Au même mois de janvier 2026, Bandcamp bannissait toute musique générée par IA et Spotify augmentait encore ses tarifs. Deux annonces, deux philosophies opposées du métier d’artiste. Enquête sur ce qui sépare réellement une plateforme de vente directe des géants du streaming — et sur ce que cela change pour la basse et les musiques de niche.

En ce vingt-cinq juin, la communauté des bassistes célèbre l'anniversaire de Michael Douglas Henry Kroeger, le socle rythmique indéboulonnable et membre fondateur de la formation canadienne Nickelback. Né en mille neuf cent soixante-douze à Hanna dans la province de l'Alberta, il a découvert sa vocation presque par accident lorsque son jeune frère Chad s'est mis à la guitare. Refusant de suivre exactement le même chemin, il a jeté son dévolu sur une basse Fender Precision de mille neuf cent soixante-dix-huit ayant appartenu à son grand-père, lui-même ancien musicien. C'est d'ailleurs à Mike que le monde du rock doit le nom de son célèbre groupe, inspiré par la monnaie qu'il rendait inlassablement à ses clients lorsqu'il travaillait dans un café à Vancouver au milieu des années quatre-vingt-dix. En tant que musicien, il se distingue par une approche redoutablement efficace et dévouée au service exclusif de la chanson, privilégiant un jeu au médiator musclé qui verrouille la section rythmique avec une précision métronomique. Les amateurs de matériel savent qu'il est un grand adepte des basses Spector au son caverneux, qu'il couple souvent avec des amplificateurs massifs pour obtenir cette lourdeur caractéristique du post-grunge. Au-delà de ses accomplissements planétaires et de ses millions d'albums vendus, sa trajectoire force l'admiration par sa résilience remarquable, lui qui a surmonté un grave accident vasculaire cérébral en deux mille treize avant de remonter sur scène avec une détermination intacte pour continuer de faire vibrer les foules du monde entier.

John Illsley est une figure incontournable de l'histoire du rock britannique, indissociable du son de basse qui a propulsé les compositions de Mark Knopfler au sommet des classements mondiaux. Né à Leicester, il entame son parcours musical au cœur des années soixante-dix en naviguant dans la scène pub rock londonienne avant de cofonder le groupe légendaire qui allait redéfinir le rock de la fin de cette décennie. Son approche de l'instrument se caractérise par un sens aigu du groove discret et de la sobriété mélodique, une assise rythmique rigoureuse qui laissait tout l'espace nécessaire aux phrasés de guitare si particuliers de son compère. Tout au long de l'épopée de sa formation principale, il reste le seul membre permanent aux côtés de Knopfler, traversant les décennies de tournées gigantesques et participant activement à la construction de chefs-d'œuvre discographiques vendus à des dizaines de millions d'exemplaires. Parallèlement à ce succès planétaire, il développe sa propre sensibilité artistique en publiant plusieurs albums en solitaire dès le milieu des années quatre-vingt, des projets plus intimistes teintés de blues et de folk où il affirme ses talents d'auteur-compositeur et de chanteur. Après la mise en sommeil définitive de son groupe phare au milieu des années quatre-vingt-dix, il choisit d'explorer d'autres formes d'expression, notamment la peinture sur toile, tout en continuant à se produire régulièrement sur scène et à enregistrer des disques salués par la critique, perpétuant ainsi une carrière d'une longévité et d'une intégrité remarquables.

Né à Édimbourg, Stuart Sutcliffe incarne la genèse des Beatles avant l'explosion de la Beatlemania. Initialement peintre et étudiant brillant au Liverpool College of Art, il est convaincu par son ami intime John Lennon de rejoindre les Quarrymen, qui deviendront plus tard les Beatles, après avoir vendu l'une de ses toiles pour s'acheter une imposante basse Höfner 500/5 President. Bien que ses compétences musicales soient souvent décrites comme rudimentaires à ses débuts, son esthétique visuelle ténébreuse, introduisant les célèbres coupes de cheveux "mop-top" et l'imagerie cuir rockabilly, façonne durablement l'image du groupe lors de leurs passages fondateurs dans les clubs de Hambourg. Il quitte finalement la formation en 1961 pour se consacrer corps et âme à la peinture et à sa relation avec la photographe allemande Astrid Kirchherr. Son jeu de basse, bien que noyé dans les enregistrements live rudimentaires de l'époque, reste un témoignage brut de l'énergie et de la rébellion du rock and roll naissant. Il s'éteint tragiquement d'une hémorragie cérébrale à l'âge de vingt et un ans, laissant derrière lui une influence culturelle indélébile sur l'évolution visuelle et conceptuelle du plus grand groupe de l'histoire du rock.

Lawrence Edward Junstrom, né le 22 juin 1949 à Pittsburgh et décédé le 5 octobre 2019 à Palatka en Floride, est un bassiste américain ayant profondément marqué l'histoire du rock sudiste. Ayant grandi à Jacksonville, il se passionne très tôt pour la musique, délaissant le saxophone pour la basse après avoir été ébloui par les prestations télévisées des Beatles. Bricoleur, il va jusqu'à modifier sa première guitare avec des morceaux de balsa pour la transformer en instrument grave. Dès le milieu des années soixante, il s'associe à Ronnie Van Zant pour cofonder ce qui deviendra Lynyrd Skynyrd. Bien qu'il quitte la formation avant l'enregistrement de leur tout premier album, son jeu de basse pose les fondations rythmiques de ce groupe légendaire. En 1977, il rejoint la formation .38 Special, fondée par Donnie Van Zant, le jeune frère de Ronnie. Au sein de ce groupe, il assure la basse pendant trente-sept ans de tournées intenses et d'enregistrements en studio, apportant une solidité incontestable à leurs nombreux succès. Il se retire de la scène en 2014 à la suite d'une blessure à la main nécessitant une intervention chirurgicale. Passionné par les communications radioamateurs sous l'indicatif K4EB, qui signifiait pour lui « Known 4 Excellent Bass », il s'éteint paisiblement en 2019, laissant derrière lui une empreinte indélébile dans le monde du rock.

