Stratégies de doigté pour la contrebasse

Photo de Vyvyan Black

La contrebasse est un instrument physiquement exigeant. Je ne prétends pas que nous soyons plus robustes que nos amis guitaristes, mais quand avez-vous vu un violoniste se déplacer sur près d'un mètre ? La taille de la contrebasse nous oblige à être très efficaces dans notre façon de jouer, surtout lors de longs concerts.

J'ai la chance d'avoir un professeur de basse exceptionnel, également auteur pour l'American School of Double Bass, qui a mis au point de nombreuses techniques de doigté pour faciliter les déplacements sur le manche. Je vais vous les expliquer ici, de mon point de vue de bassiste ayant évolué de la guitare basse à la contrebasse (après plus de dix ans de pratique), et j'espère qu'elles vous seront aussi utiles qu'à moi. Elles sont applicables à tous les styles musicaux : jazz, classique, bluegrass… et bien d'autres !

Ces stratégies de positionnement sont basées sur le doigté Simandl à main fermée. Il est important de les considérer comme des lignes directrices plutôt que comme des règles strictes ; elles ne s’appliqueront pas systématiquement, mais ce cadre vous aidera à choisir le meilleur doigté. De plus, mes explications ne sont que mon interprétation de ces règles et la manière dont je les applique personnellement.

• • Jouez au moins deux notes par position . De plus, les silences et les cordes à vide comptent comme une note, tandis que la position du pouce n'est pas prise en compte. Cela permet d'optimiser l'utilisation du manche en réduisant les mouvements du bras.
  • Si un motif mélodique se termine sur un temps stable, effectuez le changement de rythme sur le temps mobile, et inversement. Ceci permet d'éviter les ruptures dans le phrasé dues au changement. Un motif mélodique peut être une phrase cohérente ou un passage de notes avant un changement de direction. En 4/4, les temps 1 et 3 sont les temps stables les plus forts ; il faut donc éviter de changer de rythme sur les notes jouées à ces moments-là. De même, si un motif mélodique se termine sur un temps mobile, le changement de rythme doit se faire sur le temps stable. L'objectif est de maintenir la continuité du phrasé. Il faut éviter les ruptures dans le phrasé mélodique dues à des changements de rythme importants. Cette règle est moins stricte dans un jeu plus lyrique.
  • Utilisez les doigts abaissés (1 et 2) autant que possible, surtout pour un jeu lyrique. Utilisez le majeur pour les notes graves. Positionner votre main autour du majeur vous offre une plus grande amplitude de mouvement pour monter ou descendre d'un demi-ton. De plus, l'index et le majeur sont plus forts et offrent un contrôle indépendant supérieur à celui du majeur et de l'annulaire, ce qui vous permettra de mieux maîtriser votre vibrato et d'obtenir un son plus constant. D'après mon expérience, la main se fatigue moins vite lorsqu'on utilise davantage les doigts 1 et 2 que les doigts 3 et 4. En position de pouce, vous pouvez utiliser exclusivement les doigts 1 et 2 avec le pouce pour un jeu lyrique.
  • Évitez d'utiliser le même doigt sur deux cordes, sauf en alternance. C'est difficile à accepter pour un bassiste : comment ça, je ne peux pas faire un barré de quarte ? Votre son en pâtit. Il vaut mieux utiliser les doigts 1 et 2 sur les deux cordes. La taille des cordes et l'action plus haute vous obligent à appuyer très fort pour appuyer complètement sur deux cordes avec un seul doigt. Au final, ça n'en vaut pas la peine et vous vous fatiguerez la main. Bassistes, vous pouvez admettre que les doigtés barrés ne sont pas adaptés à la contrebasse tant que vous n'avez pas acquis une solide maîtrise.
  • Évitez de jouer deux cordes à vide ou plus d'affilée . Cela influe sur la résonance de la contrebasse et la qualité du son. En appuyant fermement sur une note, vous contrôlerez le vibrato et pourrez facilement couper la résonance sans risquer de friser. Pour des raisons de résonance, il est important que toutes les cordes, sauf celle que vous jouez, restent immobiles. N'oubliez pas que pour obtenir un bon son, l'instrument doit vibrer correctement ; or, c'est plus difficile à contrôler si des cordes continuent de vibrer lorsque vous bougez les doigts.
  • Dans un passage en gamme, jouez au moins deux notes sur une même corde avant de passer à la suivante ; un silence compte comme une note. Il s’agit de la variante avec changement de corde de la première stratégie. Elle permet également de maintenir une certaine cohérence dans votre phrasé.
  • Si possible, utilisez des doigtés qui chevauchent les cordes adjacentes plutôt que de les sauter . Pour une meilleure cohérence dans le jeu, sauter une corde (par exemple, de La à Sol) peut créer des silences dans vos phrases, simplement à cause du temps nécessaire pour passer d'un point à l'autre. Le manche d'une contrebasse est plus large et incurvé que celui d'une basse. Passer d'une corde à l'autre avec la main droite implique un mouvement de tout le bras au niveau de l'épaule ; c'est beaucoup plus lent que de changer de corde sur une basse.
  • En jeu lyrique, évitez les cordes à vide et les doigtés ouverts, et privilégiez les changements de position . Vous obtiendrez ainsi un meilleur contrôle du son et du vibrato, éléments essentiels pour modeler les notes et obtenir l'expressivité nécessaire au jeu lyrique.
  • En jeu rapide, utilisez moins de changements de position, plus de cordes à vide, un doigté à main ouverte et parcourez les distances les plus courtes possibles . Il faut y aller franchement ! Donnez tout et concentrez-vous sur la meilleure façon d'interpréter le passage. Jouer vite à la contrebasse exige une efficacité technique maximale ; c'est tout le plaisir de jouer d'un instrument aussi imposant.
  • En général, on peut utiliser une corde à vide si la note est plus courte qu'un temps . Revenons au vibrato et au contrôle du timbre. Avec les cordes à vide, on ne dispose que de l'archet pour modeler la note ; il est toujours préférable d'utiliser à la fois l'archet et la main gauche pour obtenir un son plus riche.
  • Vous pouvez utiliser la technique de la main fermée pour presque tous les passages lents à modérément rapides dans le registre du cou . Le registre du cou s'étend de l'articulation à la volute. Les positions de main fermée sont également bénéfiques pour vos mains, car votre troisième et quatrième doigt partagent un tendon ; autant travailler en harmonie avec la nature. De plus, vous avez toujours la possibilité de pivoter d'un demi-ton vers le haut ou vers le bas dans n'importe quelle position.
  • Utilisez les techniques de main ouverte dans les passages extrêmement rapides, pour un jeu fluide et précis (portamanti), lorsqu'un passage se déroule autour d'une tierce ou pour inverser l'alternance rythmique des changements de mesure . La technique de main ouverte est plus rapide avec la pratique : vous gagnez un doigt ! Observez de grands guitaristes l'utiliser pour exécuter les passages avec une aisance déconcertante.
  • Utilisez la position du pouce dans le registre « position du pouce » ou jusqu'à la première harmonique. L'important est de trouver ce qui vous convient le mieux. Dans le registre aigu, la position du pouce est sans aucun doute la plus logique. Si vous débutez à la contrebasse, assurez-vous d'être à l'aise avec l'instrument avant de travailler les positions aiguës : l'intonation est plus difficile et la sensation est assez inhabituelle au début. En résumé, n'hésitez pas à utiliser le pouce même dans les aigus ; il est plus confortable ou pratique de jouer un passage un peu plus bas.

Je vous suggère de choisir votre standard de jazz préféré ou un morceau classique sur lequel vous travaillez et d'en noter autant de doigtés différents que possible. Vous devriez pouvoir en trouver au moins trois. Essayez de les jouer et évaluez-les en fonction des stratégies mentionnées plus haut. Vous serez surpris de constater à quel point un bon doigté peut améliorer votre jeu ! De plus, vous découvrirez peut-être que certains passages ou mélodies requièrent des doigtés différents. Un lick de jazz peut être plus efficace en changeant de corde, tandis qu'un autre peut être plus efficace en changeant de corde. L'important est d'expérimenter et de découvrir.

Jouer de la contrebasse est une activité à la fois très enrichissante et stimulante. Ce que j'apprécie particulièrement dans cet instrument, c'est que chacun doit s'y adapter personnellement. Deux personnes ne joueront jamais exactement de la même manière, et il est essentiel de prendre le temps d'harmoniser l'instrument avec son corps. Certains jouent assis, d'autres debout, certains utilisent un archet français, d'autres un archet allemand (j'ai même entendu parler de contrebassistes qui tiennent un archet français à la manière allemande !). En réalité, l'important est de faire corps avec l'instrument et de trouver la façon la plus confortable et la plus fluide de jouer. Je ne saurais trop insister sur l'importance d' avoir un bon professeur pour vous guider . Non seulement il ou elle pourra vous transmettre son savoir-faire musical, mais il ou elle vous aidera aussi à éviter les blessures et à trouver votre équilibre avec l'instrument.