Pops Magellan, le phénomène des Scènes de Varginha aux studios de L.A.

L'industrie musicale, avec ses exigences d'hypermécanisation et de perfection numérique, tend souvent à reléguer l'instrumentiste au rang d'exécutant transparent. Le rôle traditionnel du musicien de session ou de tournée, couramment désigné dans le jargon par l'expression « hired gun » (mercenaire), consiste précisément à se fondre dans la vision globale d'un artiste principal, sacrifiant ainsi son identité sonore sur l'autel de la cohésion d'ensemble. Rares sont les voix instrumentales qui parviennent à s'extraire de cette fonction utilitaire pour imposer une signature stylistique indélébile. Poliana Magalhães, universellement reconnue sous le pseudonyme de Pops Magellan, incarne aujourd'hui cette mutation exceptionnelle.

Désormais installée à Los Angeles, cette bassiste, compositrice, productrice et artiste visuelle brésilienne s'est d'abord imposée comme la clé de voûte rythmique de figures incontournables de la pop, du R&B alternatif et du rock mondial, accompagnant des artistes tels qu'Adam Lambert, Willow Smith et Avril Lavigne. Cependant, au-delà de ce palmarès vertigineux qui l'a propulsée sur les scènes des plus grands stades de la planète, Pops Magellan est devenue une force créatrice avant-gardiste. En fusionnant le funk, le rock, le R&B, le jazz-fusion, le psychédélisme et les rythmes traditionnels brésiliens (notamment le Maracatu et la Samba), elle a forgé un dialecte musical hybride, profondément organique et intellectuellement audacieux.

Pour le coup, on vous propose une déconstruction biographique, technique, matérielle et philosophique de la trajectoire de Pops Magellan. De ses luttes initiales dans le Minas Gerais à son triomphe en tant que productrice et « bandleader » en Californie, il s'agit d'analyser méticuleusement comment une approche centrée sur le groove, couplée à un équipement atypique et une vision multidisciplinaire, redéfinit les contours de la basse en nous en mettant plein la vue.

Les Racines Brésiliennes et l'Apprentissage par l'Adversité

La genèse d'une vocation... contre l'avis paternel

L'histoire de Poliana Magalhães débute à Varginha, une municipalité située dans l'État du Minas Gerais, au Brésil. L'écosystème familial baigne dans une effervescence musicale permanente. Les ondes sonores de la maison sont saturées par les monuments de la musique populaire brésilienne (MPB) et de la soul locale : Djavan, Elis Regina, Milton Nascimento, Gilberto Gil, Tim Maia ou encore Ed Motta cohabitent quotidiennement avec les classiques du rock international. C'est au cœur de ce métissage culturel, qui allie la richesse harmonique du jazz brésilien à la puissance rythmique de la soul, que la jeune Poliana forge son oreille interne.

La révélation instrumentale survient à l'âge de huit ans. En observant son père (guitariste) et son frère (batteur) répéter dans une pièce de la maison, elle ressent une attraction viscérale pour la basse. Cette vocation précoce se heurte néanmoins à une résistance paternelle ancrée dans des considérations morphologiques. Jugeant les mains de sa fille trop petites pour appréhender le diapason imposant d'une basse électrique, son père l'oriente d'autorité vers l'étude du piano. Le père l'accompagne assidûment à ses cours de clavier, mais il constate avec résignation que l'attention de sa fille est systématiquement captivée par la classe de basse adjacente. Devant cette obstination silencieuse mais inébranlable, il finit par capituler et lui offre son premier instrument à l'âge de neuf ans. Cet acte fondateur révèle d'emblée une psychologie réfractaire au conformisme, un trait de caractère qui définira l'ensemble de sa carrière.

L'École Brutale des « Corporate Bands »

Contrairement à de nombreux prodiges contemporains issus d'institutions académiques prestigieuses comme le Berklee College of Music, la formation de Pops Magellan est strictement empirique. Les ressources financières de la famille ne permettant pas l'accès à de telles écoles, c'est sur les planches que s'opère l'apprentissage. Dès l'âge de douze ans, elle intègre la formation événementielle familiale (« corporate band ») et embrasse le statut de musicienne professionnelle.