Charles Frederick "Kip" Winger, né à Denver dans le Colorado, est largement reconnu par le grand public comme le charismatique frontman de Winger, mais il est avant tout un bassiste redoutable doublé d'un compositeur aux influences très larges. Il fait ses premières armes professionnelles et se fait remarquer au milieu des années 80 en tenant la basse pour Alice Cooper, assurant un groove massif et agressif sur les albums Constrictor (1986) et Raise Your Fist and Yell (1987). Techniquement, le jeu de Kip Winger est très influencé par le rock progressif et le heavy metal, intégrant des lignes mélodiques complexes sous des riffs de guitare très lourds. Côté matériel, il s'est constitué un arsenal impressionnant au fil des décennies. Durant la première ère de Winger, on le voyait régulièrement dompter une Spector NS-2 ainsi qu'une Hamer Impact à l'allure très angulaire. Pour la période de l'album Pull (1993), il a collaboré avec la marque Washburn pour développer la KW-1250, un modèle signature haut de gamme équipé de micros Status et d'une électronique active pointue avec un égaliseur intégré pour sculpter son attaque percussive. Plus récemment, il a été aperçu sur scène équipé de basses Warwick Corvette. Musicien insatiable, il a par ailleurs étendu ses talents à la composition de musique symphonique et classique.

Bien que son génie de compositeur et d'arrangeur ait souvent éclipsé son rôle d'instrumentiste, Brian Wilson demeure le premier bassiste emblématique des Beach Boys, façonnant l'esthétique des basses de la surf music et de la pop orchestrale des années 1960. Armé le plus souvent d'une Fender Precision Bass blanche ou sunburst, qu'il jouait au médiator pour obtenir une attaque percussive et claire, il a su créer des lignes mélodiques indépendantes qui contrapuntaient ses propres harmonies vocales complexes. L'évolution de son jeu culmine avec les sessions de l'album Pet Sounds, où sa compréhension de la guitare basse transcende l'accompagnement basique pour devenir un élément moteur de l'orchestration, inspirant des générations de musiciens à considérer l'instrument sous un angle symphonique. Bien qu'il ait par la suite délégué l'exécution studio à des musiciens de session de la Wrecking Crew comme Carol Kaye, c'est sa vision pionnière et ses lignes directrices qui ont redéfini la fonction de la basse dans la musique pop moderne.

Né le 19 juin 1931 à Brixton, Londres, Philip Francis Bates est un contrebassiste de jazz anglais incontournable de la scène londonienne dont l'assise rythmique a marqué son époque. Il a commencé sa carrière en jouant régulièrement au 51 Club de Londres avec Harry Klein et Vic Ash tout au long de l'année 1956. Sa maîtrise technique et sa sonorité profonde l'ont naturellement amené à rejoindre les prestigieux Jazz Couriers, aux côtés de figures légendaires telles que Tubby Hayes et Ronnie Scott. Après la dissolution de ce groupe, Phil Bates a élargi ses horizons en partant en tournée avec la grande Sarah Vaughan, soutenant sa voix inimitable de ses lignes de basse élégantes, et a également joué avec le Lennie Metcalfe Band à bord du célèbre paquebot transatlantique RMS Mauretania. Au début des années 1960, son jeu solide et son sens harmonique précis lui ont permis de collaborer avec Johnny Dankworth et Ronnie Ross, avant d'intégrer le quartet de Dick Morrissey d'octobre 1962 à 1968. Durant cette période faste, il tenait également la contrebasse pour le Harry South Big Band et le Tony Kinsey Quintet. À partir de 1968, il s'est tourné vers un prolifique travail de sideman en studio, prêtant son instrument à de nombreux artistes américains en visite comme Sonny Stitt et Jimmy Witherspoon. À la fin des années 1970, il a passé cinq ans à sillonner l'Europe en tournée avec l'illustre violoniste Stéphane Grappelli. Dans les années 1980 et 1990, il a continué à transmettre son immense expérience en dirigeant son propre trio et en donnant des cours de contrebasse à une nouvelle génération de musiciens.

Paul McCartney est sans conteste l'un des musiciens les plus influents de l'histoire du rock, universellement reconnu comme le bassiste visionnaire et co-chanteur des Beatles. Né à Liverpool, il a radicalement transformé le rôle de la basse électrique dans la musique populaire en y apportant une dimension mélodique totalement inédite. Plutôt que de se limiter à asseoir la rythmique fondamentale et à suivre la grosse caisse, McCartney a conçu ses lignes de basse comme de véritables contre-mélodies autonomes, propulsant les compositions du groupe vers de nouvelles hauteurs harmoniques. Des morceaux comme "Come Together", "Something" ou "Penny Lane" illustrent parfaitement sa capacité à marier un groove profond avec une musicalité exquise. Après la dissolution des Beatles à l'aube des années soixante-dix, il n'a rien perdu de son ingéniosité et a fondé le groupe Wings aux côtés de son épouse Linda, continuant à enchaîner les succès planétaires. Sur scène comme en studio, il a popularisé l'utilisation de la fameuse basse Höfner 500/1 en forme de violon, devenue indissociable de son image, avant d'adopter la Rickenbacker 4001S pour un son plus percutant et moderne. Au fil de ses nombreuses décennies de carrière solo, son talent tentaculaire d'auteur-compositeur, de multi-instrumentiste et d'arrangeur a continué de briller, faisant de lui une figure tutélaire incontournable pour des générations entières de bassistes à travers le monde qui étudient encore aujourd'hui son jeu.

