Karl Clews est un bassiste, producteur et auteur-compositeur basé à Galway, dans l'ouest de l'Irlande, qui s'est forgé au fil du temps une solide réputation internationale. Sa particularité tient, je pense, à ce merveilleux équilibre entre soliste et accompagnateur qu'il maitrise du bout des doigts et il mérite que l'on s'attarde sur son travail et son oeuvre :-)
Bonjour Karl. Comment as-tu commencé la musique ?
Je n'étais pas particulièrement intéressé par la musique quand j'étais enfant, et ma famille proche n'était pas musicienne. Cependant, l'un de mes premiers souvenirs est celui d'être assis sur le banc du magnifique orgue à tuyaux de l'église que ma famille fréquentait, à côté de mon grand-père qui jouait pour les offices du dimanche. Je regardais ses mains voler sur les claviers et ses pieds pomper sur les pédales, et je m'émerveillais de la façon dont la pièce et l'air qui l'entourait résonnaient avec les sons qu'il en tirait. Je crois que je recherche encore cette sensation chaque fois que je joue de la basse !
À vrai dire, j'étais un enfant agité, alors mes parents m'ont acheté une petite guitare acoustique vers huit ans, juste pour m'occuper les mains. Mais je m'y suis vite habitué et, peu après, j'ai pris des cours avec un merveilleux professeur de guitare classique du coin, Richard Turner. Il m'a guidé à travers tous les niveaux et un diplôme d'interprète, mais surtout, il m'a ouvert les yeux sur un monde musical plus vaste. Bien sûr, nous avons étudié principalement la musique classique, mais de temps en temps, nous laissions les guitares dans leurs étuis et Richard m'installait dans son salon avec son tourne-disque et son immense collection de vinyles. Nous écoutions et discutions de musiques aussi variées que The Blue Nile, Bill Evans, Miles Davis, John Coltrane, Steely Dan, George Gershwin et Tom Lehrer.
À cette époque, mes artistes préférés étaient généralement des guitaristes rock comme Mark Knopfler de Dire Straits et Lindsey Buckingham de Fleetwood Mac. En tant que guitariste, j'écoutais d'autres guitaristes. Cependant, je me souviens très bien du jour où j'ai découvert la guitare basse. En première année de collège, ma classe se trouvait, par hasard, au département de musique. Alors, à l'heure du déjeuner, quand mes camarades et moi étions de retour dans notre classe pour déjeuner, discuter ou jouer, un groupe d'élèves plus âgés arrivait souvent et s'entraînait ensemble sur les instruments présents : un piano, une guitare électrique, une batterie. Je n'y prêtais généralement pas beaucoup d'attention. Mais un jour, j'ai remarqué que le son était différent : plus puissant, plus chaleureux, plus musical. Pour une raison inconnue, ils ressemblaient soudain à un groupe, et non plus à quelques gars qui s'affrontaient dans un coin. Je suis donc allé voir ce qui avait changé. J'ai vu qu'il y avait un nouveau gars avec eux, cette fois, et il avait branché une autre guitare, une plus grosse avec seulement quatre grosses cordes épaisses. Et c'est ce qui a fait toute la différence dans leur son. À partir de ce moment-là, j'ai su que c'était l'instrument que je voulais jouer. Peu après, j'ai rejoint l'orchestre de jazz de l'école, juste pour pouvoir jouer de la basse (une Westone Thunder noire !) quelques heures par semaine. J'ai alors commencé à écouter de la musique où j'entendais clairement la basse, où elle captait mon attention et semblait diriger la musique : comme c'était les années 80, cela signifiait bien sûr le niveau 42 (outre son talent à la basse et son merveilleux style propulsif et percussif, Mark King avait toujours l'air de s'amuser à la basse !), mais, grâce aux conseils de mon professeur de guitare et à sa collection de disques, je me suis aussi plongé dans des artistes comme Weather Report, Stanley Clarke, Miles Davis, Marvin Gaye et Stevie Wonder. Et bientôt, j'ai eu ma première basse (une Aria Cat rouge scintillante) et j'ai commencé à jouer dans les orchestres de l'école.
