Néodyme, double bobinage anti-Larsen, coques en métal sans vis apparentes : le set Relentless J coconçu avec Billy Sheehan promet un Jazz Bass plus fort, plus silencieux et plus défini qu'un single-coil classique. On décortique la fiche technique, puis on le confronte à trois autres poids lourds du marché du remplacement J-Bass.

La contrebasse de Linda May Han Oh et le ténor de Melissa Aldana, face à face, et c’est tout. Le programme surprend d'abord par son classicisme : Parker, Powell, Monk, Coltrane, Shorter, Mingus, Sam Rivers, Herbie Hancock. Ni l'une ni l'autre n'avait jamais consacré un album entier au répertoire — Oh, née en Malaisie et grandie en Australie-Occidentale, Aldana venue du Chili, toutes deux passées par la scène new-yorkaise sans avoir vraiment joué ensemble avant ce projet. « Il ne s'agissait pas de rendre hommage au sens traditionnel, explique la saxophoniste, mais plutôt d'entrer dans ces mondes et de voir ce qu'on pouvait y découvrir ensemble. » Le titre dit le reste : ceux qui ont soulevé le ciel au-dessus d'elles. Côté grave, c'est un régal de mécanique. Sur « Anthropology », Oh tient la ligne, l'harmonie et la moitié du thème en même temps, avec cette attaque nette et ce son boisé qui restent lisibles même quand ça file. « Hallucinations » de Bud Powell est sans doute le sommet du disque : unissons au cordeau, groove qui ne lâche jamais, un dialogue où l'on ne sait plus qui accompagne qui. Et quand elle passe en solo — « The Sorcerer » de Hancock, « God Bless the Child » — elle sort une contrebasse dotée d'une extension au do grave, un instrument qui appartenait autrefois à un contrebassiste d'orchestre de Perth, sa ville. Les notes du bas de la corde ne sont pas là pour l'effet : elles ouvrent l'espace sous le thème. Trois improvisations libres (« Infinite », « Resolve », « Shoulder to Shoulder ») aèrent la séquence, et une composition originale d'Oh, « Winter », referme l'album sur une note plus personnelle. Tout n'est pas au même niveau — « Dance Cadaverous » et « 26-2 » passent un peu vite — mais l'ensemble tient debout par la qualité d'écoute, ce qu'aucun arrangement ne remplace.

Né à Lexington dans le Mississippi, Malachi Favors est un musicien américain légendaire, figure de proue du free jazz et membre historique de l'Art Ensemble of Chicago. Issu d'un environnement profondément imprégné par la musique religieuse et le blues, il débute son apprentissage musical à Chicago où sa famille s'installe. Bien qu'il s'illustre avant tout comme un contrebassiste magistral au jeu avant-gardiste et spirituel, ses talents de musicien s'étendent bien au-delà de son instrument de prédilection puisqu'il excelle également à la basse électrique, au banjo, et aux percussions. Favors a su repousser les frontières de l'improvisation libre en développant des lignes de basse organiques et puissantes, souvent agrémentées d'accessoires percussifs hétéroclites posés à même les cordes de sa contrebasse, créant des textures sonores inimitables. Sa vision musicale reposait sur une exploration des racines africaines du jazz combinée à une liberté totale d'expression. Son rôle de pilier rythmique au sein de l'Art Ensemble of Chicago a contribué à forger l'identité sonore unique de la formation pendant plusieurs décennies. Il continuera d'enregistrer et d'explorer les tréfonds de son instrument jusqu'à son décès des suites d'un cancer du pancréas à Chicago.