En ce 17 juin, nous célébrons l'anniversaire d'une véritable légende vivante de la guitare basse, Charles Walter Rainey III, universellement connu sous le nom de Chuck Rainey. Né à Cleveland dans l'Ohio en 1940, son parcours musical a d'abord commencé par l'apprentissage de l'alto, du piano et de la trompette. C'est durant son service militaire qu'il se tourne vers la guitare rythmique avant de trouver sa véritable vocation avec la guitare basse. Face à ses lacunes initiales en improvisation guitaristique, il a su transformer ce qui semblait être une faiblesse en une force monumentale en se consacrant au groove des quatre cordes. Rapidement installé à New York au début des années soixante, il est devenu l'un des musiciens de studio les plus sollicités au monde. Son style, profondément ancré dans le rhythm and blues et la soul, s'est merveilleusement exporté vers le jazz-rock, la pop et le funk. Le monde de la basse lui doit des lignes fondatrices et intemporelles enregistrées sur plus d'un millier d'albums. De son travail fondamental avec Aretha Franklin (notamment sur l'incontournable "Rock Steady") à ses contributions hautement sophistiquées sur de multiples albums de Steely Dan, en passant par le big band de Quincy Jones et le groove instrumental de The Crusaders, Chuck Rainey a littéralement défini le son et le rôle de la basse moderne. Fidèle à sa légendaire Fender Precision Bass qui constitue l'épine dorsale de sa signature sonore, il a également collaboré au fil des années avec des luthiers prestigieux comme Ken Smith et la marque Xotic pour développer des instruments hybrides sur mesure répondant à son exigence absolue. Au-delà de ses talents d'interprète, son héritage s'inscrit pleinement dans la transmission. Il a rédigé des méthodes pédagogiques devenues des standards de l'apprentissage de l'instrument et a contribué à façonner les programmes d'institutions majeures comme le Musicians Institute. Récemment honoré d'un doctorat honorifique par le Berklee College of Music, Chuck Rainey demeure un pilier incontournable dont le sens de la syncope continue d'inspirer des générations entières. Joyeux anniversaire à ce géant du rythme.

Les amateurs de rock progressif et de basse inventive peuvent se réjouir : Stick Men signe enfin son retour avec Let’s THRAK Again (REEL ONE), un nouvel album studio attendu pour le 2 septembre 2026. Il s’agit du premier véritable album de compositions originales du trio depuis Prog Noir, paru en 2016.

John Henry Rostill est né le 16 juin 1942 à Birmingham, en Angleterre. Bassiste au style fluide et extrêmement mélodique, il a profondément marqué l'histoire du rock instrumental britannique des années 1960. Il est entré dans la légende de la guitare en devenant le troisième bassiste officiel du célèbre groupe The Shadows à la fin de l'année 1963, succédant ainsi à Jet Harris et Brian "Licorice" Locking. Son arrivée a insufflé une dynamique nouvelle aux compositions du groupe, et son jeu technique s'est particulièrement illustré sur des succès intemporels tels que "The Rise and Fall of Flingel Bunt" ou la ligne rythmique complexe du "Thunderbirds Theme". En studio comme sur scène, il a longtemps utilisé des basses Burns, fabriquées sur mesure pour les membres de la formation, avant de privilégier le son rond et percussif des modèles Fender Precision Bass. Outre ses talents d'instrumentiste de premier plan, John Rostill s'est révélé être un auteur-compositeur exceptionnel. Ses compositions ont largement dépassé le répertoire strictement instrumental de son groupe, offrant notamment à la chanteuse Olivia Newton-John plusieurs succès commerciaux mondiaux, dont "Let Me Be There" et "If You Love Me (Let Me Know)". Sa carrière s'est achevée de manière abrupte et tragique le 26 novembre 1973, lorsqu'il a été victime d'une électrocution accidentelle dans son propre studio d'enregistrement, laissant derrière lui un héritage musical indélébile qui a inspiré une multitude de bassistes rock à travers le monde.

Artémios Ventoúris Roússos, mondialement connu sous le nom de Demis Roussos, voit le jour à Alexandrie en Égypte dans un environnement multiculturel imprégné de musiques grecques et arabes. S'il est universellement célébré pour sa voix de ténor singulière et sa carrière solo vertigineuse dans la variété internationale, il est fondamental de se rappeler qu'il s'impose d'abord comme un bassiste redoutable au sein de la sphère rock progressif. Forcé de quitter l'Égypte pour la Grèce au début des années soixante, il fait ses premières armes musicales professionnelles au sein de diverses formations locales comme The Idols, où il tient la basse avec une assurance remarquable. C'est en fondant Aphrodite's Child avec le claviériste Vangelis et le batteur Lucas Sideras qu'il donne la pleine mesure de son talent d'instrumentiste. Dans ce power trio avant-gardiste, la basse de Demis Roussos n'a rien d'un simple accompagnement passif ; elle est le pilier central qui structure les audaces psychédéliques et les envolées symphoniques du groupe. Sur le chef-d'œuvre conceptuel "666", ses lignes de basse lourdes, mélodiques et profondément ancrées dans le groove contrastent avec les arrangements éthérés des claviers, prouvant une maîtrise rythmique impeccable. Bien que les succès planétaires ultérieurs l'aient définitivement éloigné de son instrument de prédilection, cette période atteste de sa contribution significative à l'évolution de la basse rock à l'aube des années soixante-dix.

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William Henry Marcus Miller Jr., né à Brooklyn, est l'un des bassistes, compositeurs et producteurs les plus influents de l'histoire du jazz fusion et du funk. Multi-instrumentiste de grand talent, il a d'abord étudié la clarinette avant de se tourner vers la guitare basse, instrument qu'il a contribué à révolutionner grâce à son approche percussive et harmonique. Sa carrière prend une ampleur internationale lorsqu'il devient le bassiste, producteur et principal compositeur de Miles Davis dans les années 1980, façonnant notamment le son de l'album légendaire Tutu. Marcus Miller est particulièrement reconnu pour sa technique de slap millimétrée, à la fois puissante, mélodique et d'une précision rythmique redoutable, souvent imitée mais rarement égalée. En tant que musicien de studio de premier plan, il a posé ses lignes de basse sur plus de 500 albums pour des artistes d'envergure mondiale tels que Luther Vandross, David Sanborn, Eric Clapton ou encore Jean-Michel Jarre. Côté matériel, son identité sonore est indissociable de sa Fender Jazz Bass de 1977, lourdement modifiée avec une électronique active (comprenant un préampli Bartolini) qui lui confère cette brillance et cette attaque si caractéristiques. Désireux de transmettre sa passion et de rendre les instruments de qualité plus accessibles, il s'est récemment associé à la marque Sire pour développer une ligne de basses très populaires portant son nom, de la série d'entrée de gamme jusqu'aux modèles professionnels.

