En ce 17 juin, nous célébrons l'anniversaire d'une véritable légende vivante de la guitare basse, Charles Walter Rainey III, universellement connu sous le nom de Chuck Rainey. Né à Cleveland dans l'Ohio en 1940, son parcours musical a d'abord commencé par l'apprentissage de l'alto, du piano et de la trompette. C'est durant son service militaire qu'il se tourne vers la guitare rythmique avant de trouver sa véritable vocation avec la guitare basse. Face à ses lacunes initiales en improvisation guitaristique, il a su transformer ce qui semblait être une faiblesse en une force monumentale en se consacrant au groove des quatre cordes. Rapidement installé à New York au début des années soixante, il est devenu l'un des musiciens de studio les plus sollicités au monde. Son style, profondément ancré dans le rhythm and blues et la soul, s'est merveilleusement exporté vers le jazz-rock, la pop et le funk. Le monde de la basse lui doit des lignes fondatrices et intemporelles enregistrées sur plus d'un millier d'albums. De son travail fondamental avec Aretha Franklin (notamment sur l'incontournable "Rock Steady") à ses contributions hautement sophistiquées sur de multiples albums de Steely Dan, en passant par le big band de Quincy Jones et le groove instrumental de The Crusaders, Chuck Rainey a littéralement défini le son et le rôle de la basse moderne. Fidèle à sa légendaire Fender Precision Bass qui constitue l'épine dorsale de sa signature sonore, il a également collaboré au fil des années avec des luthiers prestigieux comme Ken Smith et la marque Xotic pour développer des instruments hybrides sur mesure répondant à son exigence absolue. Au-delà de ses talents d'interprète, son héritage s'inscrit pleinement dans la transmission. Il a rédigé des méthodes pédagogiques devenues des standards de l'apprentissage de l'instrument et a contribué à façonner les programmes d'institutions majeures comme le Musicians Institute. Récemment honoré d'un doctorat honorifique par le Berklee College of Music, Chuck Rainey demeure un pilier incontournable dont le sens de la syncope continue d'inspirer des générations entières. Joyeux anniversaire à ce géant du rythme.

Les amateurs de rock progressif et de basse inventive peuvent se réjouir : Stick Men signe enfin son retour avec Let’s THRAK Again (REEL ONE), un nouvel album studio attendu pour le 2 septembre 2026. Il s’agit du premier véritable album de compositions originales du trio depuis Prog Noir, paru en 2016.

LE FUNK PARISIEN PASSE À L'ALBUM Il y a des groupes qui naissent vinyles sous le bras. Jéroboam est de ceux-là. En seulement trois ans d'existence, le collectif parisien a enchaîné une série de maxis devenus très recherchés, bâtissant patiemment une réputation de diggers avant de franchir l'étape que tous leurs fans attendaient : le premier album que voilà enfin. Du groove à grande formation Onze musiciens. C'est le nombre que Jéroboam déploie sur scène — et en studio — pour faire tourner sa machine à groove. Basse (Carel Cléril), batterie (Jeeb's Paliès), deux guitares (Kevin le Bellec, Emilien Gillan), claviers (Eli Frot), saxophone, trompette (Roman Didier), percussions (Sebastien Betancur) et trois voix (Indy Eka, Agyei Osei, Wolfgang Valbrun) : une formation qui rappelle les grandes orchestrations funk des seventies, avec une écriture clairement ancrée dans le présent. Le groupe délivre un disco-funk contemporain et un rare groove d'une redoutable efficacité, profondément ancré dans l'héritage des grands groupes des années 70 et 80, tout en affichant une identité résolument moderne. Sous un autre nom, une longue gestation Avant de s'appeler Jéroboam, le collectif a roulé sa bosse sous le nom Echoes Of. Une résidence Funk & The City au New Morning et des soirées South London Soul Train Party au Bussey Building ont forgé leur sens du dancefloor. Le groupe s'est aussi illustré par un spectacle en hommage à Prince (depuis 2019) et de nombreuses collaborations de haut niveau, dont un compagnonnage durable avec Howard Johnson et Junior Giscombe. Mais c'est leur association avec Kyoto Jazz Massive — avec qui ils tournent et enregistrent sous le nom d'Echoes Of A New Dawn Orchestra depuis 2022 — qui leur a ouvert les portes des scènes européennes les plus exigeantes. Leurs chansons, purs hymnes boogie-funk, font danser des salles entières — du Jazz Café au Ronnie Scott's, du New Morning au Cully Jazz Festival et l'Amsterdam Dance Event — et sont jouées en club par une communauté de connaisseurs à travers le monde : Gilles Peterson, Kenny Dope, Natasha Diggs, Dave Lee, Red Greg, DJ Spinna. La basse de Carel Cléril est le fil conducteur de tout ça — un groove ancré, rond, fondamentalement dansant, dans la tradition des grandes lignes funk qui ne demandent qu'à résonner fort dans un club. À surveiller de très près.