La période est cruciale pour comprendre l'endurance physiologique et la plasticité stylistique qui font aujourd'hui sa renommée à Hollywood. Ce groupe, une véritable machine de divertissement comprenant cinq chanteurs et six danseurs, se produit sans relâche chaque week-end lors de mariages et d'événements d'entreprise. Le cahier des charges de ces prestations est titanesque. Les concerts s'étirent souvent sur plus de cinq heures, contraignant une enfant de douze ans à jouer debout, l'instrument en bandoulière, pendant des sessions ininterrompues de quatre heures et demie.

Sur le plan strictement musicologique, cette expérience constitue le laboratoire ultime de la polyvalence. Dans une même soirée, le répertoire exige de passer sans transition de l'opéra-pop d'Andrea Bocelli au funk incandescent de Kool & the Gang, d'une Samba traditionnelle syncopée à l'agressivité grunge de Nirvana. Cette gymnastique stylistique force la jeune bassiste à déconstruire les codes de chaque genre, à modifier instantanément son attaque de la main droite, son placement rythmique (« time ») et son égalisation. De plus, évoluant sur un instrument d'entrée de gamme difficile à jouer — l'acquisition d'une véritable basse Fender relevant alors du fantasme absolu pour la famille —, elle est contrainte de développer une technique où la production du son (« tone ») provient exclusivement de la pulpe de ses doigts et de son intention musicale, plutôt que de l'électronique de l'instrument.

Le Plafond de Verre Sexiste et la Naissance de la « Palm Reader »

Si le cadre familial offre une sécurité initiale, il se mue rapidement en un carcan professionnel étouffant. Évoluant dans un circuit musical régional encore profondément imprégné par le patriarcat et le sexisme systémique, la jeune Poliana fait face à une marginalisation sournoise. Les directeurs musicaux et les autres musiciens locaux refusent de la solliciter pour des engagements extérieurs (freelance), prétextant qu'elle « appartient » organiquement à son père et à son frère, la réduisant ainsi au statut d'annexe familiale.

Refusant cette fatalité, elle décide de s'émanciper brutalement de sa formation d'origine pour affronter le circuit en solitaire. Cette quête d'indépendance l'amène à multiplier les remplacements au pied levé à travers le Brésil, jouant tous les jours avec des formations différentes. Appelé en urgence pour remplacer des bassistes défaillants, sans avoir accès aux partitions ni le temps de répéter le répertoire, elle met au point une stratégie de survie intellectuelle de haut vol : la lecture visuelle en temps réel. Fixant intensément les mains des guitaristes et des claviéristes sur scène, elle déchiffre les progressions d'accords et les renversements à la volée, adaptant ses lignes de basse dans l'instant. Cette capacité d'anticipation harmonique quasi surnaturelle lui vaut d'être surnommée la « Palm Reader » (la liseuse de mains) par ses pairs.

Cette époque valide son approche viscérale de la musique : apprendre sur scène développe une acuité d'écoute, une connexion humaine et un sens de l'urgence (« l'ici et maintenant ») qu'aucune salle de classe ne peut reproduire. Cette émancipation et ce talent brut finissent par être institutionnellement reconnus lorsqu'elle remporte un prix national prestigieux récompensant les musiciens brésiliens de premier plan.

L'Exil Stratégique (De l'Europe à la Conquête de l'Ouest)

L'Incubation Européenne : Les Années Lisboètes

Animée par une soif incoercible d'élargir ses horizons culturels et de se confronter à de nouveaux paradigmes de pensée, Poliana Magalhães quitte son Brésil natal en 2015. Elle choisit Lisbonne, au Portugal, comme première terre d'exil. Ce chapitre européen, qui durera près de cinq ans, agit comme un sas de décompression et un incubateur professionnel.

Au Portugal, elle s'immerge dans la scène locale et accompagne notamment « O Teatro Mágico », un célèbre groupe brésilien connu pour ses performances théâtrales et poétiques mêlant arts du cirque et musique pop-rock. Cette expérience de tournée internationale à grande échelle affine sa conception du spectacle global, où la musique interagit avec la narration visuelle. Toutefois, malgré une carrière stable et reconnue en Europe, l'ambition intrinsèque de Pops Magellan reste fixée sur l'épicentre névralgique de l'industrie musicale mondiale : la Californie.

