Emmanuel Soudieux est un contrebassiste belge naturalisé français qui a laissé une empreinte indélébile sur le jazz européen du milieu du XXe siècle. Surtout connu pour avoir été le contrebassiste de prédilection du légendaire guitariste Django Reinhardt, il a révolutionné l'approche rythmique de la contrebasse en Europe. Dans les années 1940, il est en effet devenu le premier musicien sur le continent européen à maîtriser et populariser la technique de la walking bass (le fait de jouer les quatre temps de la mesure en continu de manière fluide). Cette assise rythmique novatrice est rapidement devenue la colonne vertébrale du jazz manouche et du jazz français d'après-guerre. Fort d'une sonorité profonde, ronde et d'une pulsation métronomique sans faille, il a enregistré un très grand nombre de faces historiques pour les labels Swing et Pathé-Marconi, aux côtés de Reinhardt et de Stéphane Grappelli. Au-delà de ce célèbre quintette, il fut l'un des accompagnateurs les plus recherchés des clubs parisiens et des studios d'enregistrement, jouant avec de nombreuses stars américaines du jazz de passage en France. Transmetteur de la tradition pure du jazz acoustique, il est resté actif sur la scène parisienne pendant des décennies, incarnant l'élégance et la solidité du rôle de contrebassiste.

Gary Lee Weinrib, universellement connu sous le nom de Geddy Lee, est une icône incontestée de la guitare basse, du chant et des claviers au sein du légendaire power-trio canadien Rush. Il est mondialement reconnu pour sa technique de jeu en « fingerstyle » particulièrement percussive et véloce, utilisant souvent l'ongle de son index pour obtenir une attaque tranchante qui rappelle celle d'un médiator. Au fil des décennies, Geddy Lee a repoussé les limites du rôle de bassiste dans un groupe de rock : il chantait des parties vocales extrêmement exigeantes tout en tissant des lignes de basse polyrythmiques et en contrôlant des synthétiseurs avec des pédaliers Moog Taurus. Son style audacieux, mis en évidence sur des albums fondateurs comme 2112, Moving Pictures ou Hemispheres, a durablement influencé des générations entières de musiciens, notamment Les Claypool (Primus), Steve Harris (Iron Maiden) et Cliff Burton (Metallica). Le son rugissant de sa Fender Jazz Bass noire de 1972, couplée à des amplificateurs poussés à la limite de l'overdrive, demeure l'une des signatures sonores les plus reconnaissables de l'histoire du rock progressif.

Avec la Textures Granular Synth Engine, MXR quitte le terrain familier de la distorsion, du chorus ou du delay classique pour s'aventurer sur celui, beaucoup plus expérimental, de la synthèse granulaire. Le fabricant américain, filiale de Jim Dunlop, présente cette pédale comme "un bac à sable sonore" capable de transformer n'importe quel signal d'entrée en nappes évolutives, en textures glitchées ou en réverbérations qui se replient sur elles-mêmes à l'infini. Une promesse séduisante, mais qui pose immédiatement une question pour qui joue de la basse : cet outil a-t-il été pensé pour notre instrument, ou s'agit-il d'une pédale de guitariste que les bassistes récupèrent par curiosité ?

Sorti le 26 juillet 2026, Vertical Railsides a été enregistré au bord du lac Balaton, en Hongrie, dans la petite maison de weekend d'Ákos, jardin planté de grands arbres et voie ferrée juste à côté. Pocketstudio posé à l'ombre, le trio (ou duo, l'info reste floue) y a improvisé pendant trois jours une matière ambient mouvante et bricolée, volontairement imparfaite : on y entend le train passer, des enfants crier "vonat!" ("train!" en hongrois), des soucis électriques qui grésillent, du bruit de fond assumé comme texture à part entière. Sept titres — The Way Itself From Eternity, Pure Rain, Late Introduction, Singin' Train, Named Form, The Source, Song Of The Railway — qui enchaînent nappes et field recordings sans chercher la propreté du studio. Un disque pensé comme un carnet de bord sonore plus que comme une œuvre polie, à réserver aux amateurs de psychédélisme mineur et de lo-fi habité.