John Henry Rostill est né le 16 juin 1942 à Birmingham, en Angleterre. Bassiste au style fluide et extrêmement mélodique, il a profondément marqué l'histoire du rock instrumental britannique des années 1960. Il est entré dans la légende de la guitare en devenant le troisième bassiste officiel du célèbre groupe The Shadows à la fin de l'année 1963, succédant ainsi à Jet Harris et Brian "Licorice" Locking. Son arrivée a insufflé une dynamique nouvelle aux compositions du groupe, et son jeu technique s'est particulièrement illustré sur des succès intemporels tels que "The Rise and Fall of Flingel Bunt" ou la ligne rythmique complexe du "Thunderbirds Theme". En studio comme sur scène, il a longtemps utilisé des basses Burns, fabriquées sur mesure pour les membres de la formation, avant de privilégier le son rond et percussif des modèles Fender Precision Bass. Outre ses talents d'instrumentiste de premier plan, John Rostill s'est révélé être un auteur-compositeur exceptionnel. Ses compositions ont largement dépassé le répertoire strictement instrumental de son groupe, offrant notamment à la chanteuse Olivia Newton-John plusieurs succès commerciaux mondiaux, dont "Let Me Be There" et "If You Love Me (Let Me Know)". Sa carrière s'est achevée de manière abrupte et tragique le 26 novembre 1973, lorsqu'il a été victime d'une électrocution accidentelle dans son propre studio d'enregistrement, laissant derrière lui un héritage musical indélébile qui a inspiré une multitude de bassistes rock à travers le monde.

Il y a des basses qui ne se contentent pas d'exister : elles racontent une histoire. La Hagstrom Viking® Bass en fait partie. Réincarnation moderne d'un modèle apparu au milieu des années 1960 sous le nom de Concord, cette semi-acoustique au diapason court continue d'incarner une certaine idée du son vintage scandinave — chaleureux, rond, légèrement excentrique — tout en intégrant des composants résolument actuels. Plongée dans l'histoire et les caractéristiques de cet instrument à part.

Artémios Ventoúris Roússos, mondialement connu sous le nom de Demis Roussos, voit le jour à Alexandrie en Égypte dans un environnement multiculturel imprégné de musiques grecques et arabes. S'il est universellement célébré pour sa voix de ténor singulière et sa carrière solo vertigineuse dans la variété internationale, il est fondamental de se rappeler qu'il s'impose d'abord comme un bassiste redoutable au sein de la sphère rock progressif. Forcé de quitter l'Égypte pour la Grèce au début des années soixante, il fait ses premières armes musicales professionnelles au sein de diverses formations locales comme The Idols, où il tient la basse avec une assurance remarquable. C'est en fondant Aphrodite's Child avec le claviériste Vangelis et le batteur Lucas Sideras qu'il donne la pleine mesure de son talent d'instrumentiste. Dans ce power trio avant-gardiste, la basse de Demis Roussos n'a rien d'un simple accompagnement passif ; elle est le pilier central qui structure les audaces psychédéliques et les envolées symphoniques du groupe. Sur le chef-d'œuvre conceptuel "666", ses lignes de basse lourdes, mélodiques et profondément ancrées dans le groove contrastent avec les arrangements éthérés des claviers, prouvant une maîtrise rythmique impeccable. Bien que les succès planétaires ultérieurs l'aient définitivement éloigné de son instrument de prédilection, cette période atteste de sa contribution significative à l'évolution de la basse rock à l'aube des années soixante-dix.

Il y a des musiciens dont le nom déclenche immédiatement une image sonore précise. Dès que l’on prononce « John Wetton », quelque chose monte du sol : un grondement de basse, épais comme du velours noir, fendu par une attaque aussi tranchante qu’une lame. C’est le son de King Crimson au sommet de sa violence créatrice, celui de Starless qui s’étire sur douze minutes avant de tout fracasser, celui de Larks’ Tongues in Aspic qui enfonce son riff dans le crâne et ne le lâche plus.

