Contrebassiste d'un trio de jazz qui a choisi de se passer de batteur, le musicien d'Asheville signe un disque solo sans la moindre contrebasse… et rempli de boîtes à rythmes. Dix pièces, six basses électriques, tout joué, programmé, mixé et masterisé par lui seul. Ou presque : un saxophone alto passe une fois.

Indigo n'est pas Asia version 1982, et personne ne le lui demandait. C'est un disque soigné jusqu'à l'obsession, sans doute trop long (seize titres avec le bonus, que certains confrères verraient bien ramenés à trois quarts d'heure), dont les ballades AOR freinent parfois l'élan et dont l'esthétique assume sans complexe d'appartenir à une autre époque. Le reproche le plus cruel, formulé par un webzine qui lui colle un 6/10, est qu'Asia sonne désormais comme les innombrables groupes qui l'ont imité pendant quarante ans. Il n'est pas totalement infondé.

Huitième album, premier tirage de tarot : avec Arcani, Temperance confie chacune de ses treize chansons à un arcane majeur et signe l'un de ses disques les plus personnels. Pendant que trois voix se disputent la lumière, Luca Negro, bassiste fondateur, tient la table de jeu.

Depuis 2012, ce trio de Chicago parle une langue que lui seul comprend. Sur son cinquième album, la contrebassiste et chanteuse Katie Ernst tient le centre de gravité d’une formule sans piano où personne n’accompagne personne.

Premier des trois soirs au Miller High Life Theatre, mis en ligne sur Bandcamp dès le lendemain : un peu plus de trois heures de musique, quatre extraits de Big Modern!, une reprise de Creedence… et « Wysteria Lane », la chanson de Trevor Weekz, coupée en deux pour envelopper le cœur du second set. Chez Goose, la chaîne est désormais bien huilée : le groupe joue le soir, publie le lendemain. Moins de vingt-quatre heures après le dernier accord, l'intégralité du concert du 6 novembre était en ligne sur Bandcamp. Troisième date d'une tournée d'automne lancée le 3 novembre à Kansas City, c'est aussi le premier des trois soirs que le quatuor du Connecticut passe au Miller High Life Theatre de Milwaukee, une salle qu'il connaît bien pour y avoir déjà enchaîné trois soirées en février 2025. Au compteur : 3 heures et 1 minute de musique, et une petite curiosité arithmétique. Le premier set (1 h 38) dépasse le second de vingt bonnes minutes, signe que le groupe n'a pas attendu l'entracte pour étirer les morceaux.

Après À l'horizon, sorti en février 2026, le bassiste et producteur Cyril Sage renvoie sa sonde dans l'espace : onze instrumentaux, trente-six minutes, un claviériste embarqué en copilote, et toujours la basse aux commandes.

Le bassiste de Trust revient à la contrebasse avec le deuxième album de son trio acoustique, sorti le 23 octobre chez Deviation Records.

Le bassiste néerlandais publie aujourd’hui sur Bandcamp « Microseisms », une nouvelle version de sa jam fretless avec Jack Irons, batteur fondateur des Red Hot Chili Peppers. C’était une vidéo virale en 2024, elle a enfin le son qu’elle méritait. Les sismologues appellent « microséismes », ou bruit microsismique, ces vibrations infimes que la houle des océans imprime en continu à l’écorce terrestre. Personne ne les remarque. Remco Hendriks a choisi ce titre pour un morceau qui fait exactement l’inverse : difficile de passer à côté de cette fretless qui chante, glisse et gronde sur la frappe de Jack Irons. Les habitués du Remco’s Groove Lab reconnaîtront le morceau. Sur cette vitrine YouTube, le bassiste d’Eindhoven aligne depuis des années des compositions originales filmées en une seule prise. « Microseisms » reprend la vidéo « Fretless Stradi Bass Funk Rock Jam (drums by Jack Irons) », mise en ligne en septembre 2024 et devenue virale depuis. La version publiée ce 6 novembre chez Cloud #11 Records a été remixée et sonne nettement mieux que l’original. Les deux musiciens se partagent le travail. Ils signent ensemble la composition, l’enregistrement et le mixage, Irons a enregistré lui-même ses batteries et Hendriks s’est occupé du mastering. À la basse, une fretless Stradi sortie de l’atelier polonais de Marek et Agnieszka Dąbek, qu’il fait chanter dans ses vidéos depuis 2024. Les tags Bandcamp annoncent du funk rock, du psychédélisme… et de la musique microtonale. Sur un manche sans frettes, chaque nuance de hauteur se joue au millimètre près. « Microseisms » est la quatrième sortie du duo sur Bandcamp, après l’album Iridescence et les titres « Etherealism » et « Cymatics ». C’est donc une collaboration au long cours. D’un côté, un virtuose que No Treble rapprochait dès 2015 de Les Claypool et Mick Karn. De l’autre, le batteur qui a cofondé les Red Hot Chili Peppers avant de passer par Eleven et Pearl Jam. La pochette est une huile sur panneau signée Joop Smits.

Un bassiste qui signe toute la musique et tous les textes d'un album de power metal, ce n'est pas tous les jours. Avec Echoid, Alberto Rigoni revient sur un sujet qu'il avait déjà traité sans paroles il y a douze ans : une époque où tout le monde parle et où plus personne ne s'entend.

Ancien bassiste de Palace devenu artisan obstiné du groove analogique, William Dorey publie un album baptisé du nom d'une baie du Dorset proche de chez lui, là où il a grandi. Écrit, joué, enregistré et mixé à la maison, ou presque.

Dix ans sans nouvelles, puis ce disque. Les Londoniens de Sennen reviennent sur Sonic Cathedral avec un album chaud et cotonneux qui parle d'abord d'une chose toute simple : le bonheur d'être un groupe. Après First Light, en 2016, le quatuor n'avait plus rien publié de neuf, et seule la réédition augmentée de son premier disque, Widows, remastérisée en 2021 par Simon Scott de Slowdive pour le label Sonic Cathedral, était venue rappeler son existence aux amateurs de guitares embrumées. C'est précisément ce retour aux archives qui a tout relancé. En réécoutant les bandes de leurs vingt ans, les quatre musiciens ont retrouvé ce qu'ils décrivent comme la joie brute de jouer ensemble. « J'ai fini par accepter que j'avais besoin de ce groupe dans ma vie », confie le guitariste et chanteur Rich Kelleway. Son comparse Larry Holmes va plus loin : Sennen, dit-il, a toujours été leur canot de sauvetage. New Quiet, paru le 30 octobre, est né de ce déclic. New Quiet ne réinvente ni le shoegaze ni la dream pop, et n'en a pas l'intention. C'est un disque de retrouvailles, chaleureux et un brin mélancolique, qui assume ses modèles et regarde le temps passer sans amertume. Pour les amateurs de Teenage Fanclub et de Yo La Tengo, un rendez-vous. Pour les bassistes, une jolie leçon d'appartenance.

Ils ont appris le swing aux noctambules d’un club techno munichois et passé Beethoven, Mahler et Bruckner à la moulinette du kick à quatre temps. Pour Noël, la Jazzrausch Bigband débranche tout : pas une nappe de synthé, pas un beat programmé, mais neuf compositions inédites de Leonhard Kuhn taillées dans la poésie allemande, plus un choral de Luther pour fermer la porte. Un disque de saison qui ne ressemble à aucun autre.

Le trio aixois publie son troisième disque studio : cinq titres, vingt minutes et quarante-huit secondes de « rock wave » sans graisse. Un disque-diagnostic, sur lequel la section rythmique prend plus que jamais la parole.

Le pianiste allemand reprend l'une de ses pièces les plus intimes dans le studio de Stefan Redtenbacher, aux portes de Londres. Un hommage filial joué 100 % live, avec à la basse le maître des lieux, qui cosigne aussi la production. Elle figurait en deuxième plage de Highwire, l'album en duo enregistré avec le guitariste Joscho Stephan et paru en février 2025, sur lequel le pianiste revisitait les compositions les plus importantes et les plus personnelles de sa carrière. La revoici vingt mois plus tard dans une tout autre configuration : un quartet piano, basse, batterie et percussions, filmé et enregistré intégralement en live pour les Masterlink Sessions. Le parcours de Kreusch a de quoi intriguer. Premières leçons de piano à cinq ans auprès de sa mère, la pianiste classique Dorothée Kreusch-Jacob, découverte du jazz vers dix ans, puis Berklee, la Manhattan School of Music, l'enseignement de Mal Waldron et de Jaki Byard, et près de vingt ans à New York. Son CV aligne Herbie Hancock, Salif Keïta, Kenny Garrett, Greg Osby ou Terri Lyne Carrington. Mais ce qui nous concerne, c'est l'impressionnante galerie de bassistes qui jalonne sa discographie : Anthony Cox, compagnon de route depuis Black Mud Sound au milieu des années 1990, Richard Bona, James Genus, Zaf Zapha, Nate McBride. Un pianiste qui a toujours pris grand soin de ce qui se passe sous sa main gauche.

Un blues en sept temps, des solos en six, et une ligne de basse qui pose les fondations avant tout le monde : le contrebassiste athénien Manos Loutas signe un single qui compte autrement mais drôlement bien.

Le bassiste de Melbourne réunit un quartet sans filet pour dix titres où le jazz fusion fraye avec la house, le broken beat et le hip-hop. Autoproduit en janvier, le disque renaît en vinyle chez 22a, le label londonien de Tenderlonious.

On connaît la recette d'Art Blakey : un patron installé derrière son instrument, une bande de jeunes loups devant, et des soirs entiers à apprendre le métier en le pratiquant. Mack Avenue présente Points of Light comme l'entrée de Christian McBride dans son « ère Art Blakey », et pour une fois, l'argument marketing tient debout. À une nuance près, qui vous intéressera peut-être : là où Blakey poussait ses Jazz Messengers à coups de roulements de caisse claire, McBride dirige depuis les fondations. Il tient la basse, il tient le tempo, et il abandonne les mélodies, ainsi que l'essentiel des solos, à des musiciens qui ont à peu près la moitié de son âge.

Un quatuor de Téhéran qui n’a pas de bassiste, une suite de vingt-cinq minutes, deux jours de studio en Catalogne et les deux tiers de Stick Men en renfort. Sorti à l’automne 2024 assez discrètement, Deerand pose une question qui devrait passionner tout bassiste : que devient le grave quand personne n’en a officiellement la charge ?

Genévrier et vapeur de sauna : avec son nouveau quartet, le bassiste finlandais signe un deuxième album studio où la fretless porte les mélodies, quelque part entre chanson finno-ougrienne et fusion façon Weather Report.

Paru le 23 octobre, Unsolicited Jams voit la bassiste brésilienne installée à Los Angeles s'emparer de Radiohead, des Chemical Brothers et de Parliament pour les étirer en longues explorations funk et psychédéliques, captées en prises live. Quatre titres, vingt-six minutes, et un pari de bassiste : garder le riff comme cap, et laisser tout le reste prendre le large.

Moins d’un an après l’album Cook*, le sextette funk de Denver revient avec un single écrit pour l’essentiel par son bassiste. C’est la face A d’un 45 tours attendu pour le 18 décembre.

Octobre 1977, studio Sapra : Paul Ngozi, Tommy Mwale et Chrissy Zebby Tembo mettent en boîte dix titres restés dans l'ombre pendant près d'un demi-siècle. Now-Again les exhume, et avec eux une jolie énigme discographique.

Enregistré dans une cabane près de Southampton avec son groupe de scène, sans Danger Mouse ni Inflo, le cinquième album du Britannique paraît alors qu'il se remet d'un AVC. Un disque libre, chaleureux, parfois trop long.

Quarante-sept ans après sa naissance dans une salle paroissiale des Midlands, Cloven Hoof publie son dixième album studio. Seul rescapé de toutes les époques, le bassiste et compositeur Lee Payne retrouve Harry « The Tyrant » Conklin au chant et signe un disque volontairement éclectique, qui tourne le dos aux ténèbres de Heathen Cross pour renouer avec l'esprit d'A Sultan's Ransom.

Six mois après son album éponyme paru en avril chez Joyful Noise, Wendy Eisenberg remet le couvert sans prévenir. Le titre double chaque lettre, et le disque applique le même traitement au temps : « Meaning Business », single de 4 min 18 sur l'album, devient ici une pièce de 37 minutes ; « The Walls », qui refermait le disque, s'étend sur neuf. Au total, l'EP dure plus longtemps que l'album dont il est tiré.

Née à Londres de parents congolais, Marla Kether est bassiste, productrice et DJ. Son parcours commence loin des conservatoires : étudiante en chimie à l'université de Bristol et membre du bureau de la Jazz, Funk & Soul Society du campus, elle a l'aplomb d'inviter des membres d'Ezra Collective à une jam après leur concert en ville. Quelques jours plus tard, le manager de la chanteuse Yazmin Lacey la contacte : c'est le début d'une carrière de bassiste de session et de scène auprès de Yazmin Lacey, Oscar Jerome et Obongjayar, puis d'une tournée mondiale dans le groupe de Loyle Carner — dont elle assure aussi, en DJ, des premières parties américaines en 2023.

Il y a des disques qui dorment. Ascension a été capté en 2011 par Leonid Rybkin, dans son propre studio, et ne voit le jour qu'aujourd'hui sur ArtBeat Music, label moscovite dédié à la mémoire du producteur Nikolaï « BigNick » Bogaichuk. Derrière les initiales GKV, une formation au long cours : Vyacheslav Guyvoronsky à la trompette, Andrei Kondakov au piano, Vladimir Volkov à la contrebasse. Le trio a joué au North Sea Jazz Festival, à Bolzano ou au festival Russie mon Amour de Bordeaux : on n'est pas face à un projet d'un soir.

Dix-sept ans de silence, quatre-vingt-dix idées, dix chansons : les Bruxellois rallument la machine.

On en parle un peu tardivement mais quand on aime, on ne compte pas ! Troisième album de la chanteuse galloise installée à Sheffield, What Happens Now est paru le 29 mai 2026 et succède à Honestly (2023) et au premier disque Talk To Me (2021). Kat Eaton y franchit un cap en écrivant et publiant désormais sur son propre label, Reason & Rhyme Records. Aux manettes, l’éternel complice Nick Atkinson, avec qui elle travaille depuis leurs seize ans. Le disque a été enregistré en février au Konk Studios de Ray Davies, puis masterisé en août à Abbey Road.

Près de dix ans de gestation, trente minutes de musique, et un homme seul derrière la batterie, la basse et les claviers. Sur Proud of Me, Adrian Younge pose les fondations ; la voix hors du temps d'ALA.NI y raconte l'amour, l'attente et le deuil. Une leçon d'économie, côté grave comme côté chant.

Avec Baile as Baile, réédité le 16 octobre 2026 par le label new-yorkais AUM Fidelity, la contrebassiste Devra Hoff signe l'un des disques de basse seule les plus habités de l'année. Pas de batterie, pas de chant, presque pas d'invités : une forêt de contrebasses acoustiques, quelques airs traditionnels irlandais et anglais, et une seule question en filigrane — où se trouve la maison quand on n'appartient à aucune scène ?

Depuis 2009 et le maxi électro-funk The Love Quadrant, Jack Hamill – vingt ans à l'époque, Belfast pour port d'attache – bâtit sous le nom de Space Dimension Controller un univers de science-fiction rétrofuturiste où le grave sort des machines : basses synthétiques héritées de l'électro-funk des années 1980, de Prince et de la nouvelle garde R&S Records qui a redessiné la dance britannique au fil des années 2010. The World Overhead referme ce cycle.

Le patron d’Incognito s’offre une nouvelle échappée en solo. Skint, quatrième album personnel de Jean-Paul « Bluey » Maunick, sort ce 16 octobre en CD et double vinyle chez Splash Blue, avec treize titres inédits. Après Leap of Faith (2013), Life Between the Notes (2015) et Tinted Sky (2020), le guitariste-producteur d’origine mauricienne reste fidèle à ce qu’il sait faire de mieux : une soul-jazz-funk britannique tirée à quatre épingles, où le groove ne se négocie pas. bandcamphighresaudio

Il y a une vieille tradition, chez les crate diggers comme chez les bassistes, qui consiste à aimer des films pour leur musique plus que pour leur intrigue. Combien de séries policières américaines oubliées, combien de gialli à la lumière douteuse ne survivent plus aujourd’hui que par un générique, une ligne de basse sèche, un riff de clavinet tendu comme un fil de détente ? Eleven76 a poussé ce raisonnement jusqu’au bout : à quoi bon le film, puisque la musique suffit ? Depuis Space Voyage (2018), conçu pour le catalogue de library music de Warner Chappell, le projet compose des bandes originales pour des œuvres imaginaires. Occhio Occhio (2022) lorgnait du côté des villes européennes ensoleillées de la fin des sixties ; Synchronization (2023, chez Mocambo) basculait vers une dystopie plus sombre, pétrie de synthés analogiques arpégés, de breaks de batterie bien gras et de guitares fuzz — un disque que ses éditeurs présentaient comme de la « kraut synth funk ». Le quatrième épisode change à nouveau de genre cinématographique : A Day Of Unrest marie le cop show américain des années 70 et le giallo italien. Premier changement notable pour qui suit le groupe : l’effectif. À l’époque de Synchronization, Eleven76 fonctionnait en trio, avec Paul Elliott et Anthony Donje aux synthés et Timmy Rickard en pilier de la section rythmique. A Day Of Unrest est désormais crédité au seul tandem Paul Elliott – Dan Smith, deux multi-instrumentistes qui travaillent ensemble depuis près de vingt ans pour la télévision, le cinéma et la publicité. Les CV parlent d’eux-mêmes. Elliott, DJ depuis l’adolescence, a croisé la route d’Asha Puthli, du Bacao Rhythm & Steel Band et de Shawn Lee — autrement dit, tout un pan de la scène funk et soul « digger » européenne. Smith, lui, a connu le haut des charts britanniques avec les Noisettes, passé sept ans au sein des Heliocentrics, et tourne aujourd’hui avec The Crazy World of Arthur Brown. Le grand écart entre pop calibrée, jazz-funk cosmique et psychédélisme théâtral résume assez bien l’ADN du projet.

Le bassiste néerlandais de la « pince de homard » s’associe une fois de plus à l’ancien batteur des Red Hot Chili Peppers et de Pearl Jam pour un nouveau single. Paru le 9 octobre sur Bandcamp, « Cymatics » y est conjointement signé. Le titre renvoie à la cymatique, l’étude des motifs que les vibrations sonores dessinent dans la matière. Un nom bien choisi pour un bassiste dont le jeu repose justement sur la façon de faire vibrer ses cordes. Installé à Eindhoven, Hendriks s’est fait connaître par ses vidéos de compositions solo, et sa technique dite « Lobster Claw » est saluée un peu partout comme une manière nouvelle d’aborder la basse électrique. Il avait annoncé qu’il enregistrait désormais des versions studio de ses morceaux avec un groupe complet : la venue d’Irons marque une étape de ce virage et on a hâte de découvrir son prochain album.

Le quartet de Melbourne signe un troisième album d'originaux taillé pour être fredonné par n'importe qui. Pour la première fois, il a confié la prise de son à quelqu'un d'autre — mais c'est toujours son bassiste qui tient le mixage. Une leçon d'économie, et une affaire de basse. Access All Areas, Karate Boogaloo s'est fixé une seule consigne : l'accessibilité. Le principe, raconté par le groupe lui-même dans les notes de pochette, est d'une brutalité réjouissante : dès qu'un morceau devenait alambiqué, il était écarté. Seuls ont survécu ceux qu'on peut chantonner sans avoir fait le conservatoire. Arrangements resserrés, formes étanches, fioritures réduites au strict minimum. Le quartet résume lui-même la différence avec son disque précédent par une image : si Hold Your Horses (2024) était une épopée, celui-ci se veut un haïku. Onze titres, là où le précédent en alignait douze, et surtout une ambition inverse — non plus dérouler un récit cinématographique, mais livrer des thèmes qui restent en tête après la première écoute.

Il fallait bien que ça arrive. Stephen Bruner n'a jamais caché sa passion pour l'univers du jeu vidéo, et pour Sonic en particulier. Interrogé sur ses bijoux, il confiait d'ailleurs que son collier préféré était justement un pendentif Sonic. Plus tôt cette année, il s'est rendu au siège de SEGA à Tokyo, déguisé en Shadow the Hedgehog, pour y rencontrer le designer de la franchise Kazuyuki Hoshino et le compositeur Tomoya Ohtani. Le voici désormais avec un single entièrement consacré au hérisson bleu. Paru le 7 octobre 2026, Moving at Light Speed est cosigné avec le producteur Button Masher et distribué via la page Bandcamp de Brainfeeder. Le morceau est joyeux et ludique, conformément à son sujet. La production intègre les célèbres bruitages de collecte d'anneaux dorés, et les beats nerveux de Button Masher rappellent l'allure effrénée des niveaux de Sonic. Par-dessus, le falsetto de Thundercat respire le plaisir pur : celui d'un fan qui prête enfin sa voix à son personnage fétiche.

Il y a des groupes qui se regardent le nombril. Adult DVD, eux, regardent les autres, de préférence au rayon surgelés. Formé à Leeds pendant le confinement par Harry Hanson et Greg Lonsdale, à coups de morceaux échangés par Internet, le projet est devenu un sextette, avec George Manson à la basse. Il a ensuite signé chez Fat Possum en janvier dernier. Ce premier album éponyme en douze titres tient une promesse rare : faire danser et faire rire en même temps. Le principe d'écriture est assumé. Aucune chanson n'est écrite à la première personne, « sinon les gens nous prendraient pour de parfaits crétins », dit Hanson. On croise donc une galerie de personnages. Il y a le complotiste 5G de Real Tree Lee, reclus dans ses forums et sa peur sans fondement. Il y a le cowboy existentiel de Cowboy On Aisle Three, né d'une envie de tout envoyer valser au milieu des courses chez Lidl. Et il y a le col blanc de Rolling Face, qui finit la nuit sans sa raison ni son argent. C'est du Mike Skinner passé au shaker synth-punk. Côté musique, les références se trouvent chez LCD Soundsystem et Soulwax, avec en fond Faithless et The Prodigy. Hanson résume le disque en une formule : « passer de 22 h à 3 h du matin en 40 minutes ». On part des titres les plus guitare pour glisser vers les breakbeats et la techno. Pour un bassiste, c'est là que tout se joue. Dans un groupe qui compte trois claviéristes et dont la boîte à rythmes Korg Electribe est d'origine, la basse électrique doit tenir le groove sans se faire avaler par les nappes. C'est elle qui garde le côté physique, punk, d'une musique qui pourrait vite devenir purement électronique. Détail qui compte : Adult DVD joue sur scène sans aucune bande préenregistrée. Tout ce que vous entendez est joué pour de vrai, et la section rythmique n'a pas le droit à l'erreur. Drôle, nerveux, écrit avec l'œil d'un chroniqueur de la vie ordinaire britannique : un premier album qui sent la sueur de club et le ticket de caisse froissé.

Avant From Beyond, avant même que le mot « death metal » ne soit gravé dans le marbre floridien, il y avait ces cassettes. Tyrants of Death rassemble les deux premières démos de Massacre : Aggressive Tyrant (avril 1986) et Chamber of Ages (novembre 1986). S'y ajoutent un instrumental inédit issu de la même session et une série de titres live captés à Tampa au printemps 1986, dont une reprise de « Corpsegrinder » de Death. La compilation avait déjà paru en 2006 chez Iron Pegasus. Agonia la réédite aujourd'hui, remasterisée en Pologne chez Satanic Audio, le studio qui travaille avec Behemoth et Pestilence. Le line-up donne le vertige : Kam Lee au chant, Rick Rozz et Allen West aux guitares, Bill Andrews à la batterie. C'est quasiment l'arbre généalogique de Death. En 1987, Rozz, Andrews et Terry Butler partiront d'ailleurs rejoindre Chuck Schuldiner, ce qui mettra Massacre en sommeil. C'est Michael Borders qui est le bassiste crédité sur ces démos, et c'est tout l'intérêt de cette réédition pour nous. Borders fait partie du groupe depuis sa formation en 1984, à l'époque où Massacre était encore un groupe de heavy metal. On le retrouve quarante ans plus tard sur les albums du retour, Resurgence (2021) et Necrolution (2024). Évidemment, il ne faut pas attendre d'une démo de 1986 une basse ciselée au scalpel. Elle double les riffs, épaissit le trémolo des guitares et sert surtout de fondation au martèlement d'Andrews. Mais c'est justement dans ce rôle de ciment brut, collé aux guitares, que s'invente une grammaire que tout le death metal floridien reprendra ensuite. Tout l'enjeu du remaster, c'est de redonner un peu de corps au bas du spectre sans lisser la crasse d'origine. « En embrassant le passé, on peut libérer tout le potentiel du futur », résume Kam Lee. C'est un document plus qu'un album, forcément réservé aux archéologues du genre. Mais pour qui veut entendre d'où viennent les fondations du death metal, Tyrants of Death reste une pièce essentielle.

Il y a des notes de pochette qui résument tout un projet. Celle de Devio donne la liste du matériel : un synthétiseur soviétique, un orgue italien, une basse et un piano électrique allemands, une guitare japonaise, six micros soviétiques, un magnétophone japonais 8 pistes et cinq musiciens dans la même pièce. Pas de mention de logiciel, pas de promesse de mixage « immersif ». Juste du bois, des lampes, de la bande et des gens qui jouent ensemble. Les Diasonics ne sont pas des nouveaux venus. Formé à Moscou en 2019, le quintette a sorti Origin of Forms en 2022, enregistré sur un Otari MX-5050 MK III dans son propre studio Magnetone, puis Ornithology à l'automne 2025. Le groupe appelle sa musique le « hussar funk » : du deep funk instrumental coloré de mélodies d'Europe de l'Est, de psychédélisme et d'une esthétique de bande originale des années 1970. Rare groove, funk brut, mélodies sensuelles et dramatiques : leur propre devise dit bien la couleur. L'intérêt est surtout du côté de Maksim Brusov. Dans ce type de formation, la basse n'a pas de pédalier ni d'effets derrière lesquels se cacher. Elle doit tenir le groove avec la batterie d'Anton Moskvin et les percussions d'Alexander Shingaling, laisser de l'espace à la guitare de Daniil Lutsenko et aux claviers de Kamil Gazizov, et sonner juste dès la prise, puisque la bande pardonne peu. C'est la vieille école du jeu en live dans une pièce, où la place de chaque note compte plus que la quantité. Devio ne dure qu'un titre, mais c'est une bonne porte d'entrée pour qui aime le funk cinématographique fait à l'ancienne, sans nostalgie de façade.

Sorti ce 18 septembre 2026 sur RSB Records, Carter's Boogaloo est signé Carter Arrington, Redtenbacher's Funkestra ft. Nigel Price : trois noms sur la même ligne, ce qui en dit long sur la méthode maison. Depuis le milieu des années 90, le bassiste autrichien Stefan Redtenbacher — formation au conservatoire de Vienne puis à Berklee, sideman chez Amy Winehouse et Steve Winwood, invitations à Fred Wesley, Cory Wong et à des membres de Tower of Power — a transformé son Funkestra en atelier ouvert plutôt qu'en groupe fermé. Les Masterlink Sessions, plus de cent cinquante captations live en studio, sont le laboratoire ; RSB Records est la maison d'édition ; et chaque single est un rendez-vous entre l'ossature rythmique du patron et un invité venu poser sa griffe. Ici, ils sont deux. Carter Arrington, guitariste américain devenu enseignant à la Texas State University, accompagne le Funkestra sur la tournée britannique de septembre-octobre et donne son prénom au morceau. En face, Nigel Price, British Jazz Award du meilleur guitariste 2016, plus de cinq cents passages au Ronnie Scott's, spécialiste d'un jeu d'octaves et d'accords hérité de Wes Montgomery et rodé sur des années d'organ trio. Autant dire que le boogaloo annoncé par le titre n'est pas un clin d'œil rétro gratuit : c'est le terrain de jeu naturel des deux hommes. Reste que dans cette famille-là, la basse n'est jamais décorative. Le boogaloo vit de sa ligne de basse, de son ancrage un peu traînant sous les croches de guitare, et c'est précisément la spécialité de Redtenbacher. La tournée promet du matériel issu de l'album à venir The Exchange ; le label ne dit pas encore si ce boogaloo-là en fera partie.

On avait pris l'habitude d'aborder les nouveaux disques de Yes avec une forme de prudence affectueuse. Aurora désarme assez vite cette prudence. Produit par Steve Howe, enregistré à distance entre les studios personnels de Los Angeles et du Royaume-Uni, l'album ne sonne pourtant jamais comme un assemblage de fichiers : c'est le disque le plus cohérent de l'ère Jon Davison, et probablement le plus ambitieux depuis Magnification.

Il y a des disques qui tiennent en une idée, et celui-ci ne cherche pas à faire croire le contraire. Paru le 1er septembre sur le Bandcamp du groupe, Disaffected Alt Rock Bass Girl aligne seize minutes et quatre pistes qui portent toutes le même titre. Un seul morceau, donc, décliné en quatre versions — et c'est tout le sujet.

Trois mois après la disparition de James Blood Ulmer (8 février 1940 – 3 juin 2026), Bill Laswell ouvre ses archives. Raising America est un volume de la série Akashic Bassmatter, ces compilations puisées dans l'abonnement Bassmatter que le bassiste alimente sur Bandcamp, et il porte une mention explicite : « in praise and memory of James Blood Ulmer ». Compilé par Laswell lui-même, l'objet tient autant du tombeau que du document.

La contrebasse de Linda May Han Oh et le ténor de Melissa Aldana, face à face, et c’est tout. Le programme surprend d'abord par son classicisme : Parker, Powell, Monk, Coltrane, Shorter, Mingus, Sam Rivers, Herbie Hancock. Ni l'une ni l'autre n'avait jamais consacré un album entier au répertoire — Oh, née en Malaisie et grandie en Australie-Occidentale, Aldana venue du Chili, toutes deux passées par la scène new-yorkaise sans avoir vraiment joué ensemble avant ce projet. « Il ne s'agissait pas de rendre hommage au sens traditionnel, explique la saxophoniste, mais plutôt d'entrer dans ces mondes et de voir ce qu'on pouvait y découvrir ensemble. » Le titre dit le reste : ceux qui ont soulevé le ciel au-dessus d'elles. Côté grave, c'est un régal de mécanique. Sur « Anthropology », Oh tient la ligne, l'harmonie et la moitié du thème en même temps, avec cette attaque nette et ce son boisé qui restent lisibles même quand ça file. « Hallucinations » de Bud Powell est sans doute le sommet du disque : unissons au cordeau, groove qui ne lâche jamais, un dialogue où l'on ne sait plus qui accompagne qui. Et quand elle passe en solo — « The Sorcerer » de Hancock, « God Bless the Child » — elle sort une contrebasse dotée d'une extension au do grave, un instrument qui appartenait autrefois à un contrebassiste d'orchestre de Perth, sa ville. Les notes du bas de la corde ne sont pas là pour l'effet : elles ouvrent l'espace sous le thème. Trois improvisations libres (« Infinite », « Resolve », « Shoulder to Shoulder ») aèrent la séquence, et une composition originale d'Oh, « Winter », referme l'album sur une note plus personnelle. Tout n'est pas au même niveau — « Dance Cadaverous » et « 26-2 » passent un peu vite — mais l'ensemble tient debout par la qualité d'écoute, ce qu'aucun arrangement ne remplace.

Une salle de casino à Reno, 1 800 places, moquette et lustres : ce n'est pas le décor qu'on associe d'ordinaire au quatuor de Norwalk, plus habitué aux amphithéâtres en plein air. Et c'est précisément ce qui rend cette bande-là intéressante. Coincé entre le Greek Theatre de Los Angeles et Frost Amphitheater à Stanford, ce Reno est le genre de date « intermédiaire » où Goose se sent libre de jouer pour lui-même. Le premier set le confirme dès l'entame : Royal > Butter Rum enchaînés, puis un Please Forgive Me (David Gray) qui traîne, avant un Torero où Rick Mitarotonda glisse une citation de Caravan. La séquence Earthling or Alien? > Spirit of the Dark Horse > Pancakes referme le set d'un seul tenant — trois morceaux, une seule respiration Le second set est le vrai morceau de bravoure. Echo of a Rose ouvre en version rapide, ce qui n'est pas anodin : la ballade devient moteur. Suit In Your Eyes (Peter Gabriel) enchaîné à Rosewood Heart, puis le triptyque Atlas Dogs > (((postplace))) > So Ready, où la matière ambient de (((postplace))) sert de sas entre deux montées. Rappel : Turn On Your Love Light, le vieux Bobby « Blue » Bland passé par le Grateful Dead — déclaration de filiation à peine voilée.

Fidèle à son calendrier lunaire, Peter Gabriel a livré ce 13 août 2026, à la nouvelle lune, le Dark-Side Mix de « One by One », deux semaines après la version Bright-Side parue le 29 juillet. Comme sur i/o, le principe reste le même : Mark « Spike » Stent signe la lecture lumineuse, Tchad Blake la version sombre, plus compressée, plus terreuse, où les basses fréquences avancent d'un cran et où chaque détail semble filmé de plus près.

Souvenez-vous : une Jazz Bass portée aux genoux, un jeu staccato, aucune pédale — Carlos D tenait le bas du spectre d'Interpol comme on tient une ligne de front. Puis il a claqué la porte en 2010, fatigué d'un instrument qui n'avait jamais été le sien. Seize ans plus tard, Ricochet fait le bilan de sa deuxième vie : dix titres qui compilent, remasterisées, les pièces worldbeat éparpillées sur ses six disques new age parus entre 2022 et 2024 (Aqueduct, Ecospheres, Private Earth, The After, Parallel Streams, Calcinatio). S'y ajoutent un inédit, « Immaculate », et « Neo Cambria », relecture de son tout premier single solo. Autant prévenir : le bassiste s'est effacé derrière le compositeur, et ceux qui viennent chercher les octaves de Turn on the Bright Lights feront chou blanc. C'est justement ce qui rend le disque intéressant — un musicien qui a choisi la nappe plutôt que le riff, et l'assume pleinement.