Né le 29 août 1945 à Middleton, dans le Lancashire, Chris Copping grandit musicalement à Southend-on-Sea, où il croise très tôt Gary Brooker, Robin Trower et B.J. Wilson. Il tient la basse et la guitare dans les Paramounts, ce groupe de rhythm'n'blues anglais qui reprend Coasters et Leiber-Stoller avec une rigueur peu commune et dont sortira, quelques années plus tard, l'ossature de Procol Harum. La musique n'est alors pas son horizon professionnel : Copping s'inscrit à l'université de Leicester, décroche un diplôme de chimie avec mention en 1966, travaille pour l'administration britannique et entame une thèse de doctorat. C'est Gary Brooker qui vient le rechercher en 1969, dans une situation acrobatique : Procol Harum vient de perdre d'un coup son organiste Matthew Fisher et son bassiste Dave Knights, et Copping accepte de remplacer les deux à lui seul. Sur scène, il joue les parties d'orgue Hammond de la main droite et les lignes de basse au pédalier, une gymnastique qui donne au groupe une couleur plus sombre, plus terrienne, exactement celle qu'appelaient les albums Home et Broken Barricades. Quand Alan Cartwright rejoint la formation à la basse en 1972, Copping se recentre sur les claviers, mais son empreinte de bassiste reste audible dans la manière dont Procol Harum articule alors ses fondations harmoniques, jusqu'au disque enregistré avec l'Orchestre symphonique d'Edmonton, puis sur Grand Hotel, Exotic Birds and Fruit, Procol's Ninth et Something Magic. Sept albums en tout, de décembre 1969 à mars 1977. Il s'installe ensuite en Australie, où il n'a jamais cessé de composer, d'enregistrer pour de courts métrages et de monter sur scène avec des formations locales, revenant ponctuellement auprès de ses anciens compagnons quand l'occasion se présente.

Au sein du paysage musical contemporain, rares sont les artistes capables de fusionner avec une telle intensité la profondeur viscérale du blues, la chaleur de la soul et la puissance brute du rock. Danielle Nicole Schnebelen, née le 20 juillet 1983 à Kansas City, dans le Missouri, s'est imposée au fil des décennies non seulement comme une chanteuse à la tessiture vertigineuse, mais également comme l'une des bassistes les plus redoutables et respectées de sa génération. Souvent comparée à des légendes telles qu'Etta James, Susan Tedeschi ou Bonnie Raitt pour sa capacité à transmettre une émotion pure, l'artiste a su forger une identité sonore qui lui est propre, où la virtuosité instrumentale sert un propos narratif d'une rare intensité.

Joseph Osborn naît le 28 août 1937 à Mound, en Louisiane, dans une région rurale où la country et le rockabilly tiennent lieu d'éducation musicale. Il commence par la guitare et gagne ses premiers cachets dans les orchestres de bals du Sud avant qu'un engagement à Las Vegas ne change le cours de sa vie : embauché par le chanteur Bob Luman, il accepte un poste de bassiste sans avoir jamais touché l'instrument, achète une Fender Precision et apprend directement sur scène, soir après soir. Ce hasard fait de lui l'un des musiciens les plus enregistrés de l'histoire de la musique populaire. Installé à Los Angeles au début des années soixante, il rejoint le groupe de scène et de studio de Ricky Nelson, puis devient l'un des piliers du collectif informel de musiciens de séance que la postérité baptisera The Wrecking Crew. Sa Fender Jazz Bass de 1960, jouée au médiator et branchée sans compression excessive, produit un son clair, chantant, très défini dans le haut du spectre, aux antipodes du grondement feutré alors dominant. Cette signature sonore devient celle des disques californiens de la décennie : The Mamas & the Papas, The 5th Dimension, Glen Campbell, Simon & Garfunkel, dont il tient la basse sur Bridge Over Troubled Water, et surtout The Carpenters, dont il accompagne l'intégralité des albums. Sa manière de glisser d'une note à l'autre, de répondre à la ligne de chant par de petits contrepoints mélodiques plutôt que de se contenter de fondamentales, a durablement modifié la façon dont on conçoit une partie de basse pop. En 1974, il quitte la Californie pour Nashville et devient l'un des membres de la A-Team, la garde rapprochée des studios de Music Row, jusqu'à sa retraite en 1988 ; on lui attribue cinquante-trois numéros un et près de deux cents titres classés au Top 40 country. Homme discret, allergique à la vedettisation, il résumait son métier d'une formule restée célèbre auprès des bassistes de studio : donner cent vingt pour cent à chaque prise, que le morceau ait ou non l'étoffe d'un tube. Il s'éteint le 14 décembre 2018 à l'âge de 81 ans.