Robbie Merrill, né à Lawrence dans le Massachusetts, est un musicien américain principalement reconnu comme le bassiste fondateur du groupe de métal alternatif Godsmack. Il découvre la musique très jeune, inspiré par un père guitariste et un oncle bassiste, et commence à jouer de l'instrument à l'âge de quatorze ans en échangeant son train électrique contre une Fender Precision. Entièrement autodidacte, il se forme à l'oreille en évoluant dans divers groupes locaux de country et de reprises des années cinquante, une expérience qui lui forge une redoutable capacité d'adaptation. La particularité la plus fascinante de Robbie Merrill réside toutefois dans sa technique de jeu atypique. Bien qu'il soit naturellement droitier, il joue sur des basses de gaucher en raison d'une malformation de naissance l'empêchant de bouger le majeur de sa main gauche. Pour pallier cette contrainte physique et obtenir une précision maximale, il utilise des onglets en plastique Dunlop Clear "D" fixés sur l'index et l'annulaire de sa main droite, celle qui pince les cordes. Cette technique très singulière lui confère une attaque extrêmement percussive et métallique, qui est rapidement devenue la véritable signature sonore de la section rythmique lourde de Godsmack. Côté matériel, il sculpte son identité sonore rugueuse grâce à des amplificateurs Gallien-Krueger, exploitant notamment la tête hybride Fusion 550 couplée à des enceintes NEO412, tout en intégrant des effets numériques Line 6 Bass PODxt pour ses configurations live et studio. Son approche massive en fait une référence incontournable pour le nu-metal et le post-grunge.

John Kenneth Wetton est une figure incontournable de la basse rock et du rock progressif. Originaire du Derbyshire en Angleterre, il a imposé un son de basse monumental, souvent distordu et joué au médiator, qui est devenu sa signature sonore. Son approche de l'instrument a pris toute son ampleur lorsqu'il a rejoint King Crimson en 1972. Au sein de ce groupe, sa section rythmique avec le batteur Bill Bruford a redéfini les standards du genre, notamment sur les albums phares comme Larks' Tongues in Aspic et Red. Wetton ne se contentait pas d'accompagner ; il construisait des lignes de basse agressives, percussives et profondément mélodiques qui prenaient l'avant-plan, utilisant souvent une Fender Precision Bass poussée dans des amplificateurs à lampes pour obtenir ce grain si particulier et rugissant.

L'un des pionniers incontestés de la basse harmolodique et de l'avant-garde jazz.

Kimberley Ann Deal est une figure incontournable de la basse et du rock alternatif, née à Dayton dans l'Ohio. Elle a grandi dans un environnement musical riche, apprenant très tôt la guitare acoustique avec sa sœur jumelle Kelley, avant de se tourner vers la basse de manière presque fortuite. Son parcours prend un tournant décisif en janvier 1986 lorsqu'elle répond à une petite annonce dans le journal Boston Phoenix cherchant un bassiste influencé par Hüsker Dü, exigeant expressément de n'avoir « aucune technique » (no chops). Bien qu'elle soit principalement guitariste à l'époque, elle emprunte la basse Aria Pro II Cardinal de sa sœur pour l'audition et rejoint ainsi les Pixies sous le pseudonyme initial de Mrs. John Murphy. Son jeu de basse au médiator — utilisant spécifiquement des plectres Dunlop verts ornés d'une petite tortue — produit des lignes mélodiques simples, lourdes et redoutablement efficaces. Ces lignes de basse sont devenues la colonne vertébrale du son de la formation bostonienne sur des albums cultes comme Surfer Rosa et Doolittle. Sur le plan matériel, elle s'est d'abord illustrée sur une Fender Precision Reissue de 1962, qui apportait un son particulièrement granuleux, avant d'adopter une Music Man StingRay active, puis une Gibson Thunderbird. Parallèlement à son travail historique au sein des Pixies, elle a fondé The Breeders en 1989, s'illustrant cette fois en tant que chanteuse, guitariste et compositrice de premier plan, propulsant le groupe vers un succès mondial retentissant au début des années 90. Son approche minimaliste, organique et au service exclusif de la chanson a profondément influencé toute une génération de bassistes de la scène rock indépendante.

Surnommé « El Rey del Bajo » (Le Roi de la Basse), Roberto « Bobby » Valentín est une figure monumentale de la musique latine et de la salsa. Né à Orocovis, Porto Rico, il a initialement été formé à la guitare et à la trompette, jouant notamment des cuivres dans les orchestres de Tito Rodríguez et Willie Rosario. C'est en 1969, à la suite de l'absence inopinée de son bassiste lors d'un concert à Porto Rico, que Valentín prend la basse en main. Cette transition accidentelle a défini le reste de sa carrière. En tant qu'arrangeur principal pour le célèbre collectif Fania All-Stars, Bobby Valentín a littéralement écrit le manuel du tumbao moderne pour la basse salsa. Son approche rythmique de l'instrument (fréquemment une Ampeg Baby Bass ou une Fender Precision) allie la tradition percussive afro-cubaine à des lignes mélodiques syncopées redoutables. En 1975, il fonde son propre label, Bronco Records, et enregistre plusieurs albums légendaires directement depuis le pénitencier d'État de Porto Rico. En tant que leader, compositeur et bassiste, il a imposé la basse comme un moteur harmonique central dans les musiques caribéennes, s'illustrant aux côtés de légendes telles que Celia Cruz, Cheo Feliciano et Ray Barretto.

Mike Chunn, né à Londres et élevé en Nouvelle-Zélande, est une figure fondatrice du rock néo-zélandais, principalement reconnu pour son rôle de bassiste au sein de Split Enz et de Citizen Band, groupes qu'il a partagés avec son frère Geoff Chunn. Son approche de la basse dans les années 70 s'inscrivait dans une mouvance art rock et new wave, nécessitant des lignes mélodiques inventives capables de soutenir les compositions excentriques et théâtrales de Split Enz. Malheureusement, sa carrière sur scène a été prématurément interrompue par une agoraphobie sévère, le forçant à se retirer des tournées mondiales. Loin de quitter le monde de la musique, Mike Chunn a réorienté son immense expertise vers l'industrie et la pédagogie. Il a passé onze ans à la tête des opérations néo-zélandaises de l'APRA (Australasian Performing Right Association) pour défendre les droits des auteurs-compositeurs, et a fondé le Play It Strange Trust, une organisation dédiée à l'encouragement de la composition musicale chez les jeunes. Fait Compagnon de l'Ordre du Mérite de Nouvelle-Zélande pour ses services rendus à la musique et à la sensibilisation à la santé mentale, il a également documenté l'histoire de son premier groupe dans l'ouvrage Stranger Than Fiction, laissant une empreinte indélébile tant sur le manche de son instrument que dans les coulisses de l'industrie musicale océanienne.