C'est nouveau chez gravebasse.com. Ne ratez plus une seule info ! Chaque semaine, embarquez avec nous pour un tour du monde des meilleurs sites dédiés à la basse. On épluche, on sélectionne, on vous résume l’essentiel : actus matos, artistes, tendances et pépites à ne pas manquer. Moins de scroll, plus de groove ! Voici le résumé de cette semaine 24 du 8 au 14 juin 2026.

William Henry Marcus Miller Jr., né à Brooklyn, est l'un des bassistes, compositeurs et producteurs les plus influents de l'histoire du jazz fusion et du funk. Multi-instrumentiste de grand talent, il a d'abord étudié la clarinette avant de se tourner vers la guitare basse, instrument qu'il a contribué à révolutionner grâce à son approche percussive et harmonique. Sa carrière prend une ampleur internationale lorsqu'il devient le bassiste, producteur et principal compositeur de Miles Davis dans les années 1980, façonnant notamment le son de l'album légendaire Tutu. Marcus Miller est particulièrement reconnu pour sa technique de slap millimétrée, à la fois puissante, mélodique et d'une précision rythmique redoutable, souvent imitée mais rarement égalée. En tant que musicien de studio de premier plan, il a posé ses lignes de basse sur plus de 500 albums pour des artistes d'envergure mondiale tels que Luther Vandross, David Sanborn, Eric Clapton ou encore Jean-Michel Jarre. Côté matériel, son identité sonore est indissociable de sa Fender Jazz Bass de 1977, lourdement modifiée avec une électronique active (comprenant un préampli Bartolini) qui lui confère cette brillance et cette attaque si caractéristiques. Désireux de transmettre sa passion et de rendre les instruments de qualité plus accessibles, il s'est récemment associé à la marque Sire pour développer une ligne de basses très populaires portant son nom, de la série d'entrée de gamme jusqu'aux modèles professionnels.

Robbie Merrill, né à Lawrence dans le Massachusetts, est un musicien américain principalement reconnu comme le bassiste fondateur du groupe de métal alternatif Godsmack. Il découvre la musique très jeune, inspiré par un père guitariste et un oncle bassiste, et commence à jouer de l'instrument à l'âge de quatorze ans en échangeant son train électrique contre une Fender Precision. Entièrement autodidacte, il se forme à l'oreille en évoluant dans divers groupes locaux de country et de reprises des années cinquante, une expérience qui lui forge une redoutable capacité d'adaptation. La particularité la plus fascinante de Robbie Merrill réside toutefois dans sa technique de jeu atypique. Bien qu'il soit naturellement droitier, il joue sur des basses de gaucher en raison d'une malformation de naissance l'empêchant de bouger le majeur de sa main gauche. Pour pallier cette contrainte physique et obtenir une précision maximale, il utilise des onglets en plastique Dunlop Clear "D" fixés sur l'index et l'annulaire de sa main droite, celle qui pince les cordes. Cette technique très singulière lui confère une attaque extrêmement percussive et métallique, qui est rapidement devenue la véritable signature sonore de la section rythmique lourde de Godsmack. Côté matériel, il sculpte son identité sonore rugueuse grâce à des amplificateurs Gallien-Krueger, exploitant notamment la tête hybride Fusion 550 couplée à des enceintes NEO412, tout en intégrant des effets numériques Line 6 Bass PODxt pour ses configurations live et studio. Son approche massive en fait une référence incontournable pour le nu-metal et le post-grunge.

John Kenneth Wetton est une figure incontournable de la basse rock et du rock progressif. Originaire du Derbyshire en Angleterre, il a imposé un son de basse monumental, souvent distordu et joué au médiator, qui est devenu sa signature sonore. Son approche de l'instrument a pris toute son ampleur lorsqu'il a rejoint King Crimson en 1972. Au sein de ce groupe, sa section rythmique avec le batteur Bill Bruford a redéfini les standards du genre, notamment sur les albums phares comme Larks' Tongues in Aspic et Red. Wetton ne se contentait pas d'accompagner ; il construisait des lignes de basse agressives, percussives et profondément mélodiques qui prenaient l'avant-plan, utilisant souvent une Fender Precision Bass poussée dans des amplificateurs à lampes pour obtenir ce grain si particulier et rugissant.

L'un des pionniers incontestés de la basse harmolodique et de l'avant-garde jazz.