Pourtant, à l'université, je n'avais jamais vraiment imaginé faire de la musique ma carrière. J'étais un étudiant, doué avec les langues et les mots, et on supposait que je ferais une carrière littéraire. Ma famille ne m'a certainement pas encouragé à me lancer dans la musique, car c'était une profession considérée comme trop instable. Cependant, je n'avais pas vraiment d'idée précise de ce que je voulais faire, et je me souviens d'avoir consulté le conseiller d'orientation de l'université, espérant qu'il me donnerait des idées. Au lieu de cela, il m'a simplement demandé : « Qu'est-ce que tu aimes faire ? » Je lui ai répondu que j'aimais jouer de la basse. Il m'a demandé : « Tu es doué ? », ce à quoi j'ai répondu : « Oui, je pense. » Il m'a répondu : « D'accord, alors fais-le. » Ce fut la réunion de conseil d'orientation la plus rapide de ma vie !
Comment s'est passée ton expérience en France ?
J'ai étudié le français et l'allemand à l'université, ce qui m'a permis de travailler et d'étudier pendant un an à l'étranger. J'ai obtenu un stage dans une petite ville des Vosges, dans l'est de la France. C'était un endroit charmant, mais il n'y avait pas vraiment de scène musicale. Du coup, pendant mon temps libre, j'allais à Nancy ou à Épinal, non loin de là, pour découvrir les magasins de musique, les jam sessions et les concerts locaux. J'ai joué avec différents groupes de jazz et de rock, et j'ai joué plusieurs fois au festival Nancy Jazz Pulsations, mais de manière informelle, sachant pertinemment que je devrais retourner à l'université l'année suivante. Cependant, j'ai noué de bons contacts qui, après mes études, m'ont invité à Paris et m'ont aidé à trouver du travail avec différents groupes et artistes. J'y ai passé deux années merveilleuses, à explorer les clubs de jazz et à jouer avec des musiciens fantastiques, dont le légendaire Manu Dibango et MC Solaar. Et oui, je dirais que le travail musical se fait de la même manière à Paris qu'ailleurs : les musiciens sont les mêmes partout dans le monde. Mais je dirais que, de tous les endroits où j'ai vécu, travaillé et joué, Paris est celui qui concentre le plus de musiciens de haut niveau, et c'est là que se trouve le style musical qui me plaît le plus : un mélange de sophistication européenne et de décontraction et d'exubérance africaines. C'est un merveilleux melting-pot musical.
Et comment est né le partenariat avec les basses Bogart ?
Vers 2017, j'ai lancé ma chaîne YouTube. À l'époque, je n'envisageais pas de la rendre publique. Lorsque je suis passé à la basse, ce qui me manquait le plus dans la guitare classique, c'était la possibilité de la jouer en solo tout en conservant un son « complet ». Les morceaux de guitare classique sont généralement écrits pour être joués en solo, le guitariste jouant plusieurs parties simultanément, le pouce jouant la ligne de basse, les doigts jouant la mélodie et l'harmonie par-dessus. Pour paraphraser le grand guitariste Segovia, la guitare est un orchestre dans un seul instrument. En revanche, la basse, traditionnellement, est un instrument monophonique, joué en soutien d'autres instruments. Mais il m'est apparu qu'avec les progrès des conceptions modernes, il n'y a aucune raison pour que la basse ne puisse pas fonctionner de la même manière qu'une guitare. Depuis que j'ai commencé à jouer de la basse, pendant mon temps libre, j'expérimentais constamment des techniques de guitare classique sur la basse afin de créer un morceau musical « complet » sans avoir recours à des instruments ni à des musiciens supplémentaires. J'inventais donc des arrangements de basse solo, rien que pour moi, pour voir jusqu'où je pouvais pousser la basse comme instrument solo. Cependant, trop paresseux pour les retranscrire, j'avais tendance à les oublier plus tard si je ne les travaillais pas régulièrement. Il me fallait donc un moyen de les documenter pour pouvoir y revenir plus tard si je le souhaitais. C'est à cela que servait ma chaîne YouTube : un simple endroit où je conservais des enregistrements filmés de mes arrangements de basse solo. Cependant, certains de mes arrangements ont été repris par de grands noms (merci notamment à Bootsy Collins pour avoir largement partagé ma vidéo de La Panthère Rose !), ce qui a donné un coup de fouet à ma chaîne, qui est rapidement devenue une véritable activité. Et ironiquement, la transcription de mes arrangements pour que d'autres puissent les jouer – exactement ce que j'essayais d'éviter en créant ma chaîne YouTube ! – représente désormais une part importante de mon activité (vous pouvez acheter mes transcriptions sur ma page Patreon, www.patreon.com/karlclews).