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Virtuose suédois de la basse, Jonas Hellborg est une figure incontournable de la scène jazz fusion et funk metal. Reconnu pour sa technique impressionnante, notamment en slap, il a redéfini l'approche de la basse électrique et acoustique moderne. C'est un musicien extrêmement prolifique qui a su naviguer entre des projets expérimentaux très pointus et des collaborations de renommée internationale, imposant sa signature rythmique complexe et son groove implacable dans le monde entier.

Anthony Frederick Levin, né à Boston dans le Massachusetts, est sans conteste l'un des instrumentistes les plus révolutionnaires et prolifiques de l'histoire de la basse moderne. Ayant commencé la contrebasse classique dès l'âge de dix ans, il développe une fondation théorique et technique irréprochable qui le mène d'abord vers la musique orchestrale, avant de bifurquer vers le jazz et le rock. En 1977, sa carrière prend un tournant décisif lorsqu'il rejoint le groupe de Peter Gabriel, marquant le début d'une collaboration indéfectible qui redéfinira la place de la basse dans la pop et le rock expérimental. C'est avec ce dernier, puis en intégrant le légendaire groupe de rock progressif King Crimson en 1981, que Tony Levin innove littéralement sur le rôle de son instrument. Il devient l'un des grands pionniers et ambassadeurs mondiaux du Chapman Stick, un instrument singulier se jouant en tapping à deux mains, offrant des textures harmoniques et rythmiques inédites. Insatiable chercheur de sonorités, il invente également les fameux "Funk Fingers", de courtes baguettes de batterie fixées au bout de ses doigts (souvent l'index et le majeur) pour frapper les cordes et obtenir une attaque percussive unique, devenue sa signature sonore sur des morceaux mythiques. Véritable stakhanoviste des studios, il a enregistré sur plus de cinq cents albums pour des pointures comme John Lennon, Pink Floyd, David Bowie ou Alice Cooper. Son approche sonore s'appuie historiquement sur l'utilisation magistrale de basses Music Man StingRay, dont il affectionne le grondement naturel, et de contrebasses électriques NS Design, le tout fréquemment couplé à la chaleur et la profondeur des amplificateurs Ampeg.

Michael Davis, bassiste de MC5. Source : Wikipedia

Stefan Kahil Lessard, né à Anaheim en Californie, est un bassiste américain mondialement connu pour être l'un des membres fondateurs du célèbre Dave Matthews Band. Ayant grandi dans un environnement baigné de musique, il s'installe en Virginie durant son adolescence où il étudie sous la tutelle bienveillante du trompettiste de jazz John D'earth. C'est ce dernier qui, repérant le talent précoce et l'oreille absolue du jeune musicien, le recommande à Dave Matthews alors que Lessard n'a que seize ans. Il intègre le groupe à ses tout débuts, jonglant un temps entre les petites scènes locales et ses études secondaires avant de se consacrer pleinement à la musique. Il abandonne même un prestigieux programme universitaire d'études jazzistiques au bout de quelques semaines seulement pour suivre l'ascension fulgurante de sa formation. Son jeu de basse, fortement teinté de phrasés jazz, de funk et de syncopes rythmiques complexes, devient rapidement l'un des piliers du son si particulier du groupe, s'illustrant de manière magistrale sur des titres emblématiques et exigeants comme "Crush". En dehors de ce groupe mythique qui a rempli des stades entiers, il s'est également distingué par ses engagements caritatifs et ses collaborations ponctuelles, notamment au sein du supergroupe Yukon Kornelius, affirmant ainsi son statut d'instrumentiste polyvalent et de figure incontournable de la scène rock américaine moderne.

Une icône du glam rock qui a propulsé la basse sur le devant de la scène.

Michael Steele, née Susan Nancy Thomas le 2 juin 1955 à Pasadena en Californie, est une bassiste, chanteuse et compositrice américaine dont l'empreinte sur le pop rock des années quatre-vingt reste indélébile. Dès son adolescence passée dans le sud de la Californie, elle développe une passion dévorante pour la musique et commence à apprendre la basse en autodidacte à l'âge de dix-sept ans, s'inspirant des lignes mélodiques de figures majeures telles que Paul McCartney. Sous le pseudonyme de Micki Steele, elle entame sa carrière professionnelle en tant que membre fondatrice et première bassiste-chanteuse du légendaire groupe féminin The Runaways au milieu des années soixante-dix. Après avoir quitté ce groupe de manière précoce avant l'enregistrement de leur premier album, elle participe à divers projets musicaux éphémères sur la foisonnante scène punk et new wave de Los Angeles, forgeant un jeu toujours plus assuré. C'est en 1983 qu'elle connaît la consécration internationale en rejoignant The Bangles, en remplacement d'Annette Zilinskas. Avec un jeu de basse à la fois robuste, fluide et très axé sur le contrepoint, elle contribue intensément au son distinctif du groupe sur des albums incontournables comme "All Over the Place", "Different Light" et "Everything". En plus de cimenter la section rythmique, elle participe activement à la composition et assure le chant principal sur plusieurs titres, dont la célèbre reprise "September Gurls" de Big Star. Après des années de succès commerciaux gigantesques et de tournées mondiales, le groupe se sépare en 1989. Michael Steele participe plus tard à la reformation des Bangles au début des années deux mille pour l'enregistrement de l'album "Doll Revolution" et remonte sur scène, avant de se retirer définitivement de l'industrie musicale et de la vie publique aux alentours de 2004, laissant derrière elle un héritage incontournable pour les femmes instrumentistes dans l'histoire du rock.