C'est la saison des requins, et on la fête avec un médiator taillé pour ceux qui n'ont pas peur d'aller chercher le son en profondeur.

Galliano ressort de son sommeil pour livrer deux titres pensés à l'origine pour l'édition japonaise de leur album Acid Jazz Revenge. Le morceau-titre, "Let The Music Find You", renoue avec le groove Brit Funk du tout début des années 80, cette esthétique de dancefloor britannique que redécouvre depuis peu une nouvelle génération. Rien d'étonnant à ce que le combo londonien, pionnier historique de l'acid jazz sur Talkin' Loud, s'en empare : c'est un peu son terrain de jeu naturel depuis toujours. En face B, "Prince Of Peace (Dingwalls Version)" revisite un titre plus ancien dans une mouture puisée à la source du club londonien qui a vu grandir le mouvement acid jazz. Un clin d'œil assumé aux racines du groupe plus qu'une nouveauté à proprement parler. Le single sort en digital et en vinyle 7 pouces chez P-Vine.

Thomas Michael Stevens, souvent surnommé Shaka Zulu, a grandi dans une famille profondément mélomane à New York, où son père lui a offert sa toute première guitare basse lorsqu'il avait 12 ans. Rapidement influencé par des maîtres incontestés du groove comme James Brown ou Bootsy Collins, il a développé une technique de jeu slap agressive, vocale et extrêmement colorée qui est devenue sa marque de fabrique. En 1978, son talent brut attire l'attention de George Clinton, ce qui lui permet d'intégrer le mythique collectif Parliament-Funkadelic et d'asseoir définitivement sa réputation dans l'univers du funk. Son incroyable versatilité l'a ensuite mené à enregistrer et tourner avec des artistes diamétralement opposés : il devient le bassiste de l'album Get Close des Pretenders en 1986, puis rejoint le supergroupe éphémère Vai (aux côtés de Steve Vai, Terry Bozzio et Devin Townsend) pour l'enregistrement de l'album Sex & Religion sorti en 1993. En parallèle de ses innombrables sessions studio pour des immenses stars internationales comme Madonna, Joe Cocker ou Prince, T.M. Stevens a mené une riche carrière solo avec son groupe Out of Control, publiant des albums mémorables tels que Boom et Sticky Wicked dans les années 90. Connu pour son excentricité vestimentaire et son énergie scénique explosive, ce grand artisan du groove possédait d'ailleurs ses propres modèles de basses signature chez le luthier Warwick.

Rex Robert Brown est une figure incontournable du heavy metal américain, principalement reconnu pour son rôle fondamental au sein du groupe révolutionnaire Pantera. Né à Graham, au Texas, il s'initie d'abord à la musique classique par le piano sous l'égide de sa grand-mère, explorant le ragtime de Scott Joplin, avant de se tourner vers la guitare basse vers l'âge de douze ans. Influencé par le groove de ZZ Top, l'énergie de Def Leppard et la lourdeur de Black Sabbath, il développe très tôt un jeu percussif et précis. En 1982, il intègre Pantera pour remplacer Tommy D. Bradford et se fait alors appeler "Rex Rocker" lors de ses premières années. Le bassiste apporte une dynamique rythmique singulière en posant des lignes de basse « walking » fluides sous les solos fulgurants du guitariste Dimebag Darrell, consolidant ainsi la redoutable section rythmique qu'il forme avec le batteur Vinnie Paul. Au-delà des années glorieuses de Pantera, Rex Brown a également prêté son talent de bassiste au supergroupe Down et à la formation Kill Devil Hill. S'éloignant de son image exclusive de bassiste rythmique, il a révélé au monde ses talents de chanteur et de guitariste principal sur son premier album solo très personnel, Smoke on This..., sorti en 2017. Ce tournant marque l'évolution d'un musicien complet, toujours actif et influent sur la scène metal internationale.

