Le stoner et le doom, c'est d'abord une histoire de basse : accordages descendus, fuzz saturé jusqu'à la distorsion, groove qui porte tout le poids du riff pendant que la guitare joue à faire pareil. C'est ce terrain-là que défriche WEEDIAN depuis des années, un label-collectif né d'une passion pour la scène underground et devenu une véritable institution du genre — plusieurs dizaines de compilations à prix libre, une réputation de dénicheur de groupes qui dépasse largement le cercle des initiés, et un système bien rodé : chaque mois, une sélection resserrée de ce qui bouge sous le radar. The Best Releases of June 2026 est le sixième chapitre de cette nouvelle série mensuelle. Vingt-six groupes, vingt-six titres, aucune thématique imposée sinon la qualité — stoner, doom, sludge, psych lourd, avec toutes les nuances de boue sonore que ça implique. La sélection du mois : Loathing Hollow – Bog Water BLACK GLOW – W. M. M. W. Gout – poppers BONG WIZARD – Transylvanian Munchies Mollusk – Azathoth Black Tusk – Crushed by the Weight — les vétérans sludge de Savannah, toujours fidèles à leur violence organique Plaindrifter – In Anima The Heavy Eyes – Concrete Halloween Soft Curse – In the Night Grivo – Sunset Receipt Redwood – Future Shipyard – Dry Dock Ambarvalium – Centerfold Smoke Witch – My Acid Queen Goat Farm – Stolen Land Druidess – The Hermit Of Druid's Temple Asatta – Oxygen Destroyer Natskygge – Dry Light Gutward – What's with the Rush Mandy Manala – Something Wicked Witchspire – Hick Next Door Moth Doughter – Plainswalker Hydracat – Space Jesus Quinn's Lizard – The Mountain of a Thousand Battles Geohominid – Chupacabra Peregrin – Arestes

Le fabricant de pédales de Woburn, Massachusetts, connu des bassistes pour ses filtres d'enveloppe et son Aftershock Bass Distortion, vient d'être racheté par Ernie Ball. Retour sur l'histoire des deux marques et sur ce que cette union laisse entrevoir pour la basse.

Major Quincy Holley Jr., parfois surnommé « Mule », est un contrebassiste de jazz américain né à Détroit dans le Michigan. Élevé dans un environnement familial imprégné de musique, il débute son apprentissage par le violon à l'âge de sept ans, avant d'explorer le piano puis le tuba. Ce n'est qu'au cours de la Seconde Guerre mondiale, lors de son service militaire au sein de la marine américaine, qu'il commence à pratiquer sérieusement la contrebasse. Une fois la guerre terminée, il plonge dans l'effervescence de la scène jazz et entame sa carrière professionnelle en 1946 en Californie, aux côtés des saxophonistes Wardell Gray et Dexter Gordon. Plus tard installé à New York, il s'impose dans l'univers du bebop et du swing. Dans les années 1950, il s'expatrie temporairement à Londres pour travailler comme musicien de studio pour la BBC, avant de multiplier les tournées internationales avec l'orchestre de Woody Herman ou le quintet d'Al Cohn et Zoot Sims. Il rejoint la formation légendaire de Duke Ellington lors d'une tournée en 1964, affirmant son statut de rythmicien incontournable. De 1967 à 1970, il transmet son savoir en enseignant la contrebasse au sein du Berklee College of Music à Boston. L'empreinte de Major Holley dans l'histoire du jazz repose sur une technique très spécifique : il avait pour habitude de chanter en scat ou de fredonner à l'unisson exact de ses solos joués à l'archet. Contrairement à son ami et influence Slam Stewart qui fredonnait à l'octave supérieure, Holley utilisait son timbre de voix naturellement rocailleux pour doubler la ligne de contrebasse dans le même registre, générant un effet de superposition rugueux, profond et immédiatement reconnaissable.

Avant de devenir l'un des producteurs les plus influents de l'histoire du jazz contemporain en fondant le légendaire label ECM Records, Manfred Eicher s'est illustré en tant que contrebassiste accompli. Né à Lindau en Allemagne, il étudie d'abord la contrebasse classique et la composition à l'Académie de musique de Berlin. Dans les années 1960, il s'immerge dans la scène florissante du free jazz européen, délaissant temporairement les orchestres classiques pour accompagner des figures avant-gardistes de passage, telles que le saxophoniste Marion Brown, le trompettiste Wadada Leo Smith ou le pianiste Bob Degen. Son jeu de contrebasse, profondément ancré dans sa formation académique, se distinguait par une justesse absolue, une pureté texturale et une immense maîtrise du silence et de l'espace acoustique. C'est d'ailleurs cette écoute si particulière, propre aux contrebassistes habitués à asseoir l'harmonie globale et à gérer les dynamiques d'un groupe, qui façonnera plus tard le célèbre « son ECM », mondialement reconnu pour sa clarté, sa réverbération naturelle et son respect minutieux de l'instrumentation acoustique.