Addison Gerald Farmer, frère jumeau du célèbre trompettiste Art Farmer, est une figure incontournable bien que souvent restée dans l'ombre de la prolifique ère hard bop. Initié à la musique à Los Angeles où il côtoie dès l'adolescence des figures historiques telles que Charlie Parker ou Dexter Gordon, il se tourne rapidement vers la contrebasse. Pour perfectionner sa maîtrise technique, il entame des études formelles à la prestigieuse Juilliard School ainsi qu'à la Manhattan School of Music sous la tutelle pointilleuse de Fred Zimmerman. Son approche de l'instrument se caractérise par un son boisé, particulièrement profond, et une assise rythmique d'une fiabilité à toute épreuve. Loin de chercher à être un soliste exubérant, Addison bâtissait des fondations harmoniques solides pour ses formations, naviguant avec une aisance remarquable entre le blues charnu et swingant d'un Jay McShann et les explorations plus modales ou bebop de pianistes comme Mal Waldron et Mose Allison. Membre fondateur de l'excellent Jazztet aux côtés de son frère et de Benny Golson, son « walking bass » fluide et percussif a marqué de très nombreuses sessions d'enregistrement du label Prestige dans les années 50. Malheureusement, sa trajectoire musicale prometteuse s'est brutalement arrêtée en février 1963 lorsqu'il est emporté par un anévrisme cérébral à seulement 34 ans, laissant derrière lui une discographie extrêmement riche en tant que sideman de luxe. Écouter Addison Farmer sur Spotify

Philip Parris Lynott est né d'un père originaire de la Guyana et d'une mère irlandaise, et a grandi dans la banlieue de Dublin où il a été élevé par sa grand-mère. Il commence son parcours musical comme bassiste et chanteur avec des groupes locaux comme les Black Eagles et Skid Row, aux côtés notamment du guitariste Gary Moore. C'est avec la formation de Thin Lizzy à la fin de l'année 1969 que son talent d'instrumentiste, de chanteur et de principal compositeur éclate véritablement. Parolier poétique abordant la vie réelle, la solitude ou encore l'histoire de l'Irlande, il s'impose comme un leader charismatique. Son approche de la basse a influencé de nombreuses générations, emmenant le hard rock de son groupe flirter avec brio aux frontières de la musique celtique, du blues et de la soul. Malheureusement, après la séparation de Thin Lizzy en 1983 et de nombreux problèmes d'addiction aux drogues, il s'éteint prématurément au tout début de l'année 1986 d'une pneumonie et d'une insuffisance cardiaque consécutives à une septicémie.

En 1951, Leo Fender pose sur l'établi de son atelier de Fullerton un objet qui n'existait nulle part ailleurs : une basse électrique à corps plein, avec des frettes, jouable à l'horizontale et transportable dans le coffre d'une voiture. Soixante-quinze ans plus tard, la Precision Bass est toujours là — et Fender a décidé de marquer le coup avec une collection anniversaire en édition limitée. Parmi les modèles proposés, celui qui va intéresser le plus grand nombre de bassistes est aussi le plus abordable : la 75th Anniversary Player II Precision Bass.

John Richard Deacon est un musicien britannique de légende, mondialement connu pour avoir été le bassiste du groupe de rock Queen. Né à Leicester, il développe très tôt une passion pour l'électronique avant de se tourner vers la basse au cours de son adolescence. Il rejoint Queen en 1971, non seulement pour ses compétences de bassiste, mais aussi pour son talent en ingénierie sonore qui lui a permis de créer le mythique "Deacy Amp", un amplificateur fondamental dans l'élaboration du son de guitare de Brian May. Du côté de son matériel, John Deacon est indissociable de la Fender Precision Bass. Au cours de sa carrière, il a principalement utilisé des modèles Sunburst de 1965 et de 1968 sur lesquels il retirait parfois la peinture pour un aspect naturel. Lors de ses débuts ou en studio, il a également été aperçu avec une Rickenbacker 4001, une Music Man StingRay et une Kramer DMZ 4001. Pour sculpter son timbre, il montait systématiquement des cordes à filet plat (flatwounds), notamment les Rotosound RS77LD, permettant d'obtenir ce son rond et percutant qui le caractérisait. En tant que compositeur, il a signé certains des plus grands succès du groupe, dont les lignes de basse mémorables de Another One Bites the Dust, Under Pressure, et I Want to Break Free. Son jeu solide, naviguant avec agilité entre le jeu aux doigts et l'utilisation du médiator, a posé les fondations du son de Queen jusqu'à sa retraite de l'industrie musicale en 1997. Lien officiel : queenonline.com