Simon Johnathon Gallup est né le 1er juin 1960 à Duxhurst, dans le Surrey en Angleterre. Figure incontournable de la scène post-punk et rock gothique, il est mondialement reconnu comme le bassiste historique de The Cure. Son parcours musical débute à la fin des années 1970 avec le groupe punk Lockjaw, qui évolue ensuite pour devenir The Magazine Spies. C'est à la fin de l'année 1979 qu'il intègre The Cure, remplaçant Michael Dempsey à la suite de divergences artistiques avec le leader Robert Smith. Dès son arrivée, Simon Gallup impose une empreinte sonore radicalement différente. Il participe activement à l'élaboration de la célèbre trilogie sombre et fondatrice du groupe, composée des albums "Seventeen Seconds", "Faith" et "Pornography". Profondément influencé par des bassistes au jeu percussif et mélodique tels que Paul Simonon de The Clash et Jean-Jacques Burnel des Stranglers, il développe un son de basse au médiator, lourd, saturé de chorus et de flanger, qui devient la véritable colonne vertébrale des compositions de The Cure.

La silhouette de la Stratocaster appartient-elle vraiment à Fender ? Un jugement allemand obtenu en mars 2026, suivi de mises en demeure envoyées à de petits fabricants, a mis le feu aux poudres dans la communauté guitare mondiale. Décryptage d'une affaire aux enjeux culturels, juridiques et économiques considérables... et pas que pour la guitare...

Né à Philadelphie, en Pennsylvanie, Christian McBride est l'un des contrebassistes et bassistes de jazz les plus prolifiques et récompensés de sa génération. Il grandit dans un environnement profondément musical, guidé par son père, Lee Smith, lui-même bassiste reconnu dans la région de Philadelphie. S'il commence d'abord son apprentissage par la basse électrique, le jeune prodige se tourne très vite vers la contrebasse acoustique, un instrument qui deviendra sa véritable signature. Son immense talent lui ouvre les portes de la prestigieuse Juilliard School de New York, bien qu'il n'y reste pas longtemps, rapidement happé par les exigences du milieu professionnel. Dès l'âge de dix-sept ans, il entame sa carrière aux côtés du saxophoniste Bobby Watson, marquant le début d'une ascension fulgurante dans le monde du jazz contemporain.

La collection Timed Edition Joe Dart x Sterling by Music Man tire sa révérence ce dimanche 31 mai. Deux modèles sont encore disponibles à la commande : le Joe Dart I en finition Natural (549 $) et le Joe Dart Vision en Olympic White (599 $), ce dernier imaginé avec Jack Stratton de Vulfpeck comme une basse réduite à son strict essentiel — au point d'en supprimer le potentiomètre de volume, une première dans l'histoire de l'instrument.

C'est nouveau chez gravebasse.com. Ne ratez plus une seule info ! Chaque semaine, embarquez avec nous pour un tour du monde des meilleurs sites dédiés à la basse. On épluche, on sélectionne, on vous résume l’essentiel : actus matos, artistes, tendances et pépites à ne pas manquer. Moins de scroll, plus de groove ! Voici le résumé de cette semaine 22 du 25 au 30 mai 2026.

Geoffrey Lyall, universellement connu sous son nom de scène Klaus Flouride, est une figure fondatrice et emblématique du mouvement punk hardcore américain, né à Détroit dans le Michigan. Plongé dès la prime enfance dans un environnement musical d'une immense richesse grâce à des parents mélomanes et un père clarinettiste de jazz, il développe très tôt une fascination obsessionnelle pour les disques et la composition. Il s'essaye d'abord à la guitare classique et au surf rock dans sa jeunesse avant de se tourner vers les fréquences graves de la basse électrique lors de son déménagement à Boston à la fin des années 1960. Son destin prend un tournant historique lorsqu'il s'installe à San Francisco en 1977. En répondant à une simple petite annonce placée dans un magazine musical par le guitariste East Bay Ray, il cofonde les légendaires Dead Kennedys. Contrairement à l'approche souvent rudimentaire des bassistes punk de l'époque, le jeu de Klaus Flouride est sophistiqué, rapide, truffé de lignes mélodiques indépendantes et profondément influencé par le jazz et la surf music. Armé de sa célèbre Fender Jazz Bass de 1966 bleu métallisé branchée sur des amplificateurs redoutables, il est le cœur palpitant d'hymnes ravageurs, participant activement à la composition et aux chœurs. Après la séparation houleuse du groupe en 1986, il ne quitte jamais le milieu de la musique indépendante : il sort plusieurs albums solos expérimentaux, devient producteur en studio pour de multiples artistes alternatifs, et finit par remonter sur scène lors des diverses reformations des Dead Kennedys au début des années 2000, confirmant son statut d'icône indéboulonnable de la contre-culture.

Leland Bruce Sklar, né le 28 mai 1947 à Milwaukee dans le Wisconsin, est une véritable légende vivante de la guitare basse, affichant une discographie vertigineuse de plus de deux mille albums studio. S'il est aujourd'hui une icône incontestée de l'instrument, son parcours a curieusement débuté par le piano classique. À l'âge de cinq ans, fasciné par la virtuosité et le style de Liberace à la télévision, il se lance dans des cours de piano et dévoile rapidement un talent exceptionnel, remportant même plusieurs prix prestigieux à Los Angeles. Toutefois, arrivé au lycée, la lassitude s'installe face à un enseignement qu'il juge trop rigide. C'est à ce moment précis que son professeur de musique l'oriente vers la contrebasse, marquant le véritable point de départ de sa vocation rythmique. Le coup de foudre pour les basses fréquences est immédiat. Durant ses études supérieures à l'Université d'État de Californie, il croise le chemin d'un certain James Taylor. Ce qui ne devait être qu'une brève collaboration étudiante va propulser sa carrière à l'international. Ensemble, ils posent les fondations rythmiques du "soft rock" californien, et Sklar fonde peu après The Section, un collectif de musiciens de studio d'élite qui deviendra le véritable moteur des années 1970 en accompagnant des pointures comme Jackson Browne, Carole King ou Linda Ronstadt. La signature sonore de Leland Sklar réside dans sa capacité à fournir une fondation incroyablement riche, profonde et stable, tout en évitant la moindre fioriture inutile. En matière d'équipement, Sklar est un grand innovateur. Il est intimement associé à sa célèbre basse "Frankenstein", un instrument hybride assemblé en 1973 comprenant un corps de Precision Bass en aulne, un manche profilé de Jazz Bass de 1962 et, fait rarissime, des frettes de mandoline. Ce choix technique très précis lui permet d'obtenir une action extrêmement basse et d'éliminer les bruits de frottement métalliques lors de ses emblématiques glissandos. Plus tard, il adopte également les basses Dingwall à frettes en éventail et se voit gratifié d'un modèle signature chez Warwick basé sur la Star Bass II. Au fil des décennies, Leland Sklar a mis son groove redoutable au service de géants comme Phil Collins, assurant des lignes de basse mémorables sur scène et en studio, et a même pris la route avec le groupe Toto pour pallier l'absence de Mike Porcaro. Reconnaissable entre tous avec sa longue barbe de patriarche, il reste un musicien de studio extraordinairement actif, continuant de tourner avec The Immediate Family et d'inspirer les bassistes du monde entier grâce à sa vision profondément mélodique et structurelle de l'instrument.