Joseph Benson Mauldin Jr., affectueusement appelé Joe B., s'est imposé comme l'un des véritables pionniers de la contrebasse et de la basse dans l'univers naissant du rock 'n' roll. Évoluant au sein des légendaires Crickets aux côtés de Buddy Holly, il a contribué à façonner le son d'une époque charnière, instaurant le format canonique du groupe de rock (deux guitares, une basse, une batterie). Mauldin commence la musique très jeune dans sa ville natale de Lubbock, au Texas. Après s'être essayé au piano et à la trompette, il jette son dévolu sur une contrebasse empruntée à son collège à l'âge de 14 ans. En 1957, il intègre officiellement les Crickets en remplacement de Larry Welborn. Son jeu percussif à la contrebasse — et plus tard à la Fender Precision Bass — propulse des hymnes intemporels comme That'll Be the Day, Oh, Boy! ou encore Not Fade Away. En studio, il participe activement au processus créatif, allant jusqu'à co-écrire des morceaux emblématiques comme Well... All Right. Après la mort tragique de Buddy Holly en 1959, Mauldin continue de faire vibrer les lignes de basse des Crickets pour accompagner notamment les Everly Brothers en tournée internationale. Installé par la suite à Los Angeles, il devient un ingénieur du son prisé aux mythiques Gold Star Studios (le laboratoire du fameux "Wall of Sound" de Phil Spector), tout en ne lâchant jamais son instrument. Il a logiquement été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2012, reconnaissance d'une empreinte indélébile sur le rôle du bassiste moderne.

Figure tutélaire de la contrebasse classique en France, Jean-Marc Rollez commence son apprentissage musical par le piano avant de se tourner vers la contrebasse à l'âge de 14 ans. Après avoir obtenu un Premier Prix au Conservatoire de Roubaix, il intègre le Conservatoire National Supérieur de Musique (CNSM) de Paris où il décroche un Premier Prix en seulement deux ans. Sa carrière de musicien d'orchestre le mène successivement à l'Orchestre de Monte-Carlo, à l'Orchestre de Radio-France, puis au poste très convoité de contrebasse solo au Théâtre National de l'Opéra-Comique et à l'Orchestre de l'Opéra de Paris. Outre ses talents d'interprète, Jean-Marc Rollez a profondément marqué l'histoire de l'instrument par ses recherches sur la technique de l'archet. Il a étudié la tenue allemande pour en faire une synthèse avec la tenue française, modifiant cette dernière afin d'utiliser au mieux le poids naturel du bras et de l'épaule. Cette évolution a permis d'accroître la puissance sonore de la contrebasse tout en conservant la souplesse inhérente à la prise française. En 1978, il est nommé professeur au CNSM de Paris, où il forme jusqu'en 1996 toute une génération de contrebassistes d'excellence.

Figure incontournable du jazz français, Louis Vola a marqué l'histoire de la musique en tant que contrebassiste fondateur du légendaire Quintette du Hot Club de France. Issu d'une famille d'origine italienne installée dans le Var, il a commencé par étudier le violon et la percussion avant de se tourner vers la contrebasse, instrument qui deviendra son compagnon de route privilégié. Après avoir fait ses armes dans les bals-musettes parisiens et dirigé des orchestres de tango, sa rencontre avec Django Reinhardt et Stéphane Grappelli a radicalement transformé sa carrière. Au sein du quintette, il apportait une assise rythmique indéfectible, essentielle à la réussite de cette formation sans batterie, soutenant les improvisations virtuoses de ses partenaires avec une précision et un sens du swing rares. Son influence dépasse largement le cercle des amateurs de jazz, car il a contribué à définir les fondations du jazz manouche, un genre aujourd'hui reconnu et pratiqué à travers le monde.

Comment le fils de « L'homme sans nom » est devenu, sans un coup de feu, l'un des bassistes-compositeurs les plus discrets et les plus élégants du jazz européen.

Formé pendant le confinement par Harry Hanson et Greg Lonsdale, le sextet de Leeds Adult DVD s'apprête à sortir son premier album complet, sobrement intitulé Adult DVD, chez Fat Possum Records. Depuis leurs débuts en 2021, le groupe a bâti sa réputation sur scène — Glastonbury, Green Man, End of the Road — avant de signer sur ce label indépendant américain début 2026.