2019 : L'Arrivée à Los Angeles et le Creuset de la Résilience

Le véritable saut dans le vide s'opère en 2019, lorsqu'elle décide de s'installer à Los Angeles pour confronter son talent à l'élite mondiale. Cette seconde immigration est marquée par une conjonction d'épreuves d'une extrême brutalité. Quelques jours seulement avant son départ définitif pour les États-Unis, elle perd subitement son père, l'homme qui lui avait offert sa première basse et l'avait initiée à la scène.

C'est donc en proie à un deuil dévastateur, armée d'un anglais rudimentaire et de finances précaires, qu'elle débarque dans la mégalopole californienne. À ce choc émotionnel s'ajoute l'angoisse administrative du système d'immigration américain. Sans l'appui d'un cabinet juridique majeur, elle doit naviguer seule pour constituer et obtenir son visa O-1, un sésame exclusivement réservé aux individus possédant des « aptitudes extraordinaires » dans les sciences, les arts ou les affaires. L'analyse de cette période révèle que ces traumatismes et ces luttes ne l'ont pas brisée, mais ont agi comme un catalyseur alchimique. Interrogée sur ces obstacles, elle affirme que le statut de double immigrée lui a enseigné l'humilité, la flexibilité et la nécessité vitale d'inventer des solutions créatives. Ces cicatrices existentielles se traduisent directement dans son jeu de basse, lui conférant une authenticité et une gravité émotionnelle qui transcendent la simple virtuosité.

L'Ascension Fulgurante sur le Circuit des Stades

Le marché des musiciens de session à Los Angeles est réputé pour être le plus saturé et le plus impitoyable au monde. Pourtant, le bagage accumulé lors des mariages exténuants du Minas Gerais et des tournées européennes permet à Pops Magellan de pulvériser les barrières à la vitesse de l'éclair. Son placement rythmique millimétré, son professionnalisme et son identité visuelle attirent immédiatement l'attention des directeurs musicaux de haut vol (Musical Directors ou MDs).

En un temps record, elle est recrutée pour tenir les fondations basses de mastodontes de l'industrie. Elle accompagne le chanteur pop-rock Adam Lambert, se plonge dans l'univers alt-R&B et pop-punk de Willow (Smith), et rejoint la reine du pop-punk Avril Lavigne. Ces engagements titanesques la propulsent sur les scènes les plus prestigieuses de la planète : elle fait trembler les fondations du Wembley Stadium de Londres, se produit sous la coupole majestueuse du Royal Albert Hall, et apparaît dans des émissions à l'audience globale comme The Late Late Show with James Corden.

Cette transition vers le gigantisme exige une discipline martiale. Le bassiste de stade doit posséder un son d'une consistance absolue, capable de traverser des murs de systèmes de sonorisation (Line Arrays) sans devenir boueux (muddy). Il faut exécuter des arrangements complexes au clic, interagir avec des séquences programmées, tout en dégageant une énergie scénique galvanisante. Le côtoiement d'artistes de cette envergure agit comme une masterclass ininterrompue. Pops observe, absorbe leurs techniques vocales, leur gestion de l'espace scénique et leur vision architecturale d'un show, capitalisant ces précieuses données pour son futur projet personnel.

Elle participe également à des moments d'anthologie dans la communauté de la basse. Lors d'un événement, elle partage la scène avec la flamboyante bassiste funk Nik West et la guitariste brésilienne Lari Basilio, s'engageant dans une jam session historique à deux basses sur un morceau emblématique de la légende funk Betty Davis. Cette performance confirme son statut : Pops Magellan ne se contente pas d'accompagner, elle rivalise techniquement et esthétiquement avec l'avant-garde du groove contemporain.

Esthétique et Approche Technique (Le « Pocket » avant tout)

L'ADN musical de Pops Magellan se structure autour d'un dogme absolu : la primauté du groove et du « pocket » sur la pyrotechnie digitale. Si de nombreux bassistes modernes sombrent dans la démonstration athlétique (sweeping, tapping polyrythmique), l'approche de Pops est profondément lyrique, émotionnelle et ancrée dans le rythme.

La Maîtrise de l'Espace-Temps : Le Groove

Interrogée sur ses influences majeures, elle cite spontanément Larry Graham, l'inventeur pionnier du slap à la fin des années 60 avec Sly and the Family Stone. Ce qu'elle admire chez Graham, ce n'est pas seulement la technique percussive, mais son audace expérimentale et son caractère visionnaire. Héritière de la musique brésilienne qui manie les syncopes complexes et les accents décalés avec une fluidité déconcertante, Pops conçoit la ligne de basse comme un flux vital.