En tout cas, mes vidéos ont attiré l'attention de Stefan Hess de Bogart Basses. Il m'a envoyé un e-mail pour me dire combien il appréciait mes arrangements et qu'il serait honoré si je pouvais essayer une de ses basses. Pour être honnête, je ne cherchais pas à obtenir des recommandations d'instruments : j'ai des goûts très particuliers en matière de basses : j'aime les basses sans tête, pour la facilité de changement de cordes, l'ergonomie et l'esthétique ; j'aime les basses en fibre de carbone, pour la réponse immédiate, la clarté et la cohérence sonore – et rares sont les fabricants qui produisent des basses comme celles-ci. D'ailleurs, jusqu'à présent, j'utilisais ce que je considérais comme le summum de ce style de basse, une basse Status Graphite. Status a déjà de nombreux clients de renom, et n'avait certainement pas besoin de moi ! Cependant, lorsque j'ai commencé à me renseigner sur Bogart après la généreuse offre de Stefan, j'ai vite compris que ses basses répondaient aux mêmes critères que Status, et même plus ! Nous avons donc échangé sur les différents éléments de conception, et le résultat est devenu ma basse signature, la Bogart Broadsword. Je suis ravie : c'est vraiment la basse au son le plus merveilleux que j'aie jamais possédée, et elle est incroyablement polyvalente : je l'utilise pour tout, du studio aux concerts de reprises avec des groupes, en passant par mes performances solo. Depuis, Stefan et moi avons également collaboré sur un autre modèle, la Warhorse, une Stingray sans tête, en fibre de carbone et équipée de Darkglass, un autre instrument fantastique. J'ai hâte de collaborer avec Stefan sur d'autres modèles à l'avenir !
Peux-tu nous parler de l'atmosphère et de la genèse de l'album And/Or ?
Bien que je sois extrêmement satisfait du résultat d'And/Or, ce n'est pas vraiment l'album que je voulais faire. Après Dissident, Navigator et Nomad, mes trois premiers albums axés sur la basse, je voulais faire un album avec mon trio live, quelque chose de plus organique, qui reflèterait le son et l'ambiance de nos concerts. Cependant, pendant que je recherchais les studios et les ingénieurs du son à utiliser, et que je collectais les fonds pour cet album, je continuais à écrire et à enregistrer des morceaux inédits. La créativité et l'inspiration ne sont pas comme un robinet qu'on ouvre et ferme à volonté. Pas pour moi, en tout cas ! Ces compositions me venaient encore, même si je n'en avais pas encore particulièrement besoin ! J'ai donc décidé de les utiliser quand même, mais je ne voulais pas que l'album soit une simple continuation de ce qui avait été fait auparavant. Je voulais qu'il soit un point de ponctuation. J'ai une méthode de composition que je trouve assez inhabituelle, et j'ai donc pensé que ce serait une idée intéressante à utiliser comme concept pour cet album, And/Or, en offrant à l'auditeur un aperçu de ce processus. En résumé, lorsque j'écris un nouveau morceau, j'ai tendance à créer une mélodie sur un ensemble très simple d'accords et un accompagnement rythmique. Ensuite, je supprime complètement ces accords et cette piste rythmique et les remplace par quelque chose de complètement différent – souvent aussi éloigné que possible de l'accompagnement original : accords étendus et accords slash, batterie à double mesure, etc. – tout en conservant la mélodie originale. Le résultat, c'est une quasi-déconnexion étrange entre mélodie et accompagnement, que j'adore et qui peut, presque accidentellement, créer des ambiances des plus inattendues. Je répète souvent ce processus plusieurs fois pour chaque composition, en reprenant des éléments que j'apprécie à chaque itération, jusqu'à obtenir une combinaison qui me convient. Cela signifie qu'au cours du processus, j'aurai plusieurs versions d'une même composition, d'une même mélodie, mais avec des accords et des rythmes extrêmement variés, toutes jouées simultanément dans mon studio. Et même si je finirai par les abandonner toutes pour une seule, à ce stade, elles sont toutes aussi valables en tant que compositions musicales. Et j'ai commencé à trouver vraiment dommage que certaines de ces premières versions n'aient jamais été entendues. C'est pourquoi, sur cet album, je présente deux versions de chaque composition, laissant à l'auditeur le soin de choisir celle qu'il préfère. D'où le titre de l'album, And/Or – peut-être aimerez-vous les deux versions, peut-être préférerez-vous l'une plutôt que l'autre, mais surtout, vous aurez un aperçu de l'évolution radicale d'une composition au cours du processus créatif.