Kimberley Ann Deal est une figure incontournable de la basse et du rock alternatif, née à Dayton dans l'Ohio. Elle a grandi dans un environnement musical riche, apprenant très tôt la guitare acoustique avec sa sœur jumelle Kelley, avant de se tourner vers la basse de manière presque fortuite. Son parcours prend un tournant décisif en janvier 1986 lorsqu'elle répond à une petite annonce dans le journal Boston Phoenix cherchant un bassiste influencé par Hüsker Dü, exigeant expressément de n'avoir « aucune technique » (no chops). Bien qu'elle soit principalement guitariste à l'époque, elle emprunte la basse Aria Pro II Cardinal de sa sœur pour l'audition et rejoint ainsi les Pixies sous le pseudonyme initial de Mrs. John Murphy. Son jeu de basse au médiator — utilisant spécifiquement des plectres Dunlop verts ornés d'une petite tortue — produit des lignes mélodiques simples, lourdes et redoutablement efficaces. Ces lignes de basse sont devenues la colonne vertébrale du son de la formation bostonienne sur des albums cultes comme Surfer Rosa et Doolittle. Sur le plan matériel, elle s'est d'abord illustrée sur une Fender Precision Reissue de 1962, qui apportait un son particulièrement granuleux, avant d'adopter une Music Man StingRay active, puis une Gibson Thunderbird. Parallèlement à son travail historique au sein des Pixies, elle a fondé The Breeders en 1989, s'illustrant cette fois en tant que chanteuse, guitariste et compositrice de premier plan, propulsant le groupe vers un succès mondial retentissant au début des années 90. Son approche minimaliste, organique et au service exclusif de la chanson a profondément influencé toute une génération de bassistes de la scène rock indépendante.

Il y a quelque chose d'un peu paradoxal dans l'histoire du Tone Master Pro. Fender, la marque qui a mis le tweed, les lampes et le grain du bois au cœur de l'identité électrique américaine depuis les années 50, a sorti l'un des processeurs numériques les plus sérieusement conçus de ces dernières années. Pas un gadget de salon. Pas une boîte de home studio pour débutants. Une workstation de scène taillée pour rivaliser avec Fractal, Neural DSP ou Line 6, les poids lourds du secteur.

Surnommé « El Rey del Bajo » (Le Roi de la Basse), Roberto « Bobby » Valentín est une figure monumentale de la musique latine et de la salsa. Né à Orocovis, Porto Rico, il a initialement été formé à la guitare et à la trompette, jouant notamment des cuivres dans les orchestres de Tito Rodríguez et Willie Rosario. C'est en 1969, à la suite de l'absence inopinée de son bassiste lors d'un concert à Porto Rico, que Valentín prend la basse en main. Cette transition accidentelle a défini le reste de sa carrière. En tant qu'arrangeur principal pour le célèbre collectif Fania All-Stars, Bobby Valentín a littéralement écrit le manuel du tumbao moderne pour la basse salsa. Son approche rythmique de l'instrument (fréquemment une Ampeg Baby Bass ou une Fender Precision) allie la tradition percussive afro-cubaine à des lignes mélodiques syncopées redoutables. En 1975, il fonde son propre label, Bronco Records, et enregistre plusieurs albums légendaires directement depuis le pénitencier d'État de Porto Rico. En tant que leader, compositeur et bassiste, il a imposé la basse comme un moteur harmonique central dans les musiques caribéennes, s'illustrant aux côtés de légendes telles que Celia Cruz, Cheo Feliciano et Ray Barretto.

Mike Chunn, né à Londres et élevé en Nouvelle-Zélande, est une figure fondatrice du rock néo-zélandais, principalement reconnu pour son rôle de bassiste au sein de Split Enz et de Citizen Band, groupes qu'il a partagés avec son frère Geoff Chunn. Son approche de la basse dans les années 70 s'inscrivait dans une mouvance art rock et new wave, nécessitant des lignes mélodiques inventives capables de soutenir les compositions excentriques et théâtrales de Split Enz. Malheureusement, sa carrière sur scène a été prématurément interrompue par une agoraphobie sévère, le forçant à se retirer des tournées mondiales. Loin de quitter le monde de la musique, Mike Chunn a réorienté son immense expertise vers l'industrie et la pédagogie. Il a passé onze ans à la tête des opérations néo-zélandaises de l'APRA (Australasian Performing Right Association) pour défendre les droits des auteurs-compositeurs, et a fondé le Play It Strange Trust, une organisation dédiée à l'encouragement de la composition musicale chez les jeunes. Fait Compagnon de l'Ordre du Mérite de Nouvelle-Zélande pour ses services rendus à la musique et à la sensibilisation à la santé mentale, il a également documenté l'histoire de son premier groupe dans l'ouvrage Stranger Than Fiction, laissant une empreinte indélébile tant sur le manche de son instrument que dans les coulisses de l'industrie musicale océanienne.