Multi-diapason 34,4"–35,5", micros Fishman Fluence Soapbar à trois voix, chevalet monocorde, érable caramélisé : sous ses inlays en point d'interrogation et ses caches rouges, la signature du bassiste III de Sleep Token est un instrument de métal moderne d'une cohérence technique presque clinique. Décryptage complet, spécification par spécification, à 1 649 €.

Né John Voorhis Bogert III à Ridgefield, dans le New Jersey, fils unique d'un couple d'employés de banque, il grandit dans une banlieue tranquille qui ne laissait rien présager du vacarme qu'il allait produire. Diplômé de la Ridgefield Memorial High School en 1963, il adopte le surnom de Tim en 1965, au moment précis où sa carrière de musicien professionnel démarre pour de bon. Deux ans plus tard, il fonde Vanilla Fudge avec le batteur Carmine Appice, l'organiste Mark Stein et le guitariste Vince Martell. Le groupe invente une formule qui fera date : ralentir des tubes soul et pop jusqu'à l'hallucination, les gonfler d'orgue Hammond et de basse saturée, transformer « You Keep Me Hangin' On » des Supremes en cathédrale psychédélique. Sur cinq albums entre 1967 et 1970, Bogert impose une conception de la basse rock alors inédite : un jeu en avant, mélodique, mobile, qui refuse le rôle d'accompagnateur et dialogue d'égal à égal avec le guitariste. Il est l'un des tout premiers à faire passer une Fender Precision par une distorsion assumée, à user du glissando, du vibrato et de l'accord de basse comme d'armes expressives, et à chanter en même temps avec une voix haut perchée et puissante. Sa complicité rythmique avec Carmine Appice devient légendaire au point que les deux hommes ne se sépareront plus vraiment : après Vanilla Fudge, ils fondent Cactus en 1970, quatuor de hard rock brut souvent décrit comme le chaînon manquant entre le blues-rock américain et le heavy metal à venir. En 1972, Jeff Beck les rejoint pour former Beck, Bogert & Appice, power trio dont l'album éponyme de 1973 et le légendaire live japonais restent des références absolues de la virtuosité collective. Le groupe implose en 1974, mais Bogert poursuit une carrière de musicien recherché, passant par Boxer, Bobby and the Midnites aux côtés de Bob Weir, et une multitude de sessions. À partir de 1981, il enseigne au Musicians Institute de Hollywood, où il forme des générations entières de bassistes et théorise ce qu'il avait inventé d'instinct. Le Hollywood RockWalk le distingue en 1999. Billy Sheehan, l'un de ses héritiers les plus démonstratifs, l'a désigné comme « probablement la plus grande influence sur mon jeu de basse ». Un accident de moto en 2009 met un terme à ses tournées, mais il continue d'enregistrer jusqu'en 2014, notamment avec le projet Hollywood Monsters. Il meurt d'un cancer le 13 janvier 2021, à 76 ans, laissant derrière lui une conception de l'instrument que le rock n'a plus jamais abandonnée.

Deux ans après son retour dans le giron Spector, Rex Brown obtient enfin sa signature maison : une Euro 4 traversante, habillée d'un Desert Gold inspiré par le Nouveau-Mexique, et équipée d'un couple EMG PJ-X épaulé par le préampli TonePump.

MXR sort une version signature de son talk box, dessinée avec Byron « Mr. Talkbox » Chambers — la voix de l'intro de 24K Magic. Plus d'ampli, un moteur néodyme, deux nouveaux switches et un prix qui double. Vaut-il le détour pour le bassiste, instrument que la marque ne cite même pas dans sa communication ? Analyse complète.

