soutiennent des compositions historiques dont il est lui-même l'auteur, dictant littéralement la direction harmonique de la musique afro-américaine de l'époque. Son héritage se mesure à l'immense influence qu'il a exercée sur les bassistes de rock britanniques des années 1960, qui ont tous étudié ses disques pour en extraire l'essence du groove blues.

L'histoire des musiques improvisées afro-américaines, et plus particulièrement du jazz-fusion, est intrinsèquement liée à l'évolution de la basse électrique et de la contrebasse. Au cœur de cette révolution organologique et stylistique se dresse une figure tutélaire : Stanley Clarke. Au cours d'une carrière s'étendant sur plus de cinq décennies, il a systématiquement redéfini les paramètres techniques, harmoniques et orchestraux de l'instrument, propulsant la basse de sa fonction traditionnelle de soutien rythmique vers un rôle de soliste de premier plan. Véritable pionnier, il fut le premier bassiste de jazz-fusion de l'histoire à mener des tournées mondiales à guichets fermés, et à voir ses enregistrements en tant que leader certifiés disques d'or.

Fidèle à la mécanique inaugurée avec i/o en 2023 — et dont le nouvel album o\i renverse jusqu'au titre —, Peter Gabriel égrène ses chansons au rythme des pleines lunes. « I Belong to the Sky » est la septième pièce de ce puzzle de 2026, après « Been Undone », « Put the Bucket Down », « Till Your Mind Is Shining », « Won't Stand Down » et « A Hard Lesson ». Comme les autres, elle existe en deux visages, Dark-Side et Bright-Side ; c'est la version solaire qui ouvre le bal.

Né à Philadelphie, Stanley Clarke a fondamentalement redéfini le rôle de la basse électrique et de la contrebasse dans le jazz contemporain et la fusion. Encouragé très tôt par sa mère à étudier la musique, il s'essaie à l'accordéon et au violon avant de se tourner vers la contrebasse, instrument plus adapté à ses grandes mains et à sa stature impressionnante. Il ambitionne d'abord de devenir le premier musicien noir de l'Orchestre de Philadelphie, mais sa rencontre avec le pianiste Chick Corea à sa sortie de la Philadelphia Musical Academy en 1971 va bouleverser sa trajectoire. Ensemble, ils fondent Return to Forever, un groupe phare qui propulse le jazz-rock vers de nouveaux sommets.

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Fils d'un producteur et compositeur de renom (John Farrar) et d'une chanteuse australienne (Pat Carroll), Samuel John Farrar naît à Los Angeles et baigne dès son plus jeune âge dans les rouages de l'industrie musicale. Il commence son ascension en fondant le groupe de rock alternatif Phantom Planet en 1994, à l'âge de seize ans, aux côtés du chanteur Alex Greenwald. En tant que bassiste, il ancre le son indie pop et mélodique du groupe, qui connaît un succès planétaire avec l'hymne California, devenu le générique culte de la série télévisée Newport Beach. Son jeu de basse chez Phantom Planet se distingue par un sens aigu de la mélodie et une approche très organique, souvent couplée à des chœurs harmonieux qui épaississent le mix. La véritable consécration pop de Sam Farrar survient toutefois avec le groupe Maroon 5. Ami de longue date des membres fondateurs, il intègre la formation en 2012 initialement comme multi-instrumentiste de tournée, jonglant avec une aisance rare entre la basse, les guitares, les percussions, les claviers et les séquenceurs. Promu membre permanent pour les enregistrements studio autour de 2016, il s'impose comme un architecte sonore indispensable derrière la machine à tubes qu'est devenu Maroon 5. Armé de ses modèles Fender Precision et Jazz Bass, Farrar fusionne avec brio l'instrumentation traditionnelle et les fondations rythmiques électroniques. Artiste complet, il compose et produit également pour de nombreux autres artistes, comme Sara Bareilles, et s'illustre dans les arts visuels par la création d'œuvres urbaines.