Avant d'être universellement acclamé comme chef d'orchestre, Serge Koussevitzky s'est affirmé comme l'un des premiers grands virtuoses modernes de la contrebasse. Né dans une famille de musiciens, il a métamorphosé la perception de cet instrument imposant, le propulsant sur le devant de la scène classique à une époque où il était strictement cantonné au fond de l'orchestre pour le registre de l'accompagnement harmonique. Fort de sa maîtrise phénoménale de l'archet, il a su tirer de sa contrebasse des textures d'une incroyable richesse et des envolées lyriques qui stupéfiaient le public européen de l'époque. Désireux d'étendre un répertoire alors trop limité, il a composé son redoutable Concerto pour contrebasse, une œuvre majestueuse qui demeure aujourd'hui encore un passage obligé et un véritable défi technique pour les contrebassistes classiques du monde entier.

Dans le petit monde très masculin des bassistes qui ont fait de leur instrument un orchestre à eux seuls, Mike Hall occupe une place à part. Originaire de Madison, dans le New Jersey, ce musicien né le 23 octobre 1989 a mis une quinzaine d'années à passer du rôle de soutien rythmique au sein d'un groupe pop-rock à celui de soliste capable de réinterpréter seul, sur quatre ou cinq cordes, des morceaux aussi différents que Stairway to Heaven de Led Zeppelin, Clair de Lune de Debussy ou les thèmes de Final Fantasy VII. Entre harmoniques suspendues, tapping à deux mains et emprunts au flamenco, il a construit un langage instrumental reconnaissable entre tous, qui lui vaut aujourd'hui d'être cité aux côtés de Victor Wooten ou Michael Manring dans la presse spécialisée américaine.

Contrebassiste de formation, révélée au grand public via une reprise virale d'"All About That Bass" avec Postmodern Jukebox avant de bifurquer vers une carrière solo plus intime (Trophy en 2019, Strange Boy — reprise intégrale de Daniel Johnston — en 2021, puis Fish Bowl chez ANTI- en 2023), la Portlandaise Kate Davis annonce un nouvel EP de trois titres : "mama", "Preference for reality frequency" et "Baby 244".

Il existe des basses qui traversent les décennies sans jamais devenir des objets de musée. La Guild Starfire fait partie de celles-là. Née en 1965 dans les ateliers de Hoboken, elle a porté le bas du spectre d'une bonne partie de la musique américaine des années soixante avant de disparaître des catalogues, puis de revenir par la porte de la Newark St. Collection, la série dans laquelle Guild réédite ses modèles historiques à des tarifs raisonnables. La Starfire I Bass actuelle est l'héritière directe de cette lignée : une basse à corps creux, à diapason court, avec un seul micro et deux boutons, qui ne cherche pas à tout faire mais qui fait remarquablement bien ce pour quoi elle a été dessinée.

Originaire de Liverpool, Mark Clarke a fait ses armes musicales au cours des années 1960 au sein de plusieurs formations locales britanniques telles que The Kegmen et St. James Infirmary. Sa réputation de bassiste solide et de chanteur talentueux grandissant, il s'installe à Londres où sa carrière prend un tournant décisif. En 1970, il est recruté par le groupe pionnier du jazz-rock progressif Colosseum. Le jeu de Clarke s'y révèle à la fois puissant et particulièrement mélodique, soutenant des structures rythmiques complexes. À la dissolution de Colosseum fin 1971, il intègre brièvement la formation de hard rock Uriah Heep, avec laquelle il laisse une empreinte notable en coécrivant et en posant ses lignes de basse sur le morceau The Wizard de l'album Demons and Wizards. Sa trajectoire le mène ensuite à collaborer avec de nombreux musiciens et groupes d'envergure, témoignant de sa grande versatilité. Il rejoint Tempest aux côtés du guitariste Allan Holdsworth, évolue avec Manfred Mann, puis s'établit aux États-Unis. Devenu un musicien de session et de tournée hautement sollicité, il accompagne des artistes majeurs du rock et de la pop, dont Billy Squier, Mountain aux côtés de Leslie West, et The Monkees.