David E. Finck est un contrebassiste et bassiste de jazz américain né à Rochester dans l'État de New York. Ayant grandi à Philadelphie, il s'imprègne très tôt de la grande tradition musicale américaine avant de suivre des études approfondies au prestigieux Eastman School of Music, dont il sort diplômé en 1980. Il bénéficie également de l'enseignement rigoureux de figures issues de l'Orchestre de Philadelphie comme Sam Goradetzer et Michael Shahan. Très vite repéré pour la rondeur et la précision de son groove acoustique, il s'installe à New York, l'épicentre mondial du jazz, où il devient rapidement l'un des accompagnateurs les plus sollicités de sa génération. Sa polyvalence remarquable lui permet de naviguer avec aisance entre la contrebasse acoustique et la basse électrique, s'intégrant parfaitement dans les petites formations de club comme dans les grands orchestres de studio. Tout au long de sa carrière prolifique, David Finck a partagé la scène et les studios avec une impressionnante constellation de légendes du jazz et de la pop. Il fait ses armes professionnelles au sein du fameux Woody Herman Orchestra au début des années 1980, avant de collaborer durablement avec des géants tels que Joe Williams, Annie Ross, Mel Lewis, Phil Woods, Clark Terry ou encore Rosemary Clooney. Sa collaboration étroite avec le pianiste Steve Kuhn s'étale sur de nombreuses années et se concrétise par des albums salués par la critique, tout comme son travail aux côtés du clarinettiste et saxophoniste Paquito D'Rivera. En parallèle, il devient le complice privilégié du pianiste et chef d'orchestre André Previn, l'accompagnant notamment sur des projets discographiques d'envergure consacrés aux répertoires de George Gershwin et Duke Ellington pour le label Deutsche Grammophon. Musicien complet, il prête également ses lignes de basse à des artistes d'horizons variés, allant de Paul Simon à Rod Stewart. En tant que leader, il signe plusieurs albums remarqués, parmi lesquels Future Day, Bassic Instinct et A Beautiful Friendship, qui confirment son statut de maître incontournable du post-bop et du jazz traditionnel. Site officiel de David Finck

Musicien de l'ombre mais pilier fondamental du blues moderne, Karl Sevareid est un bassiste et contrebassiste dont le jeu a longtemps soutenu les plus grands noms du genre. Il est particulièrement célèbre pour ses dix-sept années passées au sein du Robert Cray Band. Avec cette formation, il a enregistré pas moins de neuf albums studio et remporté un prestigieux Grammy Award, contribuant activement à redéfinir le son du blues contemporain. Son approche de la basse, alliant une chaleur organique et une rigueur rythmique impressionnante, est une véritable leçon de placement musical. Au cours de sa riche carrière, son sens inné du groove "laid-back" et sa solidité métronomique lui ont permis de partager la scène avec des légendes telles que Charlie Musselwhite, Elvin Bishop, Bonnie Raitt et Etta James. Privilégiant le son rond, profond et classique d'une Fender Precision ou le timbre feutré d'une contrebasse électrique, il reste un maître incontesté du "pocket playing". Karl sait exactement quand s'effacer pour laisser respirer la voix ou les solos de guitare, tout en maintenant une assise rythmique inébranlable et rassurante pour l'ensemble du groupe. Lien d'écoute : The Robert Cray Band sur Spotify

Michel Donato est une figure incontournable de la scène jazz canadienne et internationale. S'étant pris de passion pour la contrebasse dès son enfance montréalaise, il a d'abord été influencé par son père saxophoniste qui lui fredonnait les lignes de basse à la maison. Il a ensuite perfectionné son art de manière académique au Conservatoire de musique de Montréal. Rapidement repéré pour son sens du swing inné et son intonation parfaite, il intègre très jeune des formations prestigieuses et collabore au fil de sa carrière avec des géants du jazz tels que le pianiste Vic Vogel ou le légendaire Oscar Peterson. S'illustrant par une immense polyvalence, Michel Donato navigue avec une aisance rare entre le jazz traditionnel, les musiques improvisées et la composition de trames sonores pour le cinéma et la télévision. Reconnu et respecté par l'ensemble de ses pairs pour sa maîtrise de l'instrument, ce virtuose a notamment été honoré de l'Ordre du Canada pour sa contribution exceptionnelle au rayonnement de la musique québécoise et canadienne.Lien d'écoute : https://open.spotify.com/artist/5BqV11Kj7O9g5kFhP6mO8I

Dans l'écosystème foisonnant et perpétuellement mutant de la musique contemporaine britannique, rares sont les instrumentistes qui parviennent à transcender le simple rôle d'accompagnateur rythmique pour s'imposer comme de véritables architectes du son. Pour gravebasse.com, le profil de Mike Pratt constitue un cas d'étude absolument intéressant. Bassiste électrique, contrebassiste, compositeur, producteur et directeur musical basé à Londres, Mike Pratt incarne avec une acuité rare cette figure du musicien complet et protéiforme. Loin de se cantonner à la fonction traditionnelle de soutien harmonique qui échoit trop souvent à la basse, il a su développer un langage musical où l'improvisation, le groove profond et la recherche de textures s'entremêlent dans un dialogue constant.