Il y a dans le titre de ce cinquième album une citation du Kantik Ar Baradoz, cantique breton du paradis : « berr gavan an amzer, hag ar poanioù dister / o soñjal deiz ha noz, e gloar ar baradoz » — le temps paraît court et les peines légères quand on pense jour et nuit à la gloire du paradis. On ne pouvait trouver épigraphe plus juste pour un disque qui, malgré ses couleurs sombres et ses racines dans la coldwave la plus austère, traverse par moments quelque chose qui ressemble à de la lumière. Une renaissance, pas une compilation Gilles Le Guen, le chanteur et âme de DENNER, l'annonce sans ambiguïté dans la présentation du disque : E Gloar Ar Baradoz n'est ni un best-of ni une rétrospective. C'est la refondation d'un groupe. Formé à New York en 2010 et depuis ancré à Rennes, DENNER sort ici son cinquième album dans une configuration inédite, avec deux musiciens qui apportent un poids de légende : Pierre Corneau à la basse (Marc Seberg, KaS Product Reload) et Tons aux synthétiseurs et aux arrangements (St. Lô). Le projet réunit donc sous une même bannière des trajectoires essentielles de la new wave et de la coldwave françaises. L'album traverse les deux premiers chapitres de la discographie de DENNER — les couleurs shoegaze-wave de Nouvelle Bretagne et le romantisme européen de Drifting Canticles — pour en tirer quelque chose de nouveau : une énergie, une légèreté amère, une joie crépusculaire. La formule semble paradoxale. Elle fonctionne. Pierre Corneau : une basse qui a de la mémoire Pour les lecteurs de GraveBasse, le nom de Pierre Corneau n'est pas inconnu — nous lui avions consacré une interview à l'occasion de son travail avec KaS Product Reload. Sa basse est une signature : jeu au médiator, attaque franche, lignes qui soutiennent sans envahir. Dans l'univers de Marc Seberg, elle avait contribué à forger ce son que les amateurs britanniques avaient qualifié de « French Joy Division ». Ici, il retrouve ce rôle d'architecte discret du bas du spectre, laissant au chant et aux synthés tout l'espace dramatique nécessaire. Le tracklisting L'album se déploie sur 12 titres en version CD (10 sur vinyl, avec Refuelled et 1982 en bonus) : Drifting Canticles She Radiates Darkness Ultima Thulé Inner Voices (feat. Philippe Pascal) Speak Low Refuelled (bonus CD) 1982 (bonus CD) I Will Remain in the Light Shades & Parasols Turbulence Heart and Soul In Limbo Le disque s'ouvre sur une tension lente et s'achève dans un suspens qui ne se résout pas vraiment — et c'est voulu. Entre les deux, Inner Voices constitue le moment le plus bouleversant : enregistrée avec Philippe Pascal (Marquis de Sade, Marc Seberg), disparu en septembre 2019, la pièce prend une dimension testamentaire que le groupe assume pleinement, hommage à une voix qui appartient au panthéon de la chanson sombre française. Le contraste avec l'élan de I Will Remain in the Light est saisissant — deux façons d'envisager la perte, l'une dans la douleur retenue, l'autre dans une résolution presque lumineuse. La reprise de Heart and Soul de Joy Division est l'autre point fort du disque : le groupe ne cherche pas à rivaliser avec l'original mais à l'habiter autrement, avec la distance et l'affect propres à DENNER. E Gloar Ar Baradoz est un disque qui prend son temps et le vôtre. Il ne séduit pas à la première écoute par des accroches immédiates mais par une atmosphère qui s'installe, des basses qui résonnent après que la musique s'est tue, et cette conviction sincère que la cold wave n'a pas encore dit son dernier mot. Avec Pierre Corneau comme complice de scène et d'enregistrement, DENNER offre au genre une production soignée et une profondeur de champ qu'on lui accorde rarement. À écouter si vous aimez : Marquis de Sade, Marc Seberg, The Chameleons, Echo & the Bunnymen, Joy Division. 📀 E Gloar Ar Baradoz — Meidosem Records (réf. SEA028LP / CD) — sorti le 29 mai 2026 🔗 denner.bandcamp.com

C'est nouveau chez gravebasse.com. Ne ratez plus une seule info ! Chaque semaine, embarquez avec nous pour un tour du monde des meilleurs sites dédiés à la basse. On épluche, on sélectionne, on vous résume l’essentiel : actus matos, artistes, tendances et pépites à ne pas manquer. Moins de scroll, plus de groove ! Voici le résumé de cette semaine 23 du 1er au 7 juin 2026.