Marvin Isley s'est imposé comme l'une des figures majeures de la basse R&B et funk des années 70 et 80. Né à Cincinnati dans l'Ohio, il est le cadet de la légendaire fratrie des Isley Brothers. Il intègre officiellement le groupe familial en 1973, en même temps que son frère Ernie (à la guitare) et son beau-frère Chris Jasper (aux claviers), marquant un tournant décisif dans le son de la formation. C'est sur l'album 3 + 3, porté par le tube interplanétaire That Lady, que son jeu de basse inventif, à la fois lourd, groovy et extrêmement mélodique, se révèle au grand public. Tout au long de cette décennie dorée, Marvin Isley est l'architecte rythmique derrière des classiques intemporels de la musique afro-américaine tels que Fight the Power, For the Love of You, ou encore l'incontournable Between the Sheets. La ligne de basse de ce dernier titre est d'ailleurs devenue légendaire, ayant été samplée d'innombrables fois dans la culture hip-hop, notamment par The Notorious B.I.G. En 1984, désireux d'explorer d'autres horizons créatifs, il quitte le noyau originel pour former le trio vocal et instrumental Isley-Jasper-Isley avec Ernie et Chris. Ce nouveau projet connaît un immense succès commercial, culminant avec le titre Caravan of Love en 1985. Il réintègre The Isley Brothers au début des années 1990 pour continuer à tourner et enregistrer de nouveaux albums. Malheureusement, de graves complications liées à un diabète l'obligent à se retirer définitivement de la scène musicale en 1997, et à subir l'amputation de ses deux jambes. Il s'éteint le 6 juin 2010, laissant derrière lui un héritage colossal ayant redéfini le rôle de la basse dans le funk en lui conférant une assise puissante et chantante.Écouter The Isley Brothers sur Spotify

L'histoire de la basse électrique est jalonnée de révolutions techniques, d'innovations organologiques et de redéfinitions stylistiques. Pourtant, peu d'individus peuvent se targuer d'avoir inventé un lexique musical entier, au point de modifier de manière irréversible la fonction même de leur instrument au sein de la musique moderne. Larry Graham n'est pas simplement un bassiste d'exception ; il est l'architecte fondamental d'une approche rythmique et percussive, mondialement connue sous le nom de technique du "slap", ou selon sa propre terminologie fondatrice, du "thump and pluck". En transformant la basse, traditionnellement confinée à un rôle de soutien harmonique discret, en une arme de premier plan capable de dicter le groove avec une autorité absolue, Graham a redessiné les contours du funk, de la soul, du rock et du jazz-fusion.

Une salle de casino à Reno, 1 800 places, moquette et lustres : ce n'est pas le décor qu'on associe d'ordinaire au quatuor de Norwalk, plus habitué aux amphithéâtres en plein air. Et c'est précisément ce qui rend cette bande-là intéressante. Coincé entre le Greek Theatre de Los Angeles et Frost Amphitheater à Stanford, ce Reno est le genre de date « intermédiaire » où Goose se sent libre de jouer pour lui-même. Le premier set le confirme dès l'entame : Royal > Butter Rum enchaînés, puis un Please Forgive Me (David Gray) qui traîne, avant un Torero où Rick Mitarotonda glisse une citation de Caravan. La séquence Earthling or Alien? > Spirit of the Dark Horse > Pancakes referme le set d'un seul tenant — trois morceaux, une seule respiration Le second set est le vrai morceau de bravoure. Echo of a Rose ouvre en version rapide, ce qui n'est pas anodin : la ballade devient moteur. Suit In Your Eyes (Peter Gabriel) enchaîné à Rosewood Heart, puis le triptyque Atlas Dogs > (((postplace))) > So Ready, où la matière ambient de (((postplace))) sert de sas entre deux montées. Rappel : Turn On Your Love Light, le vieux Bobby « Blue » Bland passé par le Grateful Dead — déclaration de filiation à peine voilée.