Le duo psych-prog formé par le bassiste de Primus Les Claypool et Sean Ono Lennon vient de partager « Meat Machines », troisième extrait de leur album à venir The Great Parrot-Ox and the Golden Egg of Empathy, attendu le 1er mai chez ATO Records.

Chester Zardis est une figure fondatrice et historique de la contrebasse dans le jazz traditionnel de La Nouvelle-Orléans. Surnommé « Bear » ou « Little Bear » en raison de sa petite stature et de son attaque féroce sur l'instrument, il a développé un jeu percussif particulièrement puissant qui permettait de propulser la section rythmique bien avant l'ère de l'amplification. Formé très jeune à la lecture musicale par Dave Perkins, il a fait ses premières armes dans le Merit Band avant d'accompagner des légendes locales comme Buddy Petit, Kid Rena et Bunk Johnson. Ses sessions d'enregistrement du début des années 1940 avec le clarinettiste George Lewis sont aujourd'hui considérées comme des documents de référence absolus pour comprendre le rôle de la contrebasse dans le style « dixieland » originel, misant sur des fondamentales solides et un slap acoustique ravageur. Après avoir mis sa carrière entre parenthèses dans les années 1950 pour travailler comme agriculteur, Zardis a opéré un retour triomphal au milieu des années 1960. Il est alors devenu le contrebassiste résident incontournable du Preservation Hall, enchaînant les tournées internationales et préservant l'authenticité de son style jusqu'à son décès à l'âge de quatre-vingt-dix ans.

Vernon Creede Alley est une figure historique et incontournable du jazz, évoluant aussi bien à la contrebasse qu'à la basse électrique. Né à Winnemucca dans le Nevada avant de grandir à San Francisco, il se passionne pour la musique après avoir vu le grand Jelly Roll Morton. Sa dextérité sur les cordes épaisses de sa contrebasse et son sens du rythme implacable lui ont permis de poser les fondations rythmiques pour des géants tels que Count Basie, Duke Ellington, Lionel Hampton ou encore Charlie Parker et Dizzy Gillespie. Au-delà de ses talents de musicien de studio et de scène, ayant soutenu la voix de figures comme Billie Holiday ou Ella Fitzgerald, Vernon Alley s'est distingué par son engagement acharné en faveur des droits civiques. À une époque marquée par une forte ségrégation, il a milité avec ferveur pour l'intégration des syndicats de musiciens à San Francisco et a brisé les barrières raciales qui empêchaient les artistes noirs de jouer dans certains quartiers prisés. Sa carrière, qui s'étend sur plus de sept décennies, est celle d'un pionnier qui a fait vibrer la scène jazz tout en œuvrant pour l'égalité des chances dans l'industrie musicale, laissant derrière lui un héritage musical et humain immense.

L'étude de la carrière d'Albert Robert Müller, né le 25 mai 1849 à Naumburg (Saale) et décédé le 24 février 1909, nécessite de se plonger dans la réalité économique et institutionnelle des orchestres allemands du dix-neuvième siècle. Durant cette période, la figure du musicien ultra-spécialisé, cantonné à un seul instrument, était un luxe que peu d'ensembles régionaux pouvaient se permettre. Müller incarne cette polyvalence exigée par le système musical germanique de l'époque. Son éducation musicale initiale s'est faite par l'apprentissage du violon, instrument qui lui a inculqué la rigueur de l'intonation non tempérée et la maîtrise de l'archet. Cependant, dès l'âge de douze ans, son développement physique et son affinité acoustique l'ont orienté vers le trombone, un instrument exigeant une gestion complexe de la colonne d'air.

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Originaire d'une famille de musiciens extrêmement respectée à Minneapolis, Billy Peterson s'est imposé comme l'un des bassistes les plus polyvalents de sa génération, capable de passer avec une aisance déconcertante de la contrebasse jazz à la basse électrique rock. Sa carrière prend un tournant décisif lorsqu'il collabore avec Bob Dylan sur l'album légendaire Blood on the Tracks, apportant une profondeur acoustique et une sensibilité mélodique qui ont marqué l'histoire du folk-rock. Peu après, il rejoint le Steve Miller Band, une association qui durera plus de deux décennies et durant laquelle il deviendra le socle rythmique incontournable du groupe sur les scènes du monde entier. Au-delà de ses succès dans le rock, Peterson est un pilier de la scène jazz, ayant dirigé ses propres ensembles et collaboré avec des virtuoses comme le guitariste Leo Kottke ou le batteur Bill Bruford. Son style se caractérise par une précision technique rigoureuse alliée à un sens inné du "groove" organique, faisant de lui un musicien de studio très recherché pour sa capacité à servir la chanson tout en y injectant une texture sonore riche.

Né à New York, Julian Euell est une figure fascinante de l'histoire du jazz moderne, ayant mené de front une carrière musicale exigeante et un parcours académique brillant en sociologie. Il commence l'étude de la contrebasse en 1944 et s'immerge rapidement dans la vibrante scène jazz new-yorkaise d'après-guerre, accompagnant des légendes telles que le saxophoniste Sonny Rollins et Jackie McLean. Après s'être éloigné des scènes quelques années pour travailler aux postes, sa passion le rattrape et il décide de se perfectionner auprès du légendaire contrebassiste Charles Mingus, avant d'étudier à la prestigieuse Juilliard School. À la fin des années 1950, son talent s'épanouit pleinement aux côtés des pianistes Mal Waldron et Randy Weston, avec qui il enregistre des albums qui marqueront l'ère du hard bop. Malgré cette reconnaissance artistique, Euell choisit d'embrasser une double vie en obtenant un doctorat en sociologie à l'Université George Washington dans les années 1970. Cette seconde vocation l'amène à occuper des postes institutionnels d'envergure, notamment comme secrétaire adjoint pour le service public à la Smithsonian Institution, où il contribue grandement à la valorisation et à l'archivage de l'histoire du jazz, ainsi que comme directeur de la Louis Armstrong House. Son parcours incarne une dualité intellectuelle et artistique exceptionnelle dans le paysage musical américain.