Et c'est intéressant que tu mentionnes l'idée de voyage et d'atmosphères dans ma musique. Ce sont des éléments parmi les plus importants pour moi en composition. Un critique a dit un jour qu'elle entendait « beaucoup d'air et d'eau » dans ma musique. C'est peut-être parce que je suis Verseau, mais c'est certainement parce que je recherche toujours une sensation de fluidité et de légèreté en musique. C'est pourquoi il est ironique que je le fasse avec une basse, que beaucoup considèrent comme l'un des instruments les plus « terrestres », « solides » et « enracinés » ! Malgré mon amour pour la basse, les aigus sont importants dans mes compositions. L'électronique des basses modernes est aujourd'hui bien plus performante dans les hautes fréquences qu'auparavant, et les basses sont désormais conçues pour offrir un spectre complet. Alors, pourquoi ne pas exploiter ces aigus aériens ? La clarté des aigus est l'une des raisons pour lesquelles je privilégie les instruments en fibre de carbone, et j'aime utiliser des basses piccolo (des basses avec des cordes ultra-légères qui sonnent une octave plus haut qu'une basse classique) pour ajouter de l'éclat à cette extrémité du spectre. Cette légèreté et cette fluidité évoquent naturellement un sentiment de voyage dans ma musique, et je considère chaque composition comme un voyage, tant pour moi que pour l'auditeur : à la fin du morceau, je veux que l'auditeur se retrouve dans un lieu différent, émotionnellement ou spirituellement, de celui où il était au début. Je veux que l'auditeur ressente du mouvement grâce à la musique. Il doit y avoir un mouvement narratif, une histoire racontée par le son. Et je suis un grand fan de producteurs comme Brian Eno et Daniel Lanois : j'aime le fait que leur musique n'a pas besoin d'être parfaite ; en fait, c'est dans les imperfections, les notes brisées, les sons non musicaux, l'utilisation de bruits apparemment aléatoires et de sons trouvés que l'on trouve la magie. La musique ne se produit pas dans un vide insonorisé. Elle fait partie du monde, et les sons de la vie qui nous entoure s'immiscent dans la musique et en font partie intégrante. J'aime donc incorporer occasionnellement des samples de spoken word, des lignes musicales fausses et déformées, des effets sonores naturels, comme le chant des oiseaux, l'eau, la pluie et le tonnerre, par exemple, pour donner à la musique une impression d'appartenance, d'existence dans le monde, plutôt que d'isolement total. Tout cela, je pense, contribue à créer une atmosphère, presque cinématographique.
Quel est ton emploi du temps ?