John Lindsay est une figure fondatrice dans l'histoire de la section rythmique jazz, illustrant parfaitement la transition historique des cuivres vers les cordes graves au début du vingtième siècle. Né à La Nouvelle-Orléans, il se forge d'abord une solide réputation en tant que tromboniste au sein de fanfares militaires et d'orchestres pionniers du jazz. Dans les années 1910 et au début des années 1920, il souffle dans les rangs de l'orchestre de John Robichaux puis s'illustre avec le prestigieux Olympia Orchestra d'Armand J. Piron, avec lequel il enregistre ses premières faces à New York. C'est lors de son installation à Chicago au milieu des années 1920 que sa carrière prend un tournant décisif pour notre instrument : il délaisse progressivement le trombone pour se consacrer entièrement à la contrebasse. À cette époque charnière, le tuba domine encore les sections rythmiques, mais l'approche percussive et le drive implacable de Lindsay vont contribuer à imposer la contrebasse acoustique. Il devient l'un des premiers architectes du "walking bass" et de la technique du "slap", offrant une assise rebondissante et profonde qui redéfinit le groove de l'époque. Son assise rythmique hors pair lui ouvre les portes des formations les plus mythiques, à commencer par les légendaires Red Hot Peppers de Jelly Roll Morton, puis les orchestres de tournée de Louis Armstrong au début des années 1930. Figure incontournable de la scène de Chicago jusqu'à son décès, John Lindsay a laissé une empreinte discrète mais absolument fondamentale sur l'évolution du rôle de la basse dans les musiques afro-américaines. Lien d'écoute Deezer - Jelly Roll Morton (avec John Lindsay à la contrebasse)

Néodyme, double bobinage anti-Larsen, coques en métal sans vis apparentes : le set Relentless J coconçu avec Billy Sheehan promet un Jazz Bass plus fort, plus silencieux et plus défini qu'un single-coil classique. On décortique la fiche technique, puis on le confronte à trois autres poids lourds du marché du remplacement J-Bass.

La contrebasse de Linda May Han Oh et le ténor de Melissa Aldana, face à face, et c’est tout. Le programme surprend d'abord par son classicisme : Parker, Powell, Monk, Coltrane, Shorter, Mingus, Sam Rivers, Herbie Hancock. Ni l'une ni l'autre n'avait jamais consacré un album entier au répertoire — Oh, née en Malaisie et grandie en Australie-Occidentale, Aldana venue du Chili, toutes deux passées par la scène new-yorkaise sans avoir vraiment joué ensemble avant ce projet. « Il ne s'agissait pas de rendre hommage au sens traditionnel, explique la saxophoniste, mais plutôt d'entrer dans ces mondes et de voir ce qu'on pouvait y découvrir ensemble. » Le titre dit le reste : ceux qui ont soulevé le ciel au-dessus d'elles. Côté grave, c'est un régal de mécanique. Sur « Anthropology », Oh tient la ligne, l'harmonie et la moitié du thème en même temps, avec cette attaque nette et ce son boisé qui restent lisibles même quand ça file. « Hallucinations » de Bud Powell est sans doute le sommet du disque : unissons au cordeau, groove qui ne lâche jamais, un dialogue où l'on ne sait plus qui accompagne qui. Et quand elle passe en solo — « The Sorcerer » de Hancock, « God Bless the Child » — elle sort une contrebasse dotée d'une extension au do grave, un instrument qui appartenait autrefois à un contrebassiste d'orchestre de Perth, sa ville. Les notes du bas de la corde ne sont pas là pour l'effet : elles ouvrent l'espace sous le thème. Trois improvisations libres (« Infinite », « Resolve », « Shoulder to Shoulder ») aèrent la séquence, et une composition originale d'Oh, « Winter », referme l'album sur une note plus personnelle. Tout n'est pas au même niveau — « Dance Cadaverous » et « 26-2 » passent un peu vite — mais l'ensemble tient debout par la qualité d'écoute, ce qu'aucun arrangement ne remplace.