Troisième album en leader pour le contrebassiste et compositeur melbournien Sam Anning, Earthen n'est pas un disque comme les autres : c'est un hommage. Pendant les trois dernières années de sa vie, Anning a été le bassiste d'Archie Roach, figure tutélaire de la musique aborigène australienne, chanteur-compositeur dont l'œuvre a porté la mémoire des Stolen Generations. Roach s'est éteint en 2022, et c'est de cette proximité, de cette dette artistique et humaine, qu'est né ce septet. L'anecdote qui donne son titre au disque en dit long sur la place de la basse dans ce projet. Au chevet de Roach à l'hôpital, alors qu'Anning et le guitariste Stephen Magnusson jouaient doucement pour lui, le chanteur aurait désigné leurs instruments en disant : « ceci est de la poterie, cela vient de la terre, la musique vient de la terre, et ces instruments la portent, avant qu'elle n'y retourne. » Une contrebasse comme argile façonnée, comme vase qui contient et transmet : difficile de trouver plus belle définition du rôle de l'instrument dans un ensemble. Neuf titres, une tonalité élégiaque assumée du premier au dernier morceau, et une basse qui, sans jamais chercher la lumière, se fait la mémoire du disque : c'est peut-être la plus juste façon de rendre hommage à un compagnon de route.

Nicholas Edward O'Malley, né à Sheffield, s'est imposé comme l'une des figures rythmiques majeures du rock alternatif britannique du XXIe siècle. Ayant commencé la basse à l'âge de 16 ans, il rejoint les Arctic Monkeys en 2006, remplaçant au pied levé le bassiste originel Andy Nicholson juste avant une importante tournée nord-américaine. La légende veut qu'il ait appris l'intégralité du premier album du groupe en seulement deux jours de pratique acharnée en isolement total. Son intégration définitive marque un tournant pour le son du groupe, O'Malley apportant une assise mélodique et un groove distinctif, particulièrement influencés par la scène stoner rock et le jeu puissant de Queens of the Stone Age. En termes d'équipement, O'Malley a construit son grain sonore en utilisant principalement des basses Fender Precision et des Rickenbacker 3000 (notamment lors de ses débuts post-punk), avant d'élargir son arsenal à des modèles comme l'Epiphone Jack Casady ou la Burns Sonic Bass pour obtenir la rondeur et la chaleur nécessaires aux albums plus récents comme Tranquility Base Hotel & Casino ou The Car. Côté amplification, il a souvent fait rugir des têtes Ampeg SVT-CL Classic et des amplis à lampes Ashdown CTM. Son attaque vigoureuse au médiator, couplée à l'utilisation stratégique de pédales d'effet telles que la ZVEX Woolly Mammoth (qui donne toute sa lourdeur au riff iconique de Do I Wanna Know?), a largement contribué à l'évolution sonore des Arctic Monkeys, passant d'un indie-rock frénétique à des textures beaucoup plus lourdes, moites et sophistiquées.

Harvey Brooks (né Harvey Goldstein à Manhattan) est une figure incontournable de la scène musicale new-yorkaise des années 1960. Bassiste prolifique, il s'est imposé comme l'un des musiciens de studio les plus prisés de sa génération. Il commence sa carrière en plein cœur du mouvement folk et blues, se démarquant rapidement par sa capacité à fusionner les genres avec fluidité. Sa notoriété explose lorsqu'il est invité à jouer sur l'album culte Highway 61 Revisited de Bob Dylan en 1965. Cette collaboration fondatrice marque le début d'une carrière exceptionnelle où il enchaîne les sessions prestigieuses. Il participe notamment à l'album The Soft Parade des Doors, apportant une ligne de basse mémorable et charnue sur des titres comme "Touch Me", et fonde le groupe The Electric Flag avec Michael Bloomfield et Buddy Miles. L'étendue de son talent et son approche très ouverte de l'instrument l'amènent également à explorer le jazz fusion, enregistrant sur l'album légendaire Bitches Brew de Miles Davis. S'étant installé en Israël à la fin des années 2000, il continue d'écrire et de jouer, publiant en 2021 son premier album solo, Elegant Geezer, Jerusalem Sessions, témoignant de sa passion intacte pour la création musicale.

Considéré comme l'un des prodiges de la basse rock britannique, Andy Fraser a posé les fondations du hard rock et du blues rock dès la fin des années 1960. Son jeu très mélodique, aéré et rythmiquement inventif a redéfini le rôle de la basse électrique dans un format power trio et quatuor, laissant un héritage technique et créatif immense à la sphère musicale.