Jon Burr, né à Huntington dans l'État de New York, est un contrebassiste américain de premier plan dont la sonorité a profondément marqué la sphère du jazz et du swing contemporains. Initiant sa formation académique au prestigieux Berklee College of Music avant de parfaire sa technique à l'Université de l'Illinois, il a rapidement plongé dans le bouillonnement musical de la scène new-yorkaise au milieu des années soixante-dix. Au cours de cette période charnière, sa précision rythmique et son approche profondément mélodique de l'instrument lui ont valu de partager la scène avec des légendes telles que Buddy Rich, Chet Baker et Stan Getz. Sa réputation grandissante a attiré l'attention du célèbre crooner Tony Bennett, qu'il a accompagné fidèlement au début des années quatre-vingt, consolidant ainsi sa place de sideman de luxe. Toutefois, c'est sa collaboration au long cours avec le légendaire violoniste français Stéphane Grappelli, dont il fut le contrebassiste attitré pour les tournées américaines jusqu'à la fin de la vie de ce dernier, qui a ancré son héritage musical. Par la suite, sa créativité s'est exprimée dans la fondation du Mark O'Connor's Hot Swing Trio, un projet qui a réaffirmé son dévouement absolu au swing, tout en menant en parallèle une riche carrière de leader avec le Jon Burr Quintet et en s'investissant dans l'écriture d'ouvrages pédagogiques majeurs consacrés à l'art complexe de la basse harmonique et mélodique.

Thomas Bryant, plus connu sous le nom de Tommy Bryant, fut un contrebassiste de jazz américain incontournable dont la carrière s'est principalement épanouie durant l'âge d'or du genre. Né à Philadelphie dans une famille profondément musicale, il grandit en développant une synergie rythmique naturelle avec son frère, le célèbre pianiste Ray Bryant. Après avoir fait ses premières armes sur la scène locale florissante, il s'impose rapidement comme un accompagnateur de premier choix grâce à son jeu d'une grande clarté, ancré dans un swing inébranlable et un choix de notes toujours subtil. Il devient le pilier de la section rythmique du trio de son frère, mais son talent le mène également à enregistrer et tourner aux côtés de géants du jazz tels que Dizzy Gillespie, Jo Jones et Benny Golson. Tout au long des années cinquante et soixante, sa contribution discographique est prolifique, consolidant la fondation harmonique de dizaines d'albums historiques. Bien qu'il ait souvent évolué dans l'ombre des grands solistes qu'il accompagnait, la qualité de son assise rythmique et son dévouement absolu au groove ont fait de lui l'un des musiciens les plus respectés par ses pairs jusqu'à sa disparition prématurée au début des années quatre-vingt.

Gasparo Bertolotti, universellement connu sous le nom de Gasparo da Salò, est une figure fondatrice de la lutherie et un musicien de grand talent. Venu au monde à Salò en Italie, ce maître artisan s'est illustré dans la création d'instruments à cordes, notamment les violons, les altos et les contrebasses. Son génie de luthier s'accompagnait d'une virtuosité reconnue en tant que contrebassiste et joueur de violone, un grand instrument à cordes frottées de la Renaissance. Il jouait pour d'illustres institutions religieuses, notamment au sein de la basilique Santa Maria Maggiore à Bergame où ses prestations musicales étaient hautement rémunérées. Ses créations instrumentales, caractérisées par une sonorité profonde et puissante, étaient déjà recherchées de son vivant et le sont restées à travers les siècles. En plus de concevoir l'architecture sonore des instruments, il testait et sublimait ses propres contrebasses sur scène, devenant ainsi un pionnier absolu mariant la facture instrumentale à la pratique orchestrale.

George Murphy "Pops" Foster naît le 19 mai 1892 sur la plantation sucrière de Harry McCall à McCall, située dans la paroisse d'Ascension près de Donaldsonville, en Louisiane. Fils de Charley Foster, maître d'hôtel pour la famille McCall, et d'Annie Foster, couturière d'origine en grande partie cherokee, il grandit dans un milieu modeste mais musical. Vers l'âge de dix ans, sa famille s'installe à la Nouvelle-Orléans. Alors que son frère aîné Willard Foster s'oriente vers le banjo et la guitare, George débute son apprentissage instrumental sur un violoncelle de fabrication artisanale avant de se tourner définitivement vers la contrebasse, tout en pratiquant le tuba et la trompette à un niveau professionnel. Il se marie une première fois avec Bertha Foster en 1912, dont il divorce en 1922, puis épouse en secondes noces Alma Foster en 1936, qui sera sa compagne pendant près de quarante ans.

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George Murphy Foster, universellement connu sous le pseudonyme de Pops Foster, fut l'un des premiers musiciens à imposer la contrebasse en remplacement du tuba au sein des sections rythmiques des orchestres de jazz de la Nouvelle-Orléans. Né dans une plantation en Louisiane, il commence son apprentissage musical par le violoncelle avant d'adopter définitivement la contrebasse. Dès les années 1910, il navigue sur les bateaux à aubes du fleuve Mississippi au sein de l'orchestre de Fate Marable, côtoyant déjà un jeune et prometteur Louis Armstrong. Sa technique singulière de "slap", consistant à tirer violemment les cordes pour qu'elles claquent contre la touche en bois, confère une pulsation percussive inédite qui redéfinit fondamentalement le groove et l'assise du jazz naissant. Au fil des décennies, il s'installe à New York, devient le pilier rythmique incontournable de l'orchestre de Luis Russell, et accompagne régulièrement des géants du genre tels que Sidney Bechet ou Earl Hines. Son influence perdure à travers les époques, particulièrement lors du grand revival du style Dixieland des années quarante et cinquante, faisant de lui le doyen respecté de la contrebasse jazz jusqu'à la publication de son autobiographie à la fin de sa vie.