Edward J. "Eddie" Dawson est une figure historique majeure et un pionnier de la contrebasse dans le jazz traditionnel de La Nouvelle-Orléans. Autodidacte, il a commencé sa carrière musicale de façon formelle vers 1917 en rejoignant la formation de Sam Morgan. Dans l'effervescence de Storyville, quartier des spectacles et véritable berceau du jazz, Dawson s'est forgé une solide réputation de rythmicien, accompagnant des légendes telles que Manuel Manetta et Joe Oliver. Au cours des décennies 1920 et 1930, sa contrebasse — montée avec des cordes en boyau naturel, alternant le jeu aux doigts (pizzicato) et la technique à l'archet caractéristique de cette époque de transition — a résonné au sein des orchestres de Buddie Petit, Oscar Celestin, Kid Rena et Kid Howard. Fait singulier illustrant les conditions de vie des musiciens de cette ère, il a mené une double carrière, conservant un emploi régulier à la Whitney National Bank pendant plus de cinquante ans tout en participant activement à l'évolution de la musique afro-américaine. Dans les années 1950 et 1960, il a continué à jouer pour préserver le répertoire originel, notamment avec Peter Bocage au Mama Lou's et avec diverses formations traditionnelles au célèbre Preservation Hall.

Jonathan Gallant est né le 23 juillet 1976 et a grandi à Streetsville, dans la province de l'Ontario au Canada. D'ascendance métisse, il se passionne très tôt pour la musique et commence à jouer de la guitare basse dès l'âge de 12 ans. Durant sa scolarité à l'école secondaire catholique Our Lady of Mount Carmel, il forme le groupe To Each His Own avec son camarade Benjamin Kowalewicz. Le duo recrute ensuite Aaron Solowoniuk, puis fusionne avec les membres du groupe Dragon Flower pour intégrer le guitariste Ian D'Sa, jetant ainsi les bases de la formation Pezz. Soucieux de perfectionner sa technique et sa compréhension de la théorie musicale, Jon Gallant poursuit des études supérieures au Humber College, où il étudie intensément la basse jazz. Cette formation académique lui permet de forger un style de jeu hybride et solide, alliant la rudesse et l'énergie du punk rock à la précision des lignes de basse jazz. Avec Pezz, il enregistre deux démos avant de sortir un premier album studio complet, Watoosh!, en 1999. Parallèlement, il continue de diversifier ses expériences scéniques en jouant de la basse à temps partiel avec la formation The Kitchen Party. Après avoir dû changer de nom, Pezz devient Billy Talent, un groupe qui va profondément marquer la scène punk rock internationale. En tant que bassiste de Billy Talent, Jon Gallant se distingue par un son percutant. Côté matériel, il est un adepte des basses Ernie Ball Music Man, qu'il couple à la puissance reconnue des amplificateurs Ampeg pour sculpter son grain de son distinctif. Musicien accompli et pédagogue, il a également partagé son savoir-faire technique en animant des ateliers hebdomadaires de slap-bass au magasin Strings Attached Music Store.

Pilier rythmique incontournable de la scène hard rock et funk metal de la fin des années 80, Pat Badger s'est imposé comme le socle groovy du groupe Extreme.

Howard Norman Epstein est une figure incontournable du rock américain, ayant assuré le rôle de bassiste et de choriste principal pour Tom Petty and the Heartbreakers pendant deux décennies. Originaire de Milwaukee, il commence sa carrière en jouant de la guitare rythmique et de la mandoline dans des groupes locaux de country et de rock. Son destin bascule lorsqu'il déménage sur la côte Ouest pour rejoindre le groupe de John Hiatt à la basse. En 1982, Tom Petty, impressionné par son jeu solide et surtout par ses harmonies vocales exceptionnelles, l'intègre aux Heartbreakers pour remplacer Ron Blair. Epstein devient rapidement le ciment rythmique et vocal du groupe, sa voix se mariant parfaitement avec le timbre nasal de Petty sur des albums mythiques comme Full Moon Fever et Into the Great Wide Open.

Jennifer Precious Finch, bassiste, chanteuse, autrice-compositrice, photographe et figure emblématique de la scène punk de Los Angeles, est décédée le 18 juillet 2026, à l'âge de 59 ans, des suites d'un cancer du cerveau agressif. Membre fondatrice de l'un des line-up les plus marquants du groupe L7, elle aura traversé quatre décennies de musique, d'art et d'activisme, laissant une empreinte indélébile sur le rock alternatif et le grunge des années 1990.