Ah, mon emploi du temps est bien chargé ! Je suis musicien à temps plein, donc je n’ai pas un emploi du temps régulier de 9 à 17 heures. Le week-end, je joue avec des groupes de mariage et de réception dans tout le pays, et je joue avec des groupes de reprises ou mon propre trio jazz/fusion plusieurs fois par semaine. J’enseigne la basse et la guitare classique quelques heures par semaine, et j’ai généralement une ou deux séances en studio chaque semaine. J’ai aussi une famille, donc j’ai besoin de passer du temps avec eux aussi. Deux ou trois fois par an, je pars en tournée pendant une semaine environ en Europe, soit avec mon propre groupe, soit avec celui d’un autre artiste. Mais malgré tout cela, je trouve généralement quelques heures par semaine pour créer un nouvel arrangement de basse solo, ou une nouvelle composition originale. C’est ma méditation, un moment essentiel de ma semaine. Et c’est là que je pratique et développe ma technique. J'ai tendance à avoir un objectif final lorsque j'étudie ou que je pratique – je n'ai jamais été doué pour m'entraîner simplement pour le plaisir. Mais s'il y a une technique que je dois apprendre, améliorer ou peaufiner pour pouvoir jouer un nouvel arrangement pour basse solo que je viens de créer, alors je peux le faire. Mes arrangements pour basse solo sont donc essentiels à mon développement musical. Et pour être honnête, à ce stade, arranger un morceau pour la basse ne me prend pas longtemps. Je le fais depuis assez longtemps et assez régulièrement pour que des accords exploitables me viennent immédiatement à l'esprit, et j'ai développé une collection d'astuces et de solutions de contournement pour pratiquement toutes les situations musicales. Ainsi, décortiquer un morceau et le reconstituer sous forme d'arrangement pour basse solo ne me prend généralement qu'une heure ou deux. Ensuite, je passe deux heures supplémentaires à le travailler jusqu'à ce que je puisse le jouer couramment. L'enregistrement ne me prend ensuite que deux heures supplémentaires. En général, il s'agit d'une seule prise. J'essaie de conserver un enregistrement aussi fidèle que possible à ma performance live, mais il m'arrive d'intervenir pour corriger des notes ratées si elles me gênent. Enfin, l'enregistrement et le montage de la vidéo prennent deux heures supplémentaires. Là encore, mon processus de montage est désormais assez simplifié, et certaines parties sont automatisées. Donc, au total, de la conception à la publication sur YouTube, un arrangement pour basse solo me prend environ une journée, même si ce temps est généralement réparti sur la semaine. Honnêtement, le plus difficile est de choisir le morceau à arranger ! Souvent, il s'agit d'un morceau que je fais en concert cette semaine-là – un morceau que je dois apprendre pour un mariage ou une réception d'entreprise et qui, selon moi, pourrait constituer un défi intéressant en arrangement solo. D'autres fois, ce sera quelque chose que j'entends à la radio en allant à un concert, ou un générique de télé que j'écoute en me relaxant en fin de soirée. Je dois juste rester ouvert à l'inspiration, où qu'elle vienne.
Est-ce qu'il a des projets pour 2025/26 ?
Pour 2025/26, j'espère jouer davantage avec mon trio jazz/fusion, et interpréter certains de mes arrangements et compositions originales pour basse. La demande de concerts de jazz – surtout de jazz original avec basse ! – est faible en Irlande, et trouver des concerts peut être difficile, frustrant et chronophage. J'étends donc mes recherches plus loin, en espérant mettre un pied dans les différents festivals et circuits de jazz européens. Il est également temps que je réponde à certaines des invitations que j'ai reçues ces dernières années à divers salons de guitare. J'espère donc me produire à Mannheim plus tard cette année, et à d'autres l'année prochaine. Et bien sûr, l'écriture et l'enregistrement continuent, alors j'espère pouvoir reprendre l'enregistrement de l'album que je comptais faire avant And/Or !
Aurais-tu un conseil à donner à un bassiste débutant ?
Mon conseil à un bassiste débutant serait tout simplement : soit différent, original, et surtout soit toi-même. La basse est un instrument relativement jeune, et la technologie a tellement évolué depuis son apparition qu'il y a encore des choses qui n'ont pas été faites sur la basse. Si tu restes fidèle à toi-même, ne te laisse pas aveugler par ce qui a été fait auparavant, ni découragé par les critiques et les observateurs, peut-être seras-tu celui ou celle qui innovera avec. Le rôle de la basse est encore en développement. Nous pouvons encore le définir. Oui, elle jouera toujours un rôle de fondation pour un groupe, soutenant les notes fondamentales et soutenant les autres instruments. Ce sera toujours nécessaire, alors ne néglige pas cet aspect de ton jeu. Mais n’ai pas peur de continuer à explorer, car nous ne connaissons toujours pas toute l’étendue de ce que la basse peut faire, car la technologie continue de progresser, de nouveaux matériaux et de nouvelles avancées électroniques deviennent disponibles et de nouvelles techniques de jeu sont développées.
Pour savoir plus
Website: www.karlclews.com
Youtube channel: www.youtube.com/karlclews
Patreon page: www.patreon.com/karlclews
Spotify: https://open.spotify.com/artist/4rQGnSKHWz470v8rqncY7L?si=7e9PuJIkQ629_tWd9bnclg
Bandcamp: www.karlclewsbass.bandcamp.com
Bogart Broadsword: https://www.bogart-bass.de/index.php/instrumente/karl-clews-signature-broadsword-4-string
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