Né à Lexington dans le Mississippi, Malachi Favors est un musicien américain légendaire, figure de proue du free jazz et membre historique de l'Art Ensemble of Chicago. Issu d'un environnement profondément imprégné par la musique religieuse et le blues, il débute son apprentissage musical à Chicago où sa famille s'installe. Bien qu'il s'illustre avant tout comme un contrebassiste magistral au jeu avant-gardiste et spirituel, ses talents de musicien s'étendent bien au-delà de son instrument de prédilection puisqu'il excelle également à la basse électrique, au banjo, et aux percussions. Favors a su repousser les frontières de l'improvisation libre en développant des lignes de basse organiques et puissantes, souvent agrémentées d'accessoires percussifs hétéroclites posés à même les cordes de sa contrebasse, créant des textures sonores inimitables. Sa vision musicale reposait sur une exploration des racines africaines du jazz combinée à une liberté totale d'expression. Son rôle de pilier rythmique au sein de l'Art Ensemble of Chicago a contribué à forger l'identité sonore unique de la formation pendant plusieurs décennies. Il continuera d'enregistrer et d'explorer les tréfonds de son instrument jusqu'à son décès des suites d'un cancer du pancréas à Chicago.

Addison Gerald Farmer, frère jumeau du célèbre trompettiste Art Farmer, est une figure incontournable bien que souvent restée dans l'ombre de la prolifique ère hard bop. Initié à la musique à Los Angeles où il côtoie dès l'adolescence des figures historiques telles que Charlie Parker ou Dexter Gordon, il se tourne rapidement vers la contrebasse. Pour perfectionner sa maîtrise technique, il entame des études formelles à la prestigieuse Juilliard School ainsi qu'à la Manhattan School of Music sous la tutelle pointilleuse de Fred Zimmerman. Son approche de l'instrument se caractérise par un son boisé, particulièrement profond, et une assise rythmique d'une fiabilité à toute épreuve. Loin de chercher à être un soliste exubérant, Addison bâtissait des fondations harmoniques solides pour ses formations, naviguant avec une aisance remarquable entre le blues charnu et swingant d'un Jay McShann et les explorations plus modales ou bebop de pianistes comme Mal Waldron et Mose Allison. Membre fondateur de l'excellent Jazztet aux côtés de son frère et de Benny Golson, son « walking bass » fluide et percussif a marqué de très nombreuses sessions d'enregistrement du label Prestige dans les années 50. Malheureusement, sa trajectoire musicale prometteuse s'est brutalement arrêtée en février 1963 lorsqu'il est emporté par un anévrisme cérébral à seulement 34 ans, laissant derrière lui une discographie extrêmement riche en tant que sideman de luxe. Écouter Addison Farmer sur Spotify

Philip Parris Lynott est né d'un père originaire de la Guyana et d'une mère irlandaise, et a grandi dans la banlieue de Dublin où il a été élevé par sa grand-mère. Il commence son parcours musical comme bassiste et chanteur avec des groupes locaux comme les Black Eagles et Skid Row, aux côtés notamment du guitariste Gary Moore. C'est avec la formation de Thin Lizzy à la fin de l'année 1969 que son talent d'instrumentiste, de chanteur et de principal compositeur éclate véritablement. Parolier poétique abordant la vie réelle, la solitude ou encore l'histoire de l'Irlande, il s'impose comme un leader charismatique. Son approche de la basse a influencé de nombreuses générations, emmenant le hard rock de son groupe flirter avec brio aux frontières de la musique celtique, du blues et de la soul. Malheureusement, après la séparation de Thin Lizzy en 1983 et de nombreux problèmes d'addiction aux drogues, il s'éteint prématurément au tout début de l'année 1986 d'une pneumonie et d'une insuffisance cardiaque consécutives à une septicémie.

En 1951, Leo Fender pose sur l'établi de son atelier de Fullerton un objet qui n'existait nulle part ailleurs : une basse électrique à corps plein, avec des frettes, jouable à l'horizontale et transportable dans le coffre d'une voiture. Soixante-quinze ans plus tard, la Precision Bass est toujours là — et Fender a décidé de marquer le coup avec une collection anniversaire en édition limitée. Parmi les modèles proposés, celui qui va intéresser le plus grand nombre de bassistes est aussi le plus abordable : la 75th Anniversary Player II Precision Bass.