Trois ans après leur retour, les pionniers de l'acid jazz britannique n'ont visiblement rien perdu de leur foi dans la groove. Acid Jazz Revenge, pressé en exclusivité pour le marché japonais via P-Vine, prolonge le disque Unreliable Memories Of Contested Conversations (WoozyWu, janvier 2026) en lui adjoignant quatre inédits. Une manière de rappeler que, chez Galliano, le disque n'a jamais été qu'une étape entre deux scènes. Enregistré aux Boogie Back Studios du nord de Londres, l'album tisse la même étoffe que le précédent : récits de la culture londonienne de la fin des années 80 dont le groupe est issu, mis en regard de l'époque numérique où l'on se débat aujourd'hui. Le titre Boogie For Brains résume l'esprit du disque — un funk crasseux à la James Brown, cuivres et flûte signés Finn Peters, sur fond d'interrogation grinçante : l'expérience numérique était-elle vraiment le futur qu'on nous avait promis ? Ailleurs, Children Of The Sun emprunte à Roy Ayers son soleil et à Gil Scott-Heron une première ligne empruntée à Winter in America. Difficile de parler de Galliano sans revenir au socle rythmique. Depuis les origines, la basse est tenue par Ernie McKone — « The Great Ernesto » — pilier de la scène rare groove britannique, patron du label Boogie Back et complice de longue date du batteur Crispin Taylor. C'est cette paire basse-batterie, rodée depuis la fin des années 80 (et parallèlement au sein de Push), qui donne au disque son assise élastique et dansante. Le studio même, Boogie Back, porte la marque du bassiste. Sur Acid Jazz Revenge, McKone assure basse et guitare : un ancrage jazz-funk que les habitués de son travail avec Incognito, Sister Sledge ou Seal reconnaîtront au premier walking.

Baigné très tôt dans la scène musicale florissante de Los Angeles, Joe Puerta a forgé son identité sonore en autodidacte, après avoir échangé une paire d'enceintes contre sa toute première vraie basse, une Fender Jazz Bass de 1963. Fortement influencé par le sens de la mélodie de Paul McCartney et le groove fondamental de James Jamerson, il a développé un jeu à la fois complexe et hautement chantant. En cofondant le groupe Ambrosia dans les années 70, il a su trouver le point d'équilibre parfait entre la sophistication technique du rock progressif et l'accessibilité de la pop, soutenant des arrangements denses avec des lignes de basse mouvantes et des harmonies vocales impeccables. Plus tard, lorsqu'il devient membre fondateur de Bruce Hornsby and the Range, il adapte son jeu pour offrir une assise plus fluide et profonde, frôlant parfois l'expressivité d'une basse fretless sur des classiques comme The Way It Is. Aujourd'hui également producteur et propriétaire d'un studio d'enregistrement, il conserve cette oreille absolue pour le placement des basses fréquences dans un mix, prouvant que le rôle du bassiste est avant tout d'être l'architecte invisible du morceau.

Avant d'être un catalogue de standards repris par la moitié du rock mondial, Willie Dixon était d'abord une contrebasse. Le pouls, l'ancre, la basse fondamentale du Chicago blues — celui qu'on entend sans jamais le voir en couverture.

William James Dixon est une figure fondatrice du Chicago blues, non seulement en tant que contrebassiste au groove inimitable, mais aussi comme compositeur, producteur et arrangeur. Originaire de Vicksburg dans le Mississippi, il s'installe à Chicago et se fait d'abord remarquer par son impressionnante carrure qui le mène vers une brève carrière de boxeur. Cependant, la musique prend rapidement le dessus. Sa maîtrise de la contrebasse devient l'épine dorsale des enregistrements du label Chess Records dans les années 1950. Son style de jeu percussif, ancré dans le blues acoustique mais parfaitement adapté à l'électrification naissante, donne une assise redoutable aux morceaux de Muddy Waters, Howlin' Wolf et Bo Diddley. Plutôt que de multiplier les notes, Dixon privilégie l'espace et le rebond, créant un balancement lourd et entraînant qui définit le son du blues urbain. Ses lignes de basse soutiennent des compositions historiques dont il est lui-même l'auteur, dictant littéralement la direction harmonique de la musique afro-américaine de l'époque. Son héritage se mesure à l'immense influence qu'il a exercée sur les bassistes de rock britanniques des années 1960, qui ont tous étudié ses disques pour en extraire l'essence du groove blues.

L'histoire des musiques improvisées afro-américaines, et plus particulièrement du jazz-fusion, est intrinsèquement liée à l'évolution de la basse électrique et de la contrebasse. Au cœur de cette révolution organologique et stylistique se dresse une figure tutélaire : Stanley Clarke. Au cours d'une carrière s'étendant sur plus de cinq décennies, il a systématiquement redéfini les paramètres techniques, harmoniques et orchestraux de l'instrument, propulsant la basse de sa fonction traditionnelle de soutien rythmique vers un rôle de soliste de premier plan. Véritable pionnier, il fut le premier bassiste de jazz-fusion de l'histoire à mener des tournées mondiales à guichets fermés, et à voir ses enregistrements en tant que leader certifiés disques d'or.