D'Addario est un nom que tout bassiste connaît par cœur pour ses jeux de cordes, ses médiators ou ses accordeurs, mais rarement pour ses housses de transport. C'est justement ce qui rend l'arrivée de la gamme Backline intéressante à observer. Lancée au printemps 2026 avec une housse pour guitare électrique, puis complétée en juin par une version dédiée à la basse électrique, cette nouvelle famille de produits marque une diversification assumée de la marque américaine, qui sort de son territoire historique des cordes et accessoires pour s'attaquer à un marché jusqu'ici dominé par des spécialistes comme Mono, Gator ou Fender. Le calendrier n'est d'ailleurs pas anodin : une housse acoustique doit compléter la gamme plus tard dans l'année, et la concurrence ne dort pas, puisque BOSS vient tout juste de dévoiler son propre premier gig bag pour basse électrique, la CB-EB15. Le segment des housses semi-rigides à équipement intégré est en train de devenir un vrai terrain de bataille technique, et D'Addario y arrive avec une proposition qui mérite qu'on s'y attarde.

Sébastien Husson, le bassiste derrière Bassistik-live, remet le couvert : le stage Bassistik Landes se tiendra du 13 au 17 octobre 2026 à Sainte-Eulalie-en-Born, au camping Las Chancas.

Dans le paysage musical contemporain, rares sont les artistes qui parviennent à fusionner le free-jazz, le rock indé et les musiques traditionnelles avec autant de justesse que Mali Obomsawin. Bassiste, contrebassiste, chanteuse et compositrice primée, elle s'impose aujourd'hui comme l'une des figures les plus novatrices de sa génération. Citoyenne de la Première Nation abénakise d'Odanak, elle utilise son instrument non seulement comme une assise rythmique, mais comme un vecteur de narration, de résistance et d'histoire.

George Duvivier est l'un des contrebassistes les plus prolifiques et respectés de l'histoire du jazz classique et moderne. Originaire de New York, il débute son apprentissage musical de manière académique au conservatoire, d'abord par le violon puis par le violoncelle, avant de se tourner définitivement vers la contrebasse à l'âge de seize ans. Ce solide bagage classique lui confère non seulement une technique d'archet irréprochable et une intonation parfaite, mais également une maîtrise rare de la composition et de l'arrangement. Engagé dans les grands orchestres de Lucky Millinder et de Cab Calloway au début des années 1940, il devient très vite l'un des sidemen les plus demandés des studios. Sa force réside dans son statut de musicien indépendant absolu : plutôt que de s'attacher à un seul projet, il met son assise rythmique et son sens harmonique au service d'une multitude d'artistes. Dans les années 1950, son jeu devient la pierre angulaire des sessions d'enregistrement du pianiste Bud Powell (notamment sur l'album The Amazing Bud Powell, Vol. 2 pour lequel Duvivier signe aussi des arrangements originaux) et des groupes d'Eric Dolphy. Il se distingue par un placement temporel d'une fiabilité absolue et une sonorité acoustique boisée, extrêmement profonde. Tout au long de sa carrière, il aura enregistré sur un nombre vertigineux d'albums aux côtés de légendes comme Stan Getz, Hank Jones, Frank Sinatra ou encore Tom Waits (lors de l'une de ses dernières apparitions télévisées en 1983), sans pour autant rechercher la lumière en tant que leader de session (à l'exception d'un rare LP paru sur le label australien Coronet). Il décède d'un cancer en 1985 à Manhattan, laissant derrière lui une immense empreinte dans la discographie du jazz. Lien web : Écouter George Duvivier sur Spotify

Matthew David Lukin naît le 16 août 1964 à Aberdeen, dans l'État de Washington, petite ville forestière qui verra également grandir Kurt Cobain. En 1983, il y fonde les Melvins avec le guitariste Buzz Osborne et le batteur Dale Crover, groupe dont le tempo volontairement ralenti à l'extrême et la lourdeur sonore poseront les fondations du sludge metal et influenceront directement toute la scène de Seattle ; il tient la basse sur l'album Gluey Porch Treatments (1987). Il quitte la formation la même année pour rejoindre Mark Arm et Steve Turner, transfuges de Green River, au sein d'un nouveau groupe baptisé Mudhoney. L'EP Superfuzz Bigmuff (1988) et le single « Touch Me I'm Sick », parus chez Sub Pop, deviennent instantanément les emblèmes du son grunge naissant : basse épaisse, saturée et jouée sans afféterie, tempo garage et humour corrosif. Lukin accompagne Mudhoney pendant plus d'une décennie et une demi-douzaine d'albums, de Mudhoney (1989) et Every Good Boy Deserves Fudge (1991) jusqu'à Piece of Cake, My Brother the Cow et Tomorrow Hit Today, traversant le passage du groupe chez une major sans jamais renier son approche minimaliste. Il quitte la formation en 1999, cédant sa place à Guy Maddison, et se retire de la vie musicale pour exercer le métier de charpentier dans la région de Seattle, tout en restant une figure très respectée de la scène qu'il a contribué à fonder deux fois.

Dans le paysage accidenté du rock alternatif britannique, peu de musiciens ont traversé autant de tempêtes et de métamorphoses que Stuart "Stu" Richardson. Alors que nous célébrons la carrière de ce musicien né un 15 août 1973 à Pontypridd au Pays de Galles, il est temps de poser un regard technique et humain sur un bassiste qui a su se réinventer. Connu du grand public pour avoir tenu les fréquences graves au sein de Lostprophets durant leur ascension planétaire, Richardson est aujourd'hui une figure respectée de la scène post-punk et un producteur recherché, officiant notamment au sein de No Devotion et sur les routes avec les légendes du post-hardcore, Thursday.

Tim Foreman naît le 15 août 1978 à Lake Arrowhead, en Californie, et grandit à San Diego, où le surf occupe une place aussi importante que la musique. En 1996, il fonde avec son frère aîné Jon Foreman, chanteur et guitariste, et le batteur Chad Butler un trio d'abord baptisé Chin Up, qui prend rapidement le nom de Switchfoot — un terme de surf désignant le fait de changer de pied d'appui sur la planche. Bassiste et choriste, Tim Foreman construit un jeu ample et mélodique, taillé pour les grands espaces sonores du rock alternatif de stade, et s'impose comme un contributeur essentiel aux arrangements du groupe. Après plusieurs albums confidentiels dans le circuit indépendant, Switchfoot connaît une percée massive avec The Beautiful Letdown (2003), porté par « Meant to Live » et « Dare You to Move », qui se vend à plusieurs millions d'exemplaires et fait passer le groupe des salles de club aux festivals internationaux. Suivent Nothing Is Sound, Oh! Gravity., Hello Hurricane — récompensé par un Grammy Award en 2011 — et une longue série de disques qui témoignent d'une remarquable longévité. Le groupe organise chaque année à Encinitas le Bro-Am, festival caritatif mêlant compétition de surf et concerts, dont Tim Foreman est l'un des principaux artisans.

Larry Graham Jr. naît le 14 août 1946 à Beaumont, au Texas, dans une famille de musiciens, et grandit en Californie. Au début des années 1960, il accompagne sa mère, la pianiste et chanteuse Dell Graham, dans les clubs de la baie de San Francisco. C'est de cette configuration en duo que naît l'une des révolutions majeures de l'histoire de la basse : privé de batteur, et devant compenser la disparition de la pédale de basse de l'orgue, Graham prend l'habitude de frapper les cordes graves avec le pouce pour imiter la grosse caisse et de tirer sur les cordes aiguës pour imiter la caisse claire. Il baptise sobrement ce procédé « thumpin' and pluckin' » ; le monde entier l'appellera le slap. Recruté en 1967 par Sly Stone, il devient le bassiste de Sly and the Family Stone, premier grand groupe américain à réunir sur scène Noirs et Blancs, hommes et femmes, et signe des lignes devenues des monuments du funk, à commencer par celle de « Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin) », matrice de tout le jeu funk qui suivra, ainsi que « Dance to the Music », « Everyday People » et « Family Affair ». Il quitte le groupe en 1972 et fonde Graham Central Station, avec lequel il impose « Hair », « The Jam » et « Release Yourself », avant de connaître un grand succès en solo avec la ballade « One in a Million You » (1980). Intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 1993 avec Sly and the Family Stone, il collabore étroitement avec Prince à partir de la fin des années 1990, tournant et enregistrant à ses côtés pendant plus d'une décennie. Le magazine Rolling Stone l'a classé septième bassiste de tous les temps en 2020.