Pour elle, trouver le « pocket » (cet espace métaphysique où la basse et la grosse caisse de la batterie se verrouillent de manière indissociable) nécessite une présence mentale totale, une connexion à l'instant présent qu'elle a développée lors de ses années de remplacements impromptus. « L'ambiance [le vibe] passe en premier », déclare-t-elle, insistant sur le fait que ses compositions ne visent jamais à étaler ses compétences techniques, mais à traduire une émotion pure, la basse agissant comme la voix narratrice de ses expériences.

Le Débat des Cordes : Le Retour aux 4 Cordes

L'analyse de son choix d'instrument révèle une prise de position forte à l'heure où la basse à cinq cordes (voire six cordes) domine outrageusement la musique pop, urbaine et gospel. La corde de Si grave (Low B) est devenue une exigence industrielle pour concurrencer les sub-basses synthétiques des productions modernes. Pops Magellan utilise d'ailleurs régulièrement la 5 cordes pour ses contrats de sidewoman, reconnaissant la nécessité pratique de ce registre étendu.

Cependant, lorsqu'elle bascule sur sa propre musique, elle opère un retour radical à la basse à 4 cordes. Sa justification est sans appel : « Jouer sur une basse à cinq cordes est un monde différent, mais je me sens beaucoup plus 'funky' avec seulement quatre cordes ». Ce choix n'est pas un caprice nostalgique, mais une contrainte créative délibérée. Le manche plus étroit et la tension différente d'une 4 cordes incitent à une approche plus percussive, facilitant le jeu en accords, les « ghost notes » rapides et une dynamique de la main droite beaucoup plus agressive et ancrée dans l'héritage funk des années 70.

Ingénierie du Son (Lutherie, Électronique et Effets)

La signature sonore de Pops Magellan est souvent encensée par la presse spécialisée sous les termes de « psychedelic funk », « alien funk » ou « cosmic groove ». Ce son inimitable, qui allie une assise colossale à des modulations atmosphériques, repose sur une ingénierie matérielle très spécifique, combinant diapason court, cordes lisses, micros magnétiques précis et traitement du signal atypique.

L'alliage d'une attaque percussive « old school » (flatwounds, short-scale) avec une post-production spatiale (phaser, delay, synthés superposés) confère aux lignes de Pops Magellan une aura à la fois classique et venue d'un lointain futur.

La Consécration en Solo (De la Déconstruction à l'Œuvre Magistrale)

Au faîte de sa carrière d'accompagnatrice, Pops Magellan ressent l'urgence créative de matérialiser son propre monde intérieur. « J'adore jouer de la basse avec d'autres artistes, mais j'ai senti qu'il était temps pour moi de m'engager également envers ma propre musique », confie-t-elle. Cette transition s'articule autour de sorties discographiques ambitieuses et de sessions live d'une virtuosité époustouflante, marquant l'émergence d'une véritable « bandleader ».

2024-2025 : L'Ère de l'EP Damage

Sorti officiellement à la fin de l'année 2025, l'EP Damage représente le manifeste artistique de Pops Magellan. Loin d'être un simple album instrumental pour musiciens, le projet est une exploration de l'âme, une mise en musique de ses batailles personnelles. Elle décrit l'œuvre comme « le voyage de déconstruction et de reconstruction de soi », une tentative réussie de propager sa propre voix dans le monde pour la rendre « indubitable ».

Ce projet s'est construit au fil de singles puissants, tous marqués par un métissage stylistique profond. Le processus créatif commence invariablement par la basse et la batterie (qu'elle programme souvent elle-même dans son home studio) avant d'inviter des collaborateurs d'élite.

1. Misunderstood (Août 2024) : Premier jalon de l'ère solo, cette piste fusionne la soul psychédélique et le jazz-fusion. La basse y joue le rôle principal, remplaçant la mélodie vocale conventionnelle grâce à l'usage extrême d'un effet phaser. Fruit d'une introspection vécue dans le désert de Joshua Tree durant la pandémie, le morceau s'envole grâce aux harmonies vocales d'Astyn Turr et Laila Annelle, au groove chirurgical des batteurs Justin Brown et Robert "Sput" Searight (Snarky Puppy), et culmine avec un solo de synthétiseur de Taylor Graves, décrit par Pops comme un véritable « enlèvement extraterrestre ».

2. Deep Thoughts (Novembre 2024) : Sur ce titre, Pops assume un contrôle créatif total. Elle écrit, produit, joue les synthétiseurs et la basse, et réalise même la pochette du single (un collage visuel). Musicalement, le morceau intègre des mélodies syncopées de Maracatu (rythme afro-brésilien) noyées dans des paysages sonores électroniques spatiaux, soutenues par la batterie virtuose de Noa Kahn. Le thème aborde la reddition face au processus d'acceptation et d'évolution personnelle.

3. Funk Karma (Janvier 2025) : Une démonstration de force funk-électronique. Avec la participation de Swatkins, du guitariste Artur Menezes et de Chris Payton, le morceau entremêle des lignes de basse si saturées d'effets et de groove que l'auditeur peine parfois à identifier l'instrument d'origine. L'intention est de mêler le rétrofuturisme à une réflexion sur la croissance personnelle et le karma. Elle interprétera ce titre en live lors du prestigieux salon du NAMM 2026, déclenchant l'admiration de la communauté des bassistes.

4. Drive Complaining (Août 2025) : Morceau instrumental brut et incroyablement funky, où Pops délaisse la Mustang pour la morsure de la Music Man StingRay short-scale. Enregistré en condition live aux studios EastWest, ce titre met en exergue l'interaction viscérale (les « trades » ou échanges de solos) avec le claviériste Curtis Crump, le guitariste Artur Menezes et le batteur Sput Searight, transformant l'ensemble en une jam session d'une cohésion terrifiante.

La sortie de Damage est magnifiée par une série de vidéos captées en direct (Live at EastWest Studios). Pour s'assurer que l'esthétique visuelle soit à la hauteur de l'enjeu musical, Pops Magellan fait appel à l'ingénieur du son Thai Long Ly et au réalisateur Frederick Cochran, qui utilise des objectifs ultra-grand-angles (Laowa 11mm) pour retranscrire la dimension cinématographique de la pièce. L'accueil par ses pairs est dithyrambique. Le guitariste Artur Menezes déclare : « Elle a la technique, le son, et surtout, le pocket... L'une des rares qui rend vraiment [le funk] funky. » Peter Dyer, directeur musical d'Adam Lambert, salue sa capacité à savoir exactement ce qui est nécessaire tout en apportant son style unique, tandis que le claviériste Taylor Graves souligne que « Pops écrit des lignes de basse qui semblent classiques tout en sonnant comme si elles venaient d'un futur lointain ».

L'Extension des Frontières : UNSOLICITED JAMS (2026)

Le processus créatif de Pops Magellan s'avère insatiable. Le 23 octobre 2026, elle publie un nouvel EP intitulé UNSOLICITED JAMS, enregistré en direct lors des « ThaiSpace Sessions ». Si Damage était l'affirmation de son identité de compositrice, ce nouvel opus démontre son audace en matière de réinterprétation et d'improvisation collective.

Co-produit avec Gordon Campbell (également à la batterie), et réunissant Artur Menezes (guitare), Collin Clauson (claviers) et Henry McDaniel IV (batterie), cet EP délaisse le format chanson pour s'aventurer dans l'improvisation longue durée, les pistes s'étirant sur huit ou neuf minutes. L'audace réside dans le choix du répertoire couvert :

• "Go" : Une réinvention percussive du titre électro des Chemical Brothers.

• "National Anthem" : Une appropriation de la ligne de basse anxiogène et fuzzée de Radiohead, métamorphosée en jam cosmique.

• "Night of the Thumpasorus Peoples" : Un hommage direct aux fondateurs du P-Funk, Parliament.

• "TBC" : Une longue élucubration instrumentale originale.

Justifiant la longueur de ces morceaux, Pops Magellan affirme son refus du formatage numérique imposé par l'ère du streaming : « Je voulais garder les performances réelles et laisser à la 'jam' le temps dont elle avait besoin. Je n'étais pas intéressée par l'idée de couper les choses juste pour les rendre plus courtes. Vous acceptez le voyage ou non ».

Pour célébrer la sortie de cette œuvre organique, le « Pops Magellan Band » se produit le 25 octobre 2026 au Baked Potato Jazz Club de Studio City (Los Angeles). Investir ce club mythique, véritable temple de la fusion californienne, au même titre qu'un Larry Carlton ou qu'un Vinnie Colaiuta, valide définitivement son rang de leader incontestée au sein de l'élite instrumentale mondiale.

Une Productrice Récompensée

L'intelligence analytique de Pops Magellan (celle-là même forgée en lisant les accords sur les manches des guitaristes au Brésil) l'a naturellement conduite vers la réalisation artistique. En 2026, elle produit l'album Microwaved Dreams du virtuose brésilien de la guitare blues-rock, Artur Menezes. Son approche de la production, qui structure l'énergie brute du guitariste tout en optimisant l'espace fréquentiel, s'avère couronnée de succès : le single de l'album, "Once Again", vaut à Menezes le prestigieux titre d'Artiste de l'Année 2026 aux Unsigned Only Music Awards.

Le Lien Visuel et la Synthèse Multidisciplinaire

Tenter de comprendre l'art de Pops Magellan par le seul prisme de la musique serait incomplet. Elle se définit elle-même comme une artiste multidisciplinaire pour qui les stimuli visuels et sonores sont poreux et interdépendants.

Son antre créatif, à Los Angeles, est physiquement scindé en deux espaces distincts : un studio d'enregistrement musical classique et un atelier d'arts plastiques. Si elle n'avait pas été musicienne, elle confesse qu'elle aurait évolué dans la mode ou les arts visuels. Elle est d'ailleurs une créatrice de mode amatrice, une photographe avisée, et surtout, une experte de l'art du collage analogique et numérique.

Le collage, qu'elle élabore à partir de photographies originales et d'autoportraits, n'est pas un outil promotionnel secondaire : c'est le prolongement de sa ligne de basse. Chaque composition musicale trouve sa genèse ou son achèvement dans une œuvre visuelle spécifique. La couverture du single Deep Thoughts est l'un de ces collages.

L'analyse de cette bivalence est fascinante. Techniquement, construire un collage visuel (superposer des éléments disparates, jouer sur les textures, les contrastes d'époque) est exactement l'équivalent cognitif de la production musicale de Pops Magellan. Prendre le son fondamental d'une corde lisse des années 60 (l'élément vintage), y superposer un effet phaser inspiré de la musique de film (la texture), et asseoir le tout sur un rythme afro-brésilien programmé par ordinateur, relève purement de l'art du collage. Elle bâtit un univers totalitaire où l'œil et l'oreille reçoivent la même information esthétique.

Le Retour Triomphal au Brésil (La Boucle est Bouclée)

Si l'exil californien lui a offert les ressources et l'exposition mondiale, le cordon ombilical avec les rythmes de sa terre natale n'a jamais été rompu. En juin 2025, forte de son nouveau répertoire solo et de sa légitimité internationale, Pops Magellan effectue un retour triomphal au Brésil, non plus en tant que musicienne d'accompagnement de la scène de Varginha, mais en tant que tête d'affiche internationale.

Elle organise deux dates exclusives sous le sceau prestigieux de la franchise Blue Note. Le 4 juin, elle se produit au Blue Note Rio de Janeiro à Copacabana, partageant la scène avec le musicien Oswaldo Lessa du collectif AfroJazz. La semaine suivante, le 11 juin, elle enflamme le Blue Note São Paulo. L'affiche de São Paulo revêt une symbolique poignante : elle y invite Fernando Anitelli, le chanteur d' O Teatro Mágico (son ancien employeur lors de son exil portugais), aux côtés de la talentueuse guitariste et productrice Mônica Agena et du trompettiste Sidmar Vieira. En mélangeant les inédits de Damage et des réinterprétations audacieuses, Pops réunit sur une même scène son passé brésilien, son exil lisboète et son accomplissement américain.

La carrière de Poliana "Pops" Magellan s'impose comme un cas d'étude incontournable pour tout musicien professionnel et tout passionné de la basse. Elle déconstruit plusieurs mythes tenaces de l'industrie musicale contemporaine, offrant une masterclass de résilience et de créativité.

En définitive, Pops Magellan ne se limite plus à anticiper les accords en lisant les mains de ses collègues. Elle écrit aujourd'hui sa propre histoire à l'encre indélébile. En mêlant héritage afro-brésilien, funk séminal, production d'avant-garde et arts visuels, elle s'établit non seulement comme l'une des figures majeures de la guitare basse de sa génération, mais comme une architecte sonore totale, redéfinissant de fait le rôle de l'instrumentiste soliste au